Consuelo Kanaga estaba “muy adelantada a su tiempo”, dijo Dorothea Lange en la década de 1960, recordando los primeros días de su amistad y su búsqueda compartida de la fotografía. “Generalmente, si usas la palabra ‘poco convencional’ te refieres a alguien que rompe las reglas; ella no tenía reglas”. La evaluación de Lange refleja el estatus de Kanaga como una de las pocas mujeres que se convirtió en fotoperiodista de un periódico importante en la década de 1910, y su asociación con grupos de vanguardia en los Estados Unidos durante la década de 1930. Sin embargo, no pudo comprometerse plenamente con su arte. Se casó varias veces, y a menudo dejó su carrera en suspenso; se mudó por todo el país; y trabajó en varios trabajos para mantenerse. Hoy en día, el trabajo de Kanaga sigue siendo poco reconocido a pesar de su notoriedad durante su propia vida y el camino que forjó para las fotógrafas.
Durante seis décadas, Kanaga, una mujer blanca, documentó problemas sociales, desde la pobreza urbana y los derechos laborales hasta el terror racial y la desigualdad. También defendió las posibilidades formales y poéticas de la fotografía como forma de arte. Su producción abarca fotoperiodismo, naturalezas muertas modernistas y retratos célebres de estadounidenses negros, tanto famosos como anónimos.
Nació Consuelo Delesseps Kanaga el 15 de mayo de 1894 en Astoria, Oregón, nació el segundo hijo de Amos Ream Kanaga y Mathilda Carolina Hartwig, dos escritores y profesionales de mentalidad independiente. En 1915, a la edad de 21 años, comenzó a escribir para el San Francisco Chronicle, donde aprendió fotografía mientras cumplía encargos. Comenzó a trabajar como fotógrafa del periódico alrededor de 1918 y al año siguiente se mudó a otro periódico de San Francisco, el Daily News.
En 1922, después de separarse de su primer marido, Kanaga se mudó al este para comenzar de nuevo. Le ofrecieron un trabajo como fotoperiodista en el periódico New York American de William Randolph Hearst. Allí conoció al joven artista Donald Litchfield, un inglés que trabajaba como retocador. Se convirtieron en pareja y, en 1924, regresaron a California.
Mientras estaba en Nueva York, Kanaga conoció al fotógrafo y galerista Alfred Stieglitz, quien la animó a dedicarse a su arte. Los dos se hicieron amigos y su trabajo tuvo un impacto imborrable en el de ella. Kanaga produjo fotografías en San Francisco y Nueva York durante las décadas de 1910 y 1920 que demuestran su creencia en el valor observacional de la fotografía, capturando escenas de la vida cotidiana.
Las primeras fotografías de Kanaga pueden asociarse con el estilo conocido como “fotografía directa”, que favorecía la imagen no manipulada. Fue popularizado por publicaciones como la revista Camera Work de Stieglitz. Un número de la revista, de 1917, incluía una carpeta de fotografías de objetos, personas y escenas urbanas de Paul Strand que Stieglitz elogió como “brutalmente directas”. Desprovisto de toda tontería; carente de engaños y de cualquier ‘ismo’”.
Kanaga comenzó a hacer retratos fotográficos para complementar sus ingresos; Operaría estudios de retratos de forma intermitente durante las siguientes décadas. El retrato también se convertiría en el foco principal de su trabajo artístico y no comercial. Si bien gran parte de su trabajo en fotoperiodismo se ha perdido, el retrato está bien representado entre sus negativos y impresiones supervivientes. Sus fotografías de clientes de élite, así como de artistas, músicos, fotógrafos y escritores, evidencian cómo Kanaga experimentó posando, recortando, iluminando e imprimiendo para mejorar el potencial expresivo de una imagen.
Entre las experiencias más formativas Para Kanaga fue su viaje a Europa y el norte de África en 1927-28. Ella escribió que la experiencia solidificó su interés por el retrato: “Es extraño, pero cuanto más veo retratos, más cerca me siento de expresarme. Ahora puedo ver cómo las horas pasadas absorbiendo la calidad de la pintura y la escultura en el extranjero me han dado el anhelo de un trabajo más claro y penetrante. Cualquier día sacrificaría el parecido para captar el sentimiento interior de una persona”.
Kanaga regresó a Estados Unidos con un nuevo sentido de propósito. Si bien había escrito sobre sus puntos de vista sobre el racismo en Estados Unidos durante sus viajes al extranjero (“Estoy harta de ver a hombres y mujeres de color abusados por estúpidos blancos”, se lee en una carta de 1927), no fue hasta que regresó a San Francisco que Kanaga comenzó a hacer arte que expresaba estas creencias, como “Manos”, a partir de 1930.
En Harlem, durante las décadas de 1920 y 1930, los intelectuales y artistas negros buscaron redefinir y celebrar la identidad negra estadounidense, un movimiento conocido como el Renacimiento de Harlem. Pidieron a los artistas blancos que también participaran. La respuesta de Kanaga se puede ver en muchos de sus retratos.
En 1935, Kanaga estaba de regreso en Nueva York, donde se dedicó a crear un portafolio de retratos de personas que vivían en Harlem. A diferencia de otros fotógrafos, ella no destacó la pobreza de sus vidas. Casi siempre produjo retratos formales que excluían elementos significativos como los interiores ruinosos. En cambio, el foco compositivo son los rostros y la vestimenta de sus modelos.
La capacidad de Kanaga para crear una cartera de la vida negra estadounidense se volvió cada vez más difícil. En 1936 conoció al pintor Wallace Putnam, con quien finalmente se casó. En 1940, compraron una propiedad en el norte del estado de Nueva York y, en 1950, se mudaron allí a tiempo completo. La práctica artística de Kanaga disminuyó durante las siguientes dos décadas, aunque fotografió el entorno natural alrededor de su casa.
Durante el invierno de 1949-50, los artistas Milton y Sally Avery la invitaron a ella y a Putnam a quedarse con ellos en una colonia de artistas en Maitland, Florida. Allí Kanaga realizó una serie de fotografías de familias negras y trabajadores agrícolas. Una fotografía muestra a una madre escultural con su hijo y su hija a su lado. Obtendría un estatus icónico en la exitosa exposición del MoMA de 1955 de Edward Steichen. La familia del hombredonde se combinó con una frase de Proverbios 3:18: “Ella es árbol de vida para los que de ella echan mano, y bienaventurados todos los que la retienen”. Desde entonces se la conoce como “Ella es el árbol de la vida”.
Kanaga falleció en febrero de 1978, a la edad de 83 años. Durante los últimos años de su vida, comenzó a recibir más reconocimiento por sus contribuciones a la fotografía modernista. Realizó varias exposiciones, incluida una exposición panorámica en el Museo de Brooklyn en 1977. Sin embargo, su política a menudo ha quedado oscurecida. Enfrentando el racismo y las luchas de los trabajadores, la obra única de Kanaga sintetiza el fotoperiodismo y el retrato en la creación de fotografías hermosas pero también políticas.
Drew Sawyer es comisario de “Consuelo Kanaga: Catch the Spirit” en el Museo de Arte Moderno de San Francisco hasta el 9 de febrero, en coproducción con el Museo de Brooklyn y Fundación MAPFRE, Madrid
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