Tenía muchas ganas de que me tocara algo melódico”, dijo Steven Spielberg. “Pero John Williams”, y el director estiró dos dedos como si fueran dos calcetines viejos, “simplemente golpeó las teclas bajas con estos dos, cada vez más rápido”. Spielberg dijo que se echó a reír en ese momento. ¿Se suponía que este era el tema principal de Tiburón? Hoy esta melodía de Williams es uno de los clásicos de la música de cine. El motivo de la caza sigue causando inquietud, más de 40 años después de su estreno teatral. Es una obra maestra de la eficacia.
La música influye en la valoración de un evento. Amplifica o suaviza lo que vemos, manipula. El tiburón en el agua se vuelve más rápido porque el ritmo lo dicta. El sonido y la imagen forman entonces juntos nuestra impresión, que se convierte en un recuerdo. Nada ilustra mejor esta interacción que la película que cita John Williams: “Psycho” de Alfred Hitchcock. Por supuesto, la escena de la ducha en la que Norman Bates asesina a Marion Crane con un cuchillo también funciona sin música; después de todo, una buena película tiene que funcionar sin música. Pero los apuñalamientos despliegan mayor horror porque el compositor Bernard Herrmann los ilustra con cuerdas entrecortadas. Mientras la sangre de Leigh corre hacia el desagüe, se une el sonido viscoso de un violonchelo. Como si fuera esta totalidad de todos los sonidos la que se encarga de la muerte y luego borra todo rastro.
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¿Y qué sucedió después de la finalización de esta escena de fama mundial? Surgió una zanja profunda entre el director y el compositor de su casa. Hitchcock quería el asesinato en la ducha sin acompañamiento instrumental, probablemente solo quería escuchar las heridas de cuchillo. ¿No hubiera sido igual de buena “Psicosis”? Uno puede no creer en ello. El deseo por la música es demasiado grande, el conocimiento que simplemente tiene para mejorar las imágenes.
Cómo se pega la música de cine
A veces la memoria lanza una llave inglesa en las obras. Ni los propios músicos son inmunes a esto. Como uno de sus mayores triunfos, declaró Ennio Morricone, considera la escena inicial del spaghetti western de Sergio Leone “Play Me the Song of Death”. Un baño de sangre, según el maestro, al son de “Hombre con armónica”. Conocemos la melodía de la armónica, pero el problema es que ni siquiera aparece en el momento que cita Morricone. El comienzo incluso se las arregla sin una partitura. Morricone lo recordaba mal, pero la música está tan ligada a la película que parece estar en un bucle permanente.
Hemos seleccionado las 60 mejores bandas sonoras. Hemos tenido en cuenta aquellos que consisten principalmente en piezas compuestas por nosotros mismos, o adaptaciones de material existente (por ejemplo, “La naranja mecánica” de Walter Carlos). No se incluyen muestras de éxitos lanzados durante mucho tiempo (“Pulp Fiction”, “Trainspotting”), así como partituras, para las cuales la película fue más un acompañamiento, en lugar de al revés, como debería ser una banda sonora (eliminando “Purple Rain” de Prince). Todas las partituras están ordenadas cronológicamente.
Lo que el viento se llevó (1939)
Max Steiner
La melodía de cierre de fama mundial, Rhett abandona a Scarlett, ella se derrumba en los escalones de la plantación, se trata erróneamente como un tema de amor. Sin embargo, está dedicado a la finca “Tara”: la banda sonora de dos horas y media de Steiner fue tan opulenta: incluso los edificios fueron honrados. En los Oscar de 1940, se nominaron doce “Partituras originales”, Steiner perdió ante “El mago de Oz” de Herbert Stothart.
Ascensor al andamio (1958)
Miles Davis
El director Louis Malle consideró un éxito haber contratado a Davis para su película de Jeanne Moreau: para el trompetista fue un trabajo por encargo, terminado en dos días. La banda de cinco integrantes improvisó una proyección en pantalla de la película. Es notable cómo Davis impulsó la evolución del jazz. El cool jazz se convirtió en este jazz modal flotante, que a su vez es un precursor del free jazz.
Ben Hur (1959)
Miklós Rosza
La madre de todas las partituras épicas y afirmó ser la banda sonora más larga de todos los tiempos, con más de tres horas de música (con una película de 212 minutos). Para su drama sobre un príncipe caído que contraataca como esclavo, el director William Wyler contrató al húngaro Miklós Rósza, el mejor compositor de su tiempo, conocido por sus colaboraciones con Hitchcock y Billy Wilder.
Psicópata (1960)
bernardo herrman
La “escena legendaria de la ducha” debería estar en todos los manuales de música de cine: Herrmann se basó en cuerdas entrecortadas, acentuó el asesinato de corte rápido de Hitchcock. La sospecha de que los tonos estridentes se generaron electrónicamente fue refutada: los micrófonos se colocaron cerca de los instrumentos. Hitch originalmente quería la secuencia sin música, lo que provocó una ruptura entre el director y el compositor.
Jadeante (1960)
Marcial Solal
La gran irritación consistió en que la película pionera de la Nouvelle Vague de Godard, que estaba diseñada para el realismo, recibió una banda sonora de jazz, menos narrativa y más suficiente en sí misma. El pianista Solal, que ahora tiene 90 años, le dio a la palpitante atmósfera metropolitana de París el frenesí apropiado con su reluciente teclado y cuerdas adicionales.
West Side Story (1961)
Leonard Bernstein
Como director musical de la Filarmónica de Nueva York, Bernstein era la elección lógica para la adaptación cinematográfica del éxito de Broadway. La película, dirigida por Robert Wise y Jerome Robbins, es aún más popular que la versión teatral. Bernstein y su letrista Stephen Sondheim contrataron tres veces más músicos de lo planeado. Un espectáculo de orquesta, como si los instrumentos pudieran bailar.
Lawrence de Arabia (1962)
Mauricio Jarre
Jarre recibió su primer Oscar, y la alianza con el director David Lean lo llevaría a obtener más Premios de la Academia (“Doctor Zhivago”, “Viaje a la India”). El equipo de ensueño inspiró a Steven Spielberg/John Williams. Todo estaba allí: la inmensidad, el exotismo, la soledad, el milagro de la vida. “Lawrence of Arabia” estableció la banda sonora como una fuerza de la naturaleza.
La Pantera Rosa (1963)
henry mancini
El tema principal está dedicado al ladrón de joyas Phantom (David Niven), pero, por supuesto, la canción, que contrasta la curiosidad de las patas aterciopeladas con el latón impactante (¡sentimiento: atrapado!), hace que todos piensen en el amigo de cuatro patas que más tarde fue inmortalizado en una serie de cómics. Al mismo tiempo, el compositor Mancini estableció su jazz sinfónico sin precedentes con préstamos latinos.
La noche de un día duro (1964)
Los Beatles
Así como “Recorrido mágico y misterioso‘ (1967), el tercer álbum de estudio de Fab Four, se destaca por sí solo y también se reconoce sin la película (dirigida por Richard Lester). “And I Love Her” y “Can’t Buy Me Love” fueron éxitos, y la progresión de la banda fue evidente en la canción principal, que lamenta la Beatlemanía. El legendario acorde inicial de Harrison representa la locura. Suena torcido y de alguna manera no torcido.
Mis canciones, mis sueños (1965)
ricardo rodgers
Por supuesto, “Edelweiss” no es el himno nacional de Austria, pero la adaptación musical soñadora y política de Robert Wise (que trata sobre la anexión del estado alpino a la Alemania nazi) también se ha abierto camino en la cultura pop. Björk se refiere a él en “Dancer In The Dark”, Christian Bruhn lo recuerda con su “Heidi”. Rodgers “The Sound Of Music” (título original) es escapismo en su máxima expresión.
danza de los vampiros (1967)
Krzysztof Komeda
Podría haberse convertido en el compositor más buscado de Hollywood, pero el hombre de 37 años murió en 1969 a consecuencia de una caída en una fiesta. Komeda equipó al grotesco chupasangre de Roman Polanski con coros diabólicos, con folclore de Europa del Este que pone los pelos de punta a todos, pero también con un himno a la bella Sharon Tate (“Sarah In Bath”).
Érase una vez en el Oeste (1968)
Ennio Morricone
Todos conocen la melodía, pero es la segunda parte de “Man With A Harmonica” la que definió el estilo: un coro celestial que marcha con orgullo reinterpreta a los vaqueros sedientos de sangre en luchadores gloriosos. El tema del antihéroe sobrevivió a los spaghetti westerns, y cada vez que Tarantino deja ir a sus asesinos, que son sus salvadores, tiene a Morricone en mente.
En el calor de la noche (1967)
quincy jones
Como policía asignado para resolver un asesinato en una comunidad sureña racista, Sidney Poitier, la primera superestrella negra de Hollywood, recibió el apoyo musical del tema principal de Quincy Jones y Ray Charles, “Estrellas con ojos malignos miran desde el cielo…”. Una situación de ganar-ganar-ganar que le valió al drama de Norman Jewison cinco premios Oscar, pero ninguno para los tres afroamericanos.
Bullitt (1968)
Lalo Schifrin
Junto a John Barry, Schifrin, ahora de 85 años, era considerado el hombre de la música de agente. El pianista celebró su avance con “Mission Impossible” y Bang! Bang! Orchestra, pero la partitura del thriller policial de Peter Yates fue su obra maestra. Ráfaga de viento cargada de tensión, bajo al acecho, fuego continuo de percusión. El argentino lo volvió a grabar con la WDR Big Band en el año 2000.
En el servicio Secreto de su Majestad (1969)
Juan Barry
Las once partituras de Bond de Barry son todas espectaculares, esta abrumada por el coraje de preparar el motivo del título como una mezcla puramente instrumental de banda y orquesta y por el divino “We Have All The Time In The World” de Louis Armstrong. Las otras piezas ahora se pueden encontrar en muestras de cóctel de jazz y como música de calentamiento para los espectáculos de Rocko Schamonis.
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