Modernisme marocain à la Tate St Ives — aventures postcoloniales dans l’abstraction

Dans une photographie de 1969 de l’artiste moderniste marocain Mohamed Melehi, une femme du marché en jupes traditionnelles, portant un lourd sac sur la tête, est stoppée dans son élan par une série de peintures abstraites aux couleurs éblouissantes sur les murs rouge boue de la place principale de Marrakech. , la place Djemaa el Fna. Dans cette galerie en plein air impromptue, elle est rejointe par une foule enthousiaste. Ils sont spectateurs d’une exposition expérimentale qui est devenue un moment déterminant dans l’art marocain après l’indépendance en 1956, et est maintenant considérée comme un point de repère du modernisme dans le sud global.

Melehi, décédé de Covid en 2020 à l’âge de 83 ans, était une figure de proue parmi les artistes d’avant-garde derrière Présence plastique, qui visait à déplacer l’art du salon vers la rue. Elle s’est poursuivie sur les murs blanchis à la chaux de Casablanca sur la côte atlantique. Tous ont enseigné dans les années 1960 à l’École des Beaux-Arts de Casablanca, aujourd’hui au centre d’une importante exposition à la Tate St Ives. Le cadre atlantique de la ville et son histoire en tant que plaque tournante du modernisme britannique semblent propices à la première exposition muséale de cette constellation de modernistes marocains : L’école d’art de Casablanca : plateformes et modèles pour une avant-garde postcoloniale 1962-1987.

Trois artistes disparates forment le noyau « Casablanca Trio », et tous ont eu des œuvres acquises par la Tate depuis 2016. Farid Belkahia, le jeune directeur de l’école de Casablanca entre 1962 et 1974, décédé en 2014, a fait l’objet d’une rétrospective au Centre Pompidou à Paris en 2021. Il était étudiant à Paris et à Prague, et ses premières peintures à l’huile incluent les «Tortures» aux tons sombres (1961-62), sa figure atrocement suspendue à l’envers à des chaînes, exprimant son indignation envers les Français répression de la candidature à l’indépendance de l’Algérie voisine.

Alors que Melehi partageait les sympathies politiques de Belkahia, ses premières expériences contrastées d’abstraction proclament l’influence enivrante de New York, où il a obtenu une bourse Rockefeller après des études d’art en Espagne et en Italie. La toile acrylique « Minneapolis » (1963), ses zones de noir et de rouge séparées par une bande jaune, rend hommage à la peinture color-field de Barnett Newman avant que sa propre signature, le motif vague protéiforme, n’émerge. L’exposition personnelle mémorable de Melehi Nouvelles vagues, aux Mosaic Rooms de Londres en 2019, était par la même équipe de conservateurs, Morad Montazami et Madeleine de Colnet, travaillant ici avec Tate St Ives.

La troisième figure de la Casa Trio était Mohamed Chabâa, qui a étudié à Rome et est décédé en 2013. Son acrylique sans titre de 1965, un profil stylisé en rouge, noir et orange, signale le flair graphique qui verra Chabâa emprisonné en 1972 pour son travail dans Souffles, un journal trimestriel d’art et de révolution interdit cette année-là.

Des œuvres remarquables du trio sont disséminées tout au long du spectacle, parmi des pièces d’une vingtaine d’autres artistes. Belkahia abandonne les huiles pour expérimenter des matériaux locaux : pigments naturels sur peau de cuir dans « L’Arbre à palabres » (1989), ou métal en bas-relief semi-abstrait dans le surréaliste « Bataille » (1964-65), une « Guernica » en martelé cuivre. Les vagues et les flammes palpitantes de Melehi, aux couleurs psychédéliques ou terreuses, vont de la peinture lyrique sur cellulose « Volcanic » (1985), avec son pic en fusion et sa lune croissante, au monument ondulant de 36 pieds de haut « Charamusca Africana » réalisé pour le Mexique de 1968. Olympiques (vu ici dans un instantané). Les abstractions géométriques complexes de Chabâa englobent des acryliques vibrantes et des sculptures en bois ou en cuivre.

Pourtant, plutôt que de retracer les trajectoires principales des artistes, leur travail, peut-être déroutant pour un nouveau public, est séparé par des « plates-formes » selon l’endroit où il a été montré.

Le trio s’est réuni pour la première fois lors d’une exposition commune à Rabat en 1966. Leurs œuvres n’étaient pas à vendre, m’a dit Melehi dans une interview en 2019, «pour montrer aux étudiants que l’art est un message, une idée, pas. . . un meuble de luxe [but] un signal de liberté ». Saisissant les rênes d’une école fondée sous le protectorat français et enseignant toujours la figuration orientaliste, cette première génération d’artistes à étudier à l’étranger a abandonné la peinture de chevalet académique pour l’abstraction transnationale, la photographie et les voyages de terrain dans les montagnes de l’Atlas, chalutant le passé pour leur prise unique sur le Modernisme. « L’abstraction n’est pas étrangère au Maroc », m’a dit Melehi. « C’est la véritable expression de l’Afrique du Nord. »

Une section sur «l’héritage afro-berbère» montre comment l’ornement méditerranéen, subsaharien, arabe et amazigh (berbère) a inspiré des motifs abstraits récurrents, des affiches et des couvertures de livres au décor d’hôtel, des peintures murales de la médina et de la céramique (les pots en terre cuite d’Abderrahman Rahoule sont rares survivants des années 1960). Les motifs des bijoux amazighs et des plafonds peints – vus sur des photographies de Melehi, exposées à côté d’un tapis berbère – résonnent à travers le spectacle.

Parmi les autres artistes abstraits clés, Mohamed Ataallah, qui a étudié à Rome et est décédé en 2014, dont les peintures incluent le diptyque « Multiple Marrakech/Multiple Flame » (1969), et Mohamed Hamidi (né en 1941), qui est revenu de Paris et a privilégié les blocs superposés. d’une couleur somptueuse. Malika Agueznay, connue comme la première femme moderniste du Maroc, a peint des formes biomorphiques ressemblant à des algues calligraphiques. Elle était l’élève de Melehi lorsqu’elle a réalisé le relief acrylique bleu marine sur vert d’eau du spectacle, en 1968.

Les tuteurs cosmopolites de Casa Group comprenaient l’anthropologue néerlandais Bert Flint – qui a inventé le terme «afro-berbère» – et l’historien de l’art italien Toni Maraini (alors épouse de Melehi). Ahmed Cherkaoui, mort jeune en 1967, était un précurseur. Ses dessins gestuels à l’encre, suscités par des talismans amazighs, valorisent un artisanat qui a été rejeté comme décoratif à l’époque coloniale. La vision Bauhaus de l’artiste en tant qu’« artisan exalté » a suscité de fabuleuses collaborations avec des architectes. Des reliefs muraux et des plafonds spectaculaires, entrevus dans des showreels, vont de l’Hôtel les Roses du Dadès dans le Haut Atlas au Tri Postal de Casablanca.

Pourtant, se concentrer sur l’école plutôt que sur les artistes qui l’ont rendue unique laisse beaucoup dans le noir. Un accent sur l’anticolonialisme et les racines marocaines obscurcit l’apport de l’action painting, du jazz, de la cybernétique, de la philosophie zen japonaise et du soufisme, qui, dans le cas de Melehi, se combinaient « comme une ratatouille » dans des éclats de couleur rythmiques : tous ces éléments influences ont donné naissance au modernisme transatlantique du Maroc.

Des rubriques génériques sur « Créer collectivement », « Rendre l’art public » ou « Solidarité panarabe » éclairent peu cet étonnant syncrétisme. L’émission ne donne pas non plus beaucoup de sens à la raison pour laquelle le groupe s’est effondré sur des tactiques politiques divergentes pendant le régime autocratique du roi Hassan II dans les années 1970 et 1980, les « années de plomb ».

Un héritage durable est le Festival des Arts d’Asilah, co-fondé par Melehi en 1978 dans sa ville balnéaire natale, où des muralistes internationaux travaillent aux côtés de Marocains comme Chaïbia Talal, une artiste autodidacte. Sa vibrante peinture à l’huile « The Marriage Ceremony » (1983) conclut une exposition à la fois fascinante et frustrante. Des showreels fascinants – en grande partie créés à partir des photographies prodigieuses de Melehi – font partie de ses délices, faisant allusion à d’autres façons de raconter cette histoire capitale.

Au 14 janvier, tate.org.uk

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