Los trajes blancos de las sufragistas. Los vestidos reveladores de piernas de las flappers de los años 20. La adopción de los pantalones en los años 40. La moda de las minifaldas durante la revolución sexual de los años 60. El traje de poder de los años 80. Durante siglos, la moda femenina ha servido como una poderosa herramienta para la resistencia social, desafiando las normas y traspasando los límites en torno al género, la clase, la raza y el poder. “Se trata de cuestiones particulares”, dice el historiador, autor y curador de la moda. Emma McClendon a TZR, explicando que el concepto de vendaje de resistencia puede manifestarse de varias maneras. “Hay ciertos elementos de estilo que han llegado a representar la rebelión y la resistencia dentro de la cultura popular. Pienso en camisetas de protesta. Pienso en usar mezclilla, incluso chaquetas de cuero. Y algunos de estos elementos están codificados culturalmente como vestimenta de resistencia debido a su asociación con diferentes movimientos de protesta a lo largo, en particular, del siglo XX”.
Formas más obvias y descaradas de vestimenta de resistencia han incluido el traje de sufragista blanco antes mencionado. “Además, durante el movimiento por los derechos civiles, surgieron dos enfoques diferentes a la hora de vestir”, dice McClendon. “Por un lado, estaba el mejor enfoque del domingo, que realmente fue defendido y popularizado por Martin Luther King Jr. y sus seguidores de una manera muy visible. Al mismo tiempo, estaban los estudiantes del Comité Coordinador Estudiantil No Violento involucrados en los derechos civiles que adoptaron los overoles de mezclilla como símbolo de resistencia y solidaridad, en particular con la clase trabajadora y los trabajadores agrícolas en las comunidades negras del sur”.
Como puedes ver, la moda desafiante ha adoptado diversas formas a lo largo de los años. A continuación, TZR explora el enfoque (pasado, presente y futuro) en lo que respecta específicamente a las mujeres.
El Pasado
Aprovechar la moda como un acto de rebelión probablemente ha ocurrido desde el principio de los tiempos. Sin embargo, el papel de las mujeres en la práctica realmente ha cobrado impulso en los últimos 100 a 150 años, posiblemente comenzando con la creación de bombachos (más sobre esto a continuación). Desde entonces, cada década ha visto alguna forma de resistencia, tanto flagrante como sutil. “Hay una gran razón por la que tienes tantos de estos momentos”, dice Anne Higonnetprofesor de historia del arte en Barnard College y autor de Moda Liberty Equality: Las mujeres que diseñaron la Revolución Francesa. “Entonces pensarías: ‘Bueno, ¿por qué no funcionó el primero, el segundo o el tercero? ¿Por qué tenemos que seguir volviendo a esto?’ Es porque siempre hay una tensión entre la cosificación de los cuerpos de las mujeres y sus rebeliones”.
El historiador añade que, si bien muchos de estos movimientos intencionales de la moda pueden tener sus raíces en la rebelión y la disrupción, también corren el riesgo de ser malinterpretados para cosificar aún más a las mujeres. “Eso permite que estos ciclos sigan ocurriendo porque muchos de los logros que las mujeres logran en estos momentos de rebelión son parcialmente anulados por la reacción del mundo diciendo: ‘Oh, ahora son juguetes aún mejores para que juguemos”. con.'”
A continuación se presentan algunos ejemplos clave de dicha tensión (aunque lejos de ser integrales) del siglo pasado aproximadamente.
Década de 1850: bombachos y el movimiento de vestimenta racional
A mediados del siglo XIX, Amelia Bloomer abogó por que las mujeres usaran pantalones más holgados debajo de faldas más cortas, una alternativa práctica y liberadora a los corsés restrictivos y las faldas largas. Conocidos como “bloomers”, generaron controversia y simbolizaron la lucha por la libertad y la igualdad de las mujeres. La ropa interior también marcó el inicio de un movimiento que se alejaba de la vestimenta femenina poco práctica y cuestionaba el control que la sociedad ejercía sobre los cuerpos de las mujeres.
Si bien se considera abiertamente recatado y conservador para los estándares actuales, Higonnet explica que el look fue recibido con “conmoción y horror” en el momento de su debut. “Lo que veían era el contorno de las piernas de las mujeres, y veían que las piernas de las mujeres se movían”, explica. “Es la misma razón, por qué la gente estaba sorprendido por las mujeres en pantalones. Es porque cuando las mujeres usan pantalones, puedes ver que sus cuerpos se mueven. En el sentido primario más básico, da poder y humanidad a los cuerpos de las mujeres. ¡Oh, pueden mover sus extremidades!
Década de 1920: Estilo aleta
En la era flapper, las mujeres rechazaron la modestia victoriana en favor de faldas cortas, cabello corto y vestidos holgados que permitieran más movimiento. Este estilo a menudo se combinaba con fumar y beber, comportamientos previamente asociados con los hombres. El look flapper encarnaba el espíritu liberado de la década de 1920, rechazando las normas de género y allanando el camino para una mayor libertad sexual y social para las mujeres.
“En realidad, las flappers vestían ropa interior bastante ajustada”, dice Higonnet. “Pero ciertamente las faldas eran más cortas y se veían las piernas, y hubo mucho baile que se convirtió en el símbolo de ver las piernas. Pero entonces la forma de luchar contra el lado afirmativo de eso era decir: ‘Oh, bueno, ahora las piernas de las mujeres debajo de las rodillas son una gran zona erógena que todos podemos disfrutar, babear y desear’”.
Década de 1940: Rosie la remachadora y pantalones
Durante la Segunda Guerra Mundial, las mujeres que trabajaban en las fábricas se pusieron pantalones por primera vez y asumieron trabajos tradicionalmente reservados a los hombres. Este cambio representó su papel cada vez mayor en la fuerza laboral y desafió la idea de que los pantalones eran solo para hombres. El look se volvió icónico a través de los carteles de “Rosie the Riveter”, que simbolizan la fuerza, la independencia y la capacidad de las mujeres para trabajar junto a los hombres.
Década de 1960: Minifaldas y liberación sexual
La minifalda, popularizada por Mary Quant y adoptada por la icónica modelo Twiggy, se convirtió en un emblema de libertad sexual y rebelión. Mujeres de todas las edades los usaban para expresar independencia de los códigos de vestimenta tradicionales y conservadores. La minifalda fue una declaración audaz contra la idea de que los cuerpos de las mujeres debían ocultarse, lo que reflejaba el impulso de la época por la autonomía sexual de las mujeres y los movimientos de liberación más amplios.
Sin embargo, a pesar de su misión original, la apariencia era de naturaleza exclusiva. “El físico ideal para usar los nuevos mini estilos era muy joven y muy delgado, lo que dio origen a la cultura de las dietas”, dijo McClendon en un Artículo de abril de 2023 para El estándar. “Se esperaba cada vez más que las mujeres obtuvieran y mantuvieran un físico elegante”.
Década de 1980: el traje de poder
A medida que más mujeres ingresaron a trabajos corporativos, los trajes de poder con hombreras afiladas se convirtieron en el uniforme. La demanda era una forma de reclamar autoridad en espacios dominados por hombres y replantear la feminidad para adaptarla al mundo empresarial. Se convirtió en un símbolo de ambición y profesionalismo para las mujeres, representando el deseo de igualdad en el lugar de trabajo.
“El traje de poder era fabuloso”, dice Higonnet, destacando al icónico diseñador Thierry Mugler como pionero de este look. “El compromiso que hizo con el traje de poder fue que los hombros eran grandes y la silueta general tenía mucha fuerza, pero también había a menudo mucho escote, mucha forma constrictiva alrededor de la cintura que creaba una pequeña figura. cintura y caderas grandes. Y entonces, en cierto modo, la concesión fue una resexualización de los cuerpos de las mujeres de alguna manera”.
El presente
En medio del ciclo de tendencias cada vez más rápido de un mundo post-Covid, han surgido algunos que pueden fácilmente ser interpretados como “resistentes”. Está el ascenso meteórico de la moda de género fluido, que desafía la división binaria de la ropa en categorías “masculina” y “femenina”. Las mujeres están adoptando ropa tradicionalmente masculina para desafiar las normas de género y afirmar que la ropa no tiene por qué definir la propia identidad.
“Después de las elecciones de 2016, [there was a] “El aumento, en particular, de los trajes y la sastrería e incluso de las zapatillas de deporte y de la ropa más cómoda para las mujeres que llegan a los espacios de la alta costura”, dice McClendon, en referencia a la primera victoria presidencial de Donald Trump. La elección desencadenó un “cuestionamiento” y una hiperrealización del tratamiento de las mujeres en términos de género en un sentido social más amplio, pero también en este sentido físico real y visceral. “Realmente se optó por una mayor comodidad y siluetas diferentes que no necesariamente tenían un género en un sentido estrictamente femenino. […] Por lo tanto, vestirse con resistencia puede tomar la forma de ir en contra de esas expectativas”.
Higonnet señala a Phoebe Philo, alumna de Celine, como pionera en esta nueva frontera de la vestimenta andrógina. “Creo que la magia de Phoebe Philo es que ha encontrado este punto ideal entre la autoridad de la ropa codificada como masculina y la fluidez femenina de la silueta, lo cual es un equilibrio muy, muy difícil de encontrar”, dice el historiador. “Pero creo que lo encuentra una y otra y otra vez. Y creo que es por eso que resulta tan fascinante para mucha gente de la moda”.
Otro movimiento que tiene un momento claro (literal y figurativamente) es la apariencia de “liberar el pezón” o “desnuda”, que en última instancia alienta a las mujeres a vestirse para sentirse cómodas y autoaceptadas, desafiando la vergüenza corporal y los estándares de belleza restrictivos. Esto incluye aceptar la falta de sostén o usar ropa que la sociedad pueda etiquetar como reveladora. Este movimiento pide la desestigmatización de los cuerpos de las mujeres, rechazando los ideales tradicionales de modestia y permitiendo una mayor libertad en la forma en que las mujeres eligen presentarse.
Si bien no está directamente relacionado con la moda, el reciente cambio de las celebridades hacia rostros más limpios y sin maquillaje también está alineado con el rechazo de las visiones tradicionales de la belleza y el glamour. “Creo que un ejemplo actual de esto es Pamela Anderson, quien se niega a usar maquillaje incluso cuando está en eventos de alfombra roja y en lugares públicos”, dice McClendon. “Estas son formas de ese tipo de resistencia ahora”. (Antes de Anderson, Alicia Keys, famosa evitó el maquillaje para una cara limpia y desnuda en 2016, y mantuve ese enfoque durante años).
El futuro
Ahora que las elecciones de la semana pasada marcaron el comienzo de un segundo mandato presidencial de Trump, parece que otra era de resistencia está cerca. De hecho, a los pocos días, Moda La escritora Hannah Jackson observó una reacción inmediata a los resultados. en un Artículo del 6 de noviembre Para la publicación, señaló: “Las dos primeras mujeres jóvenes que vi después de salir de mi apartamento también estaban vestidas de negro de pies a cabeza. Caminar por el andén del tren en Williamsburg, Brooklyn, se sentía como una procesión fúnebre”. Para ella (y para muchos) el traje de luto sirvió como un “bálsamo” y un “mecanismo de afrontamiento”. Quizás esto sea resistencia en sí mismo. O tal vez evolucione hacia algo más, algo más desafiante y alimentado por la ira. O tal vez no.
“Lo que vimos en 2016 fue una aceptación de las zapatillas de deporte de papá, los trajes grandes, este aumento en el movimiento de positividad corporal, fue un momento de verdadero impulso”, dice McClendon. “Una cosa que hemos visto que es diferente a 2016, en el período previo a estas elecciones, es que ha habido un cambio claro en la conversación sobre los cuerpos de las mujeres y la inclusión”. El curador enumera el estruendoso regreso de The Victoria’s Secret Fashion Show y el meteórico ascenso de Ozempic como principales ejemplos de este cambio.
“Tenemos ante nuestros ojos la increíble reducción de innumerables celebridades, combinada con una clara reversión del cambio que se había estado produciendo hacia una mayor representación de modelos de talla grande, mediana y no blanca en las pasarelas”. ella dice. “Todo esto ha sido muy visible y ha sucedido en los últimos años. Así que tengo curiosidad por ver si las elecciones tienen un impacto en eso”.
La visión de Higonnet es esperanzadora, si no idealista. “No se puede bañarse dos veces en el mismo río”, dice con franqueza. “En realidad, no se puede hacer retroceder el tiempo. Entonces, eventualmente el ciclo entrará en otro ciclo y habrá más ganancias. Creo que el futuro es parecido al de Phoebe Philo. A través del uso innovador de materiales y construcción, llegamos a la ropa […] eso le da autoridad a las mujeres”.
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