Cuando se pidió a los colaboradores que nombraran álbumes dobles recomendados, importantes y quizás pasados por alto, el primer pensamiento fue: ¿Con qué frecuencia se mencionan “Blonde On Blonde”, “White Album” y “The Wall”? Como sus colegas también tuvieron esto en cuenta, el disco de Dylan de 1966 fue el más sugerido, pero sólo cinco veces. Queremos especialmente ofrecer una visión general coloreada individualmente de los álbumes en este formato, que también es un formato artístico, y también tener en cuenta los álbumes más remotos y no canonizados. Como punto de partida y ocasión: el 45 aniversario de “Physical Graffiti” de Led Zeppelin, por supuesto un buque insignia de la fastuosidad del anterior álbum de cuatro caras en vinilo. Según nuestra normativa, los lanzamientos que fueron diseñados como álbum doble en vinilo -o posteriormente en CD- se consideran álbum doble; Si luego un LP doble se incluyó en un solo CD, sigue siendo un doble. Los álbumes en vivo deberían aplicarse, porque las grabaciones de conciertos requieren una forma lujosa. No se permitieron registros triples, cuádruples e incluso mayores, que corresponden más a lo que ahora se conoce como “box set” y que apuntan a una mayor coherencia (¡o incoherencia!). La aparición más fuerte del álbum doble se produjo en los años 1970, cuando las ventas de discos se volvieron olímpicas y la música rock se volvió más épica, más ramificada, simplemente más grande, dicen algunos: más megalómana. El álbum doble fue producido en la segunda mitad de los años 1960, cuando las ideas y exigencias de la música popular exigían un enfoque más elaborado, atrevido y lúdico.
Seleccionado y escrito por Wolfgang Doebeling, Jörg Feyer, Birgit Fuss, Max Gösche, Jan Jekal, Sassan Niasseri, Ralf Niemczyk, Gunther Reinhardt, Robert Rotifer, Frank Schäfer, Jörn Schlüter, Markus Schneider, Marc Vetter, Naomi Webster-Grundl, Arne Willander , Sebastián Zabel y Jürgen Ziemer.
Bob Dylan: “Rubia sobre rubia” (1966)
Cuando Bob Dylan comenzó a grabar en el estudio Columbia de Nueva York el 5 de octubre de 1965. “Rubia sobre rubia” Comienza, discuten acaloradamente sobre su electrificación y el fiasco de Newport, y los folkniks lo insultan como hereje. Pasó un año recopilando ideas de canciones y tomando notas durante la angustiosa gira mundial. Ahora trae a los Hawks al estudio como banda de acompañamiento y, después de que las cosas no van bien en Nueva York, se muda a Nashville. Aquí es donde finalmente emerge lo que Dylan más tarde llamaría “ese sonido tenue y salvaje del mercurio”. “Rubia sobre rubia” lanzado el 20 de junio de 1966, no sólo completa el primer ciclo de rock de Dylan, que también incluye… “Traerlo todo de vuelta a casa” y “Autopista 61 revisitada” comenzó, pero también puede considerarse el primer álbum doble en la historia del rock. Frank Zappa “¡Desmadrarse!” Se publicará una semana después.
Las 14 canciones rechazan enigmáticamente cualquier restricción. Dylan carga el rock’n’roll, el country, el folk y el blues con surrealismo, expresionismo o simbolismo y disfruta del papel del narrador formado en Arthur Rimbaud y William Blake, en quien nunca se debe confiar. Mientras que la atrevida sátira decorada con metales “Rainy Day Women #12 & 35” mira hacia Nueva Orleans con una risita drogada (“¡Todo el mundo debe drogarse!”), el blues “Pledging My Time” avanza hacia Chicago. Mientras que el gran trabajo “Visions Of Johanna” es una canción de amor inquietante y confusa, “I Want You” es un himno al deseo disfrazado de canción pop. Y al final puedes esperar la épica estrofa de vals de once minutos “Sad Eyed Lady Of The Lowlands”, que llena una cara del disco, que podría ser una canción de boda para la primera esposa de Dylan, Sara, y que Dylan llamó en el “La mejor canción que jamás haya escrito”, sostuvo. Günther Reinhardt
La experiencia Jimi Hendrix: “Ladyland eléctrica” (1968)
“Ladyland eléctrica” es una explosión como “Rubia sobre rubia” y el “Álbum Blanco”: una demostración de superioridad artística. Nunca fue tanto el maestro guitarrista tan elogiado de Hendrix, sino más bien su abrumadora creatividad lo que continúa dejando boquiabiertos a los amantes de la música rock hasta el día de hoy. En este álbum doble disfruta de la libertad como si fuera un viaje de LSD, se deleita con blues de cuarto de hora y jams psicodélicas y salpica repetidamente composiciones brillantes (“Crosstown Traffic”, “Voodoo Child [Slight Return]”) y saca una de las mejores versiones de la historia del rock con su interpretación de “All Along The Watchtower” de Dylan. mg
Los Beatles: “Los Beatles” (1968)
La portada en blanco es un engaño. En realidad, las cosas son aún más coloridas y turbulentas en el único álbum doble de los Beatles. “Sargento. Banda del club Pepper’s Lonely Hearts. Pero prácticamente se puede escuchar el crack que atraviesa la banda desde hace tiempo: el solo de Paul McCartney “Blackbird”, aquí “While My Guitar Gfully Weeps” de George Harrison, que simplemente lleva a Eric Clapton al estudio, y allí John El extraño collage de Lennon, La felicidad es un cálido arma. Un álbum que deja muchas ideas fragmentadas, prueba constantemente nuevos géneros y, con esta inquietud y conflicto internos, finalmente refleja musicalmente el año 1968 y llega al posmodernismo. GRAMO
Abejas: “Odesa” (1969)
La portada, realizada en imitación de terciopelo rojo con letras doradas, decía todo sobre la megalomanía del pop de finales de los sesenta. En aquel entonces, los oyentes de rock los acusaban de ser tontos y locos. “Odesa” desde hace cinco décadas con sus sonidos comprimidos de piano, guitarras acústicas con zumbidos enfáticos, arreglos orquestales neorrománticos de Bill Shepherd y el drama vocal de los hermanos Gibb. Una nueva edición lanzada en 1976 como un LP simple, acortado para incluir elementos esenciales como “Black Diamond”, “Suddenly” y “Lamplight”, sirve como advertencia contra la tesis, a menudo difundida, de que cada LP doble puede reducirse a uno solo más fuerte. RR
Capitán Beefheart: “Réplica de máscara de trucha” (1969)
Primera obra de arte oficialmente moderna en la música pop. Beefheart brama, gruñe y aúlla con 28 surrealismos beatnik en un mundo alucinógeno en el que se encuentran, entre otras cosas, blues antiguo, guitarras psicópatas desafinadas, tambores polirrítmicos y sus gorjeantes instrumentos de viento del supuesto free jazz. Quälix Van Vliet supuestamente acuarteló y mató de hambre a los músicos en Laurel Canyon durante meses para poder introducir su concepto en sus mentes. Zappa produjo cuatro horas. “Misión: Unlistenable” es comprensible para muchos, pero cuando llega, no quieres caer y sentirte liberado de una manera descuidada. El “Dachau Blues” es un raro candidato para la máquina de discos de Adorno. EM
Amon Düül II: “Yeti” (1970)
Con su segundo disco la banda municipal Amon Düül II se volvió loca. Las opiniones pueden diferir sobre si se trata de progresivo, ácido, psicodélico o krautrock: la mezcla de crudas improvisaciones de estudio y extrañas epopeyas de guitarra que recuerdan claramente a los fundadores de King Crimson, Pink Floyd y el rock espacial Hawkwind, golpeó a Alemania como una bomba atómica. en 1970. Por supuesto, todo se reduce al extraño folk hippie de “Sandoz In The Rain”, aunque el ecléctico “Soap Shop Rock”, los primeros cuatro temas del álbum, habría sido suficiente como declaración artística de éxtasis ilimitado. VM
Derek y los dominós: “Layla y otras canciones de amor variadas” (1970)
La canción que lleva el título y que incluye la conocida mala historia de amor ha oscurecido cada vez más la visión de los 13 “.Canciones de amor variadas“, que otorgan a la obra un estatus especial más allá de la discografía de Eric Clapton. Así como la participación del ciertamente gran Duane Allman oscurece a menudo la visión de la estrella secreta de “Layla y…”: En Bobby Whitlock (Delaney & Bonnie), Clapton encontró un coautor y una segunda voz, que lo llevaron a alturas de soul-blues que rara vez alcanzaron después, en canciones como “I Looked Away”, “Keep On Growing” o “Cualquier día”. Menos de un año después del lanzamiento del álbum, Allman estaba muerto y Clapton se hundió temporalmente en el pantano de la heroína. JF
Miles Davis: “Cerveza de perras” (1970)
Muchos gritaron “¡Judas!” cuando Miles Davis conectó. Una sección rítmica con bajo eléctrico y acústico, tres baterías y percusiones, tres pianos eléctricos dibujan líneas, la trompeta de Miles Davis resuena fría y confiadamente sobre la improvisación de su banda. “Miles creó una especie de ambiente”, dijo más tarde el bajista Dave Holland. “Tu tarea era descubrir qué hacías en ella”. La portada sexy y surrealista de Mati Klarwein refleja el espíritu de la época, al igual que el formato de álbum doble y el género jazz-rock. “Cerveza de perras” floreció. Es música sugerente, un funk extrañamente nada funky, y es música eléctrica en todos los sentidos. talla
Crosby, fotogramas, Nash y Young: “Calle de 4 vías” (1971)
Después de bautismos de fuego en Woodstock y Altamont, la gira estadounidense de 1970 fue un triunfo para Crosby, Stills, Nash & Young. Su primer LP como cuarteto, “Déja Vu”acababa de ser comprado millones de veces y el público estaba igualmente entusiasmado. “Calle de 4 vías” estuvo lleno de momentos destacados del concierto, la selección de canciones fue equilibrada, los egos de los alfas fueron suficientemente acariciados, al parecer. Actuar con estos artistas es un privilegio, como Neil Young se deshizo en elogios, “como estar en Los Beatles”. A diferencia de Crazy Horse, se siente como si estuvieras tocando con los Rolling Stones. “Y los Stones siempre han sido mi banda favorita. Volvíamos a ser tres”. WD
Los Rolling Stones: “Exilio en Main St.” (1972)
Es imposible imaginarlo sin siquiera uno de los 18 temas, que se condensan en la declaración más brillante de los Stones en cuatro caras del LP, cada cara con su propia dinámica, cada corte eminente.
Justo al principio “Rocks Off”, un haz de energía nerviosa, bailablemente mantenida bajo control, luego liberada y capturada nuevamente, indómita. En el medio hay un momento de contemplación, el tempo se ralentiza y los sonidos se vuelven espaciales. “Me siento tan hipnotizado”, gime Mick ensimismado, “está todo hipnotizado, todo eso dentro de mí”, antes de que la canción despegue y se adentre en la noche a todo galope: “La luz del sol me aburre muchísimo”. ¡Un placer, un abridor! O “Rip This Joint”, un furioso tema de rock’n’roll con el saxo de Bobby Keys a toda marcha. “Hip Shake” de Slim Harpo es sólo eso, el ritmo es irresistible, mientras que “Casino Boogie” desfila como un shuffle de medio tiempo, Mick recuerda “besar coños en Cannes”. El inquietante swing funk house de “Tumbling Dice” termina la cara 1 con una coda frívolamente tentadora. “Tienes que rodarme…”
En el continuo integral americano de “Exilio” El lado 2 representa la parte acústica y country. La presencia de Gram Parsons se siente durante la grabación, a pesar de que no estuvo presente durante las sesiones de grabación en el sótano mohoso de Keith en el sur de Francia. “Sweet Virginia” indaga en California, una oda de honkytonk oxidada y zumbante al saxo y la armónica: “Tengo que quitarme esa mierda de los zapatos. Los pedales de acero sustentan “Torn And Frayed”, la balada autobiográfica de un hombre maltratado. Banda de gira: “Deja que la guitarra te robe el corazón”. Cielo, ¿cómo no?
Las sesiones fueron febriles, el álbum fue lanzado con el título provisional “Tropical Diseases”. Wolfgang Döbeling
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