En caso de que no te hayas enterado, emo está de vuelta. Durante el año pasado, tuvimos reuniones de artistas como My Chemical Romance, Paramore y Midtown, muchos de los cuales actuarán en el festival When We Were Young de octubre. Pero algunas bandas nunca se detuvieron. Ingrese a Taking Back Sunday (también en la alineación del festival), quienes han estado poniendo música constantemente desde que se formaron por primera vez en Amityville, Nueva York en 1999, y todo comenzó con «Tell All Your Friends».
Lanzado en marzo de 2002, el disco fue el primer álbum de estudio de la banda, luego compuesto por el vocalista principal Adam Lazzara, el guitarrista y vocalista principal John Nolan, el baterista Mark O’Connell, el guitarrista Eddie Reyes y el bajista Shaun Cooper. A lo largo de los años, los miembros de la banda han cambiado (Nolan dejó la banda en 2003 y regresó en 2010; Reyes partió más recientemente en 2018 dejando la formación actual como Lazzara, Nolan, O’Connell y Cooper) pero el sonido en ese primer álbum sigue siendo Taking Back Sunday en su esencia: giros descarados de la frase, rupturas inesperadas, canciones con las que quieres gritar.
Para celebrar el aniversario histórico del álbum, la banda está reeditando el clásico, que saldrá el 27 de mayo en Craft Recordings. El relanzamiento incluirá audio recientemente remasterizado, nuevas notas y cuatro demos originales inéditas. Aquí, Nolan reflexiona sobre el legado del álbum con NYLON.
¿Se te pasó por la cabeza esta marca de 20 años o la tenías en el calendario?
En general, diría que estábamos conscientes de que se acercaba el vigésimo aniversario. Pero definitivamente no al nivel de estar en nuestro calendario; éramos conscientes de que se avecinaba, pero su llegada real se escabulló, especialmente cuando era el momento de preparar las cosas para este relanzamiento. Fue como, «Oh, wow, ya está sucediendo».
¿Cómo surgió el plan para el relanzamiento?
Siendo el aniversario de 20 años, parecía bastante natural hacer un lanzamiento para celebrarlo, especialmente porque sabíamos que no íbamos a hacer una gira alrededor de eso. Hicimos una gira del décimo aniversario donde tocamos Dile a todos tus amigos cada noche. Y luego hicimos un 20 aniversario de la banda en 2019, donde tocamos Dile a todos tus amigos y Donde quieres estar y Más fuerte ahora cada noche. Así que no sentimos que tuviera sentido hacer otra gira en la que volviéramos a tocar el álbum. Cosas como esas notas y el empaque de que todos somos coleccionistas de discos y esas cosas son realmente interesantes y emocionantes para nosotros. Tratamos de incluir las cosas que nos gustaría ver de las bandas de las que somos fanáticos y cuando compramos sus discos.
Pensando en 20 años atrás, ¿cuáles son los recuerdos que tienes de la grabación de este álbum?
Bueno, fue muy emocionante. Creo que acabamos de firmar. Conseguimos nuestro contrato discográfico con Victory Records tal vez dos meses antes de entrar al estudio. Y ese siempre fue el sueño, firmar con un sello y poder tener algo de apoyo e ir de gira y tener un álbum en las tiendas. Fue literalmente un sueño hecho realidad. Es bastante loco mirar hacia atrás. Todos teníamos trabajos de día en ese momento, por lo que todos se tomaban días libres para ir al estudio, yendo y viniendo de Nueva Jersey a Long Island. Simplemente hacíamos el viaje todos los días de ida y vuelta y lo trabajábamos en nuestros horarios de trabajo y no era glamoroso. Pero estábamos increíblemente emocionados.
En general, mientras lo estábamos grabando, creo que todos sentimos que estábamos en algo y que era algo que se estaba armando extremadamente bien. Pero no teníamos idea de que fuera más popular que la banda promedio en el primer álbum de Victory. No teníamos la sensación de que fuera algo de lo que se hablaría en 10 años, y mucho menos en 20 años. Por mucho que estuviéramos entusiasmados con lo que estábamos haciendo, ni siquiera lo pensamos en ese nivel por un segundo.
¿Qué te hizo tener esa sensación de estar en algo?
Definitivamente teníamos una autoconfianza innata en ese momento que sabíamos que lo que estábamos haciendo era bueno y no teníamos miedo de decir eso. Antes de grabar, teníamos todas las canciones escritas y estaban listas para funcionar. Y habíamos estado tocando muchos de ellos en vivo durante probablemente cerca de un año antes de entrar al estudio, y algunos de ellos los demostramos mucho antes. Conocíamos las canciones muy bien, y nuestro objetivo era llevar al estudio la energía que tenían cuando las tocábamos en vivo. Ese fue probablemente uno de los únicos objetivos claros, mantener esa energía y entusiasmo y no perder eso en el proceso de estudio.
¿Cuáles fueron las canciones que habías estado interpretando antes de hacer el álbum que ya eran éxitos entre la audiencia? ¿Y eso cambió para lo que eventualmente se convirtió en éxitos del álbum?
Sí, eso definitivamente lo hizo. Entonces, en ese momento, “grandes romances” fue la gran canción para nosotros en cuanto a la reacción de la audiencia. También fue la primera canción que se unió con esta formación de la banda y realmente fue la primera que supimos de inmediato, por lo que siempre tuvo un lugar especial para nosotros. “Lindo sin la ‘E’” fue una de las canciones que habíamos terminado más recientemente antes de grabar. Entonces, cuando tocábamos ese en los shows, nadie lo sabía realmente todavía, ya que no lo habíamos sacado como una demostración ni nada. Recibió una buena respuesta, pero no fue hasta después de que lo grabamos y se tomó la decisión en algún momento del camino de que sería el sencillo, que se convirtió en la canción popular. No teníamos sentido de eso hasta ese momento.
¿Recuerdas esa discusión de por qué sería el single? ¿Se consideró algo más?
Realmente no recuerdo eso. Creo que en ese momento estábamos tan emocionados de sacar un disco y hacer cualquier cosa al nivel que estábamos que no recuerdo totalmente cómo se decidió. Siento que, literalmente, podría haber sido alguien en el sello que dijo: «Creemos que este debería ser el sencillo». Y decimos: «Sí, genial». Teníamos muy poca idea de qué canciones iban a ser las que despegaran. Incluso es divertido ahora que mira la lista de canciones, creo que «You’re So Last Summer» es la octava o novena. [track] en el registro, no es que si algo está hacia el final del registro, necesariamente es algo malo. Pero creo que si tuviéramos la sensación de que iba a captar la atención de la gente de la forma en que lo hizo, lo habríamos puesto en la primera mitad del disco.
¿Cuándo empezaste a darte cuenta de que ciertas canciones como “Cute Without The ‘E’” se estaban poniendo de moda?
Bastante inmediatamente. Estábamos de gira muy constantemente cuando salió el disco. Fue tal vez dos meses después de que salió el disco que empezamos a ver, en todo el país, ese tipo de respuesta a esa canción. En general, recuerdo que la gente se volvió loca durante todo el set. No recuerdo que hubiera muchas pausas o puntos en los que la gente no cantaba o simplemente saltaba unos sobre otros y se volvía loco. «Cute Without The ‘E» se destacó un poco más, pero en general la respuesta se volvió progresivamente más y más loca a todo lo relacionado con ese álbum mientras estábamos de gira.
Esa canción también es un gran ejemplo de lo que te diferencia de algunos de tus compañeros, con letras muy sofisticadas e irónicas. ¿Hay alguna línea que recuerdes ahora de la que estés particularmente orgulloso?
Ya no pienso mucho en eso. Definitivamente pasé por una fase opuesta en la que me avergonzaba de algunas de mis contribuciones líricas. No sé si Adam tenía algo similar o no. Siempre había algunos de los que estaba orgulloso, y luego otros por los que me sentía un poco más malhumorado. Pero ahora que llegué a esta edad y puedo mirar hacia atrás con más distancia, hay muchas cosas de las que estoy orgulloso.
Creo que una con la que tuve que luchar durante un tiempo es la línea «Podrías cortarme la garganta» para «Your So Last Summer», porque esa era mi línea. Al principio estaba muy orgulloso de que la gente respondiera tanto, pero luego pasé por esa fase en la que sentí: «Oh, esto se ha convertido en algo emo tan estereotípico para decir». Me avergoncé de eso por un tiempo. Ahora creo que puedo tomarlo por lo que es. Sé que pensé que era una línea bastante divertida de la que estaba orgulloso. Y luego creo que parte de lo que me hizo sentir avergonzado es que la gente se lo tomó muy en serio como esta declaración emocional exagerada. Quise decir que fuera una exageración divertida de una emoción real. Ha habido todo un proceso de aceptación de las letras.
Cuando las tocas en vivo ahora, ¿te sientes alejado de las canciones?
Encuentro que canalizaré mucha de la emoción de lo que estoy experimentando actualmente en esas canciones. Lo que estoy sintiendo puede no estar necesariamente conectado directamente con la letra, pero aún puedo canalizar mis emociones a través de las canciones, lo cual es bueno porque creo que podría ser posible que algunas canciones ya no funcionen. Me alegro de que todavía lo hace, y todavía puede ser una salida para mí. Líricamente, no me estoy conectando de la misma manera que lo hice hace 20 años, pero puedo conectarme con la emoción.
La respuesta de la multitud, escuchar las voces de la multitud y ver la reacción que tiene la gente, eso le da mucha emoción y entusiasmo a una canción. Hemos bromeado antes de que hay ciertas canciones que no vamos a tocar en la práctica cuando nos estamos preparando para una gira porque las conocemos por dentro y por fuera y las hemos tocado cien veces y si no hay emoción de una multitud allí, no hay razón para ensayarlo en la práctica. Luego pones a la gente en la habitación y se convierte en algo completamente diferente, adquiere una vida completamente diferente.
Las multitudes en sí mismas también son interesantes porque abarcan desde personas que eran adolescentes cuando salió el disco hasta personas que son adolescentes reales ahora.
Eso es algo que me hace muy feliz. Me siento muy orgulloso de eso. Creo que todos lo hacemos. Y ver, especialmente, a las personas que vienen con sus hijos y ya no necesariamente vienen con bebés pequeños. Ahora parte de nuestra audiencia está apareciendo con preadolescentes que están legítimamente en la banda. No es como si estuvieran arrastrando a su hijo. Es el padre y su hijo, ambos emocionados de estar allí.
¿Tus hijos tienen la edad suficiente para descubrir tu música?
Mi hijo tiene nueve años y mi hija seis y conocen la banda. Han estado yendo a espectáculos toda su vida. Mi hijo ha pasado por diferentes fases cuando era muy pequeño y descubrió lo que yo hacía donde estaba realmente interesado y emocionado. En este punto, siento que, de muchas maneras, es como, «Lo que sea». Es algo que ha estado sucediendo toda su vida. Y es mi trabajo. Así que no está tan interesado en eso. Lo escuchará y lo disfrutará, pero no está muy entusiasmado con eso.
En cuanto a la nueva música en la que están trabajando, especialmente ahora que están mirando hacia atrás donde empezaron, ¿qué creen que define una canción de Taking Back Sunday?
Todavía es un poco difícil de definir, pero definitivamente es la combinación de lo que aportamos los cuatro. La voz de Adam es una gran parte de lo que hace que Taking Back Sunday sea reconocible como Taking Back Sunday. Su estilo vocal y los tipos de melodías y frases que él hace de forma natural están muy arraigados en lo que la gente reconoce como Taking Back Sunday. Luego, Mark y su estilo de tocar la batería, creo que en muchos sentidos, esos dos elementos son el núcleo de lo que es Taking Back Sunday. También tiene sentido ya que también son las dos personas que lo han estado haciendo todo el tiempo. Son los únicos dos que han estado allí para cada canción en cada álbum, así que creo que lo han definido de muchas maneras. Y creo que lo que nos estamos dando cuenta ahora es que podemos hacer una amplia variedad de cosas y todavía va a sonar como Taking Back Sunday debido a esos ciertos elementos.