Appelez-moi un snob d’art, si vous voulez. Vieille école. Je vais lever la main pour cela. J’aime regarder les œuvres d’art dans leur chair, face à face, à la taille et à l’échelle auxquelles elles ont été imaginées et créées. Pas de gâchis. Je pourrais vous écrire plusieurs milliers de mots sur toutes les raisons pour lesquelles je pense que c’est essentiel — mais je vous épargnerai.
Vous pouvez imaginer, cependant, que des choses telles que Van Gogh : l’expérience immersive, blockbuster mondial qu’il est, sont plutôt éprouvants pour des gens comme moi. Pour expliquer, si vous ne faites pas partie des plus de 5 millions de personnes à travers le monde qui ont essayé cela, c’est comme si vous pénétriez dans un immense entrepôt avec des fragments d’œuvres de l’artiste projetés sur les murs autour de vous, pièce après pièce, largement explosé, avec des bandes sonores et plus encore. Tournesols et iris défilent, dissociés des tableaux dans lesquels ils ont été créés ; les champs de maïs ondulent follement, la porte de sa chambre s’ouvre et se ferme, cette chaise jaune flotte, la barbe rousse de l’artiste se hérisse énorme et effrayante. Tout est méga et magnifié. Immersif en effet.
Bien sûr, je comprends. Je comprends parfaitement l’envie de plonger la tête la première dans le monde d’un tableau et de s’envelopper de sa magie comme une couverture vivante, d’en sentir chaque bouffée, de le sentir, de le goûter et de l’entendre. N’est-ce pas ce qui arrive de toute façon, quand vous regardez vraiment quelque chose ?
Vermeer nous emmène droit dans les rues feutrées et doucement ensoleillées de Delft, dans des intérieurs frottés qui sentent légèrement le savon, la lavande dans la presse à linge. J’imagine la sensation de ces cols de fourrure sur ma gorge, l’odeur repassée de cette dentelle amidonnée.
Cézanne nous transporte dans la campagne provençale, le maquis qui grince sous les pieds, l’épuisement d’une longue marche vers des collines lointaines alors que la lumière vire au violet et à l’or autour de nous, et une petite bouffée d’ail dans le vent à l’approche du souper.
Un seul dessin d’Egon Schiele peut nous transporter dans les ruelles rouges de Vienne, où des femmes maigres et pleines d’esprit gagnent leur vie, illuminées par le mauvais jazz, la fumée de cigarette aigre et l’odeur de la saucisse.
Tout est là. Chacun des cinq sens. Et récemment, il y a eu de puissantes expériences immersives qui ne sont pas une extension/corruption d’œuvres originales plus petites, mais créées à partir de zéro en tant qu’œuvres expérimentales entières, des pièces sensationnelles à parcourir comme celles du collectif japonais teamLab, ou des expériences-installations comme Antony La pièce exploratoire remplie de vapeur de Gormley “Blind Light”.
Mais ceux-ci sont assez différents des «immersions» réutilisées – des bâtiments géants abritant un spectacle de lumière du sol au plafond des tournesols désincarnés de Vincent faisant des flottements fous comme des ballons sur les murs, entourés par le ciel bleu profond et les nuits étoilées d’une peinture entièrement différente , par exemple. Sommes-nous à un concert de Grateful Dead ?
Je ne sais pas, mais peut-être que ces millions de parieurs qui achètent des billets ne peuvent pas se tromper. Les Londoniens vont bientôt décider par eux-mêmes, à nouveau, dans un nouveau lieu. Lightroom, qui se décrit comme une «maison pour des spectacles spectaculaires dirigés par des artistes», ouvre ses portes dans le développement de King’s Cross le 22 février pour abriter un programme d’œuvres de grands artistes réinventées sous forme d’événements numériques immersifs, et en commençant par David Hockney.
C’est un choix intelligent. Tout d’abord, cela règle la grande question – qu’aurait pensé l’artiste? Qu’aurait pensé Monet de ses nénuphars partout sur les parapluies, et Leonardo de la “Mona Lisa” sur les aimants de réfrigérateur ? Peut-être qu’ils ne s’en seraient pas souciés, ou même qu’ils l’auraient savouré, surtout s’il payait le loyer. L’échelle, au même titre que le médium, est si essentielle aux œuvres d’art – Van Gogh, miséreux, n’aurait peut-être pas imaginé travailler sur une toile géante : l’aurait-il fait, s’il avait pu ? Old school comme je suis, j’ai l’impression que les artistes ont toujours adapté leur vision à leur situation, leur message à leur médium — mais on ne peut pas répondre à ces questions pour les artistes morts, ni transposer leur sensibilité aux réalités d’aujourd’hui.
David Hockney chez Lightroom © Justin Sutcliffe
Hockney est différent. Il est ici, Dieu merci, pour prendre des décisions au présent. Dans une émission intitulée Plus grand et plus proche (pas plus petit et plus éloigné), les panneaux géants glissants et métamorphosants de ses paysages et nageurs, ciels et arbres, que Lightroom mettra en scène sur des murs monumentaux, sont pleinement signifiés. Ses procédés et ses coups de peinture, l’accumulation de ses couleurs et de ses effets, se dérouleront devant nous, gonflés à des proportions géantes. Ce seront 60 ans de son travail, expliqué dans un commentaire de l’artiste lui-même, le tout sur une partition du compositeur contemporain Nico Muhly.
Spectaculaire, oui, mais cohérent. Dans la carrière de Hockney, il a une logique parfaite. Il a toujours adopté les nouvelles technologies et n’a pas tardé à explorer leur potentiel dans son art, des inoubliables œuvres Polaroid (probablement la meilleure utilisation jamais réalisée de cette forme) aux expériences avec la perspective à travers des caméras, des pièces créées avec des films, des vidéos, iPad, Instagram et plus. C’est la dernière itération, et même à distance on sent l’artiste s’amuser avec. Peut-être que même les anciens comme moi seront conquis.
Jan Dalley est la rédactrice artistique du FT
« Plus grand et plus proche (pas plus petit et plus éloigné) », du 22 février au 4 juin, lightroom.fr
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