La industria a menudo habla del valor que las semanas de la moda aportan a una ciudad: su impacto económico, el entusiasmo, el intercambio cultural y el compromiso comunitario. Sin embargo, los costos para las marcas independientes a veces pueden ser abrumadoramente altos, lo que hace que estos eventos merezcan la pena. Hubo innegables vacíos en la Semana de la Moda de Londres esta temporada, desde la ausencia del diseñador Christopher Kane, quien se declaró en bancarrota a principios de este año, hasta los jóvenes talentos SS Daley y Nensi Dojaka. Además, la aspirante a diseñadora de moda Dilara Findikoglu tuvo que cancelar su desfile por falta de fondos, informó el New York Times.
En un momento en que las grandes marcas continúan expandiéndose y creando producciones cada vez más elaboradas, los aspirantes a diseñadores luchan por conseguir la atención y la plataforma que necesitan para cultivar sus incipientes negocios. Londres puede ser un semillero de talentos emergentes, pero sigue siendo una ciudad excepcionalmente cara, lo que obliga a muchos a tomar una decisión difícil entre mantener sus negocios y desviar recursos hacia gastos de marketing no esenciales. Los diseñadores no deberían verse obligados a elegir entre mantener sus negocios y presentar sus colecciones en la semana de la moda. “No creo que nunca haya sido más difícil ser un diseñador independiente en Londres que ahora”, dijo Caroline Rush, directora ejecutiva del British Fashion Council.
Aspectos positivos a pesar de los contratiempos
A pesar de estos contratiempos, la Semana de la Moda de Londres también tuvo aspectos positivos que ofrecer esta temporada. El evento coincidió con la Semana del Diseño, lo que resultó en numerosos eventos emergentes y de colaboración en toda la ciudad. Estas actividades celebraron el trabajo de diseñadores y artistas visionarios que, a pesar de no contar con los recursos de las corporaciones de lujo, demuestran enfoques innovadores y determinación que desafían el status quo. Además, actualmente se están celebrando en Londres tres exposiciones de moda que ponen de relieve la profunda influencia de la moda en la vida de la sociedad. Estas exposiciones abarcaron desde el “Manifiesto de Chanel” en el Victoria & Albert Museum hasta la retrospectiva “Rebel: 30 Years of London Fashion” en el Design Museum y “The Missing Thread: Untold Stories of Black British Fashion” en Somerset House.
También hubo eventos transversales, incluida la celebración peculiar y repleta de estrellas de las artes escénicas británicas de Vogue World, con una alfombra roja que se parecía a la Met Gala de Nueva York, y la exposición Design Transforms de la Universidad Central Saint Martins, que presentó el trabajo de diseñadores de productos. : se celebró en colaboración con la empresa sostenible UPM. Incluso el icónico metro de Londres ha sido asumido temporalmente por la marca tradicional Burberry, con Bond Street de Londres rebautizada como Burberry Street y marcada con el nuevo logotipo azul de la marca, aunque para confusión de algunos viajeros.
Desde diseñadores establecidos hasta diseñadores emergentes, aquí hay un resumen de los aspectos más destacados de la Semana de la Moda de Londres.
Burberry
Había mucho en juego para el segundo desfile de Daniel Lee para Burberry, y la expectación era alta. El trabajo de Lee es impulsar las ventas, particularmente en accesorios, un área en la que Burberry se ha quedado rezagada respecto de otras marcas de lujo. Esta presentación se centró principalmente en zapatos y bolsos, reflejando su experiencia en su época en Celine y Bottega Veneta. Para la primavera de 2014, Lee pareció racionalizar la colección, centrándose en reducir la gama de siluetas y opciones, en particular la icónica gabardina, que parecía fresca y sofisticada con un cinturón ajustado, que encarnaba una inversión duradera en lugar de una tendencia fugaz. Los vestidos y trajes irradiaban claridad y relevancia y estaban destinados a la vida urbana más que a la fantasía de la alfombra roja. Los zapatos eran especialmente resistentes, con sandalias, mocasines y botas nuevos. Con muchos menos controles, Lee demostró realismo.
Simón Rocha
A los fanáticos de la marca de zapatos Crocs les encantará la versión con cuentas y encaje de Simone Rocha, que es posiblemente el par de Crocs más romántico y elegante jamás visto. Titulado “Ensayo general” y realizado en el Mulryan Center for Dance, donde ensaya el English National Ballet, Rocha destacó la relevancia real de sus vestidos bellamente bordados para el mundo. Combinados con una chaqueta de cuero de motociclista plateada, se podían usar sin parecer demasiado caros. El dominio de los tejidos por parte de Rocha, tanto en términos de su estética como de su capacidad para manipularlos para crear drapeados, cortes o pliegues, era evidente, particularmente en los vestidos rosas y rojos con volantes en el cuello y las mangas, una técnica característica que puede resurgir en la próxima colaboración de alta costura con Jean Paul Gaultier.
JW Anderson
Las colecciones del diseñador JW Anderson son conocidas por sus ideas coloridas e idiosincrásicas, pero detrás de las capas y conceptos se encuentran piezas reales y ponibles. La colección SS24 presentó una sudadera con capucha rediseñada, llevada a nuevas proporciones gracias al arte de Anderson. Los pantalones cargo tomaron protagonismo, una prenda de uso diario que ha mantenido la ropa deportiva a la vanguardia de la moda durante muchas temporadas. Combinado con una chaqueta motera o un blazer cruzado, crea un look fresco sin parecer artificial.
Chet Lo
Chet Lo se inspiró en seductores estampados del antiguo arte erótico chino y en shunga. Cuando era un adolescente chino-estadounidense, el diseñador vivía la sexualidad como un tabú. China sigue siendo uno de los pocos países del G20 que no ha legalizado el matrimonio entre personas del mismo sexo. Lo cree que la ropa puede contribuir a la liberación, una filosofía que se refleja en su colección. Desde pantalones entallados con aberturas en la cadera hasta vestidos de punto con cuello halter adornados con un estampado de tijeras con monograma, quiere que todos se sientan mejores y seguros.
Emilia Wickstead
La colección de Emilia Wickstead irradiaba un ambiente de Saint Tropez y la Riviera francesa que recordaba los años 20 y 30, cuando la región era un paraíso para artistas y un patio de recreo para celebridades como Picasso y Lee Miller. Exuberantes rayas en capas en tonos naranja, azul cielo y amarillo girasol adornaron varias siluetas, desde un vestido transparente con hombros descubiertos hasta un abrigo sencillo y un traje de dos piezas que abrió el espectáculo. El estilo característico de Wickstead era audaz y coqueto, pero lo que realmente transmitía era una libertad que reflejaba la forma en que los artistas se visten y se expresan a través de la moda.
Diseñadores ucranianos en Londres
Las marcas de moda ucranianas Kseniaschnaider, Elenareva y Nadya Dzyak presentaron sus colecciones primavera-verano 2024 en la Semana de la Moda de Londres como parte de la Semana de la Moda de Ucrania (UFW), que no se celebró en Kiev debido al conflicto en curso. A pesar de las sirenas de ataque aéreo y los ataques con cohetes, los diseñadores ucranianos continuaron su trabajo y la UFW brindó apoyo continuo durante su tercera temporada internacional.
La colección de Kseniaschnaider presentaba siluetas de mezclilla generadas por IA nacidas de la experimentación y la alegría. La diseñadora Olena Reva de Elenareva exploró el tema del poder femenino recurriendo a la antigua cultura tripilliana y presentando estampados inspirados en adornos de vasijas de arcilla tripillianas. Nadya Dzyak se inspiró en el trabajo de la artista Polina Raiko, cuya casa museo en Oleshky se inundó después de la destrucción de la presa Kakhovka por parte de Rusia. Dzyak quería trasladar las pinturas de Raiko a su ropa, creando una atmósfera que valorara el patrimonio artístico, incluso si hubiera sido arrastrado por el agua.
Esta publicación traducida apareció anteriormente en FashionUnited.com