Comme un jeune et frais Pete Doherty – c’est ainsi que Mavi Phoenix a rayonné l’année dernière lors de sa première apparition à la télévision depuis sa pause publique. Avec « Nothing Good », il a présenté un nouveau son de guitare avec beaucoup de Britpop comme carburant au « Neo Magazin Royale ».
Non seulement le titre de l’album MARLON est une déclaration en tant que vrai nom de l’artiste. Mavi Phoenix a également transformé son son à l’envers. Avec le long player, il s’est éloigné de son long autotune caractéristique et s’est rapproché de la guitare. De l’emo au rock indie en passant par la britpop, MARLON célèbre les genres de guitare alternatifs des années 2000. Les fans de longue date n’ont pas non plus à se passer des parties de rap.
Thématiquement, le disque parle surtout de la turbulence des rencontres au milieu des années vingt : lueurs d’espoir, euphorie initiale, jeux proximité-distance puis désillusion à nouveau. Cependant, Mavi Phoenix ne laisse pas cela l’entraîner trop longtemps. Ses chansons sont remplies de découverte de soi, de positivité sexuelle et de santé mentale.
Musikexpress.de : En combien de temps avez-vous choisi le titre de votre disque MARLON ?
Mavi Phoenix : Très rapide ! Pendant le procès, j’avais encore des doutes quant à savoir si c’était le bon ou si c’était trop ennuyeux parce que c’est juste mon nom. Au final, MARLON est bien plus qu’un nom pour moi. C’était une lueur d’espoir, comme une lumière au bout du tunnel.
Un grand thème à entendre dans l’album est l’amour et l’écriture sur les rencontres et l’affection romantique. Un scénario à cet effet peut également être vu sur le dossier. L’avez-vous conçu de cette façon pour vous aussi?
Oui, et tout cela est très drôle pour moi parce que je n’ai jamais autant écrit sur l’amour auparavant. Soudain, ce sujet était à nouveau très présent – comme si c’était la première fois que je tombais à nouveau amoureux. C’est du moins ce que je ressentais. C’est pourquoi il y avait soudainement tant de matériel pour les chansons. Avant cela, j’ai toujours pensé : « Écrire sur l’amour, c’est vraiment cool, mais d’une manière ou d’une autre, tout le monde le fait ». Et puis je l’ai fait moi-même.
L’ouverture du disque « Only God » semble presque spirituelle. Tu chantes : « Tu es mon seul dieu / Je t’ai mis sur un piédestal ». Cela donne à la chanson un caractère sacré.
Je suis quelqu’un qui, s’il est vraiment amoureux, est dedans avec la peau et les cheveux. Parfois, je ne me reconnais même pas. Et je pense que tout le monde sait qu’une personne peut parfois faire ressortir des aspects de vous que vous ne connaissiez pas auparavant. La chanson est une allusion à cette condition. Être amoureux, c’est comme être malade. Comme rester au lit avec la grippe.
En revanche, vers la fin de l’album, il y a un vrai sentiment de désillusion. Dans l’avant-dernier morceau « Pretty Life », vous chantez les répliques : « C’était une jolie vie / Mais ici, maintenant, je vais dire que c’est une vie sacrée ». Était-ce une démarche consciente, ne plus vouloir tant glorifier une personne, mais s’en éloigner et regarder à nouveau la vie ?
Pleinement! C’est excitant parce que j’écris toujours les chansons sans trop y penser. Mais maintenant que nous en parlons, la chanson est vraiment née après que je m’en sois remis aussi. À un moment où j’ai lentement réalisé : Maintenant, je suis revenu à la normale. Et comme c’est bizarre ce qui s’est passé ces derniers mois.
En plus du contraste frappant entre le début et la fin, il y a aussi plusieurs développements dans le scénario de l’album. Des chansons comme « Leaving » et « Nothing Good » parlent la langue réalisation lentement frustrante qui survient lorsque la relation ne se déroule pas comme vous le souhaitez.
« Partir » décrit vraiment ce moment où vous êtes encore totalement dedans. Mais d’un autre côté, vous pouvez déjà voir que rien ne peut réellement arriver. Et pourtant, vous essayez encore et encore. En fin de compte, cela revient à « partir », mais vous ne voulez pas l’admettre parce que vous êtes toujours amoureux. Je suis certainement apparu plus fort dans la chanson que je ne l’étais en ce moment. C’est ce que je voulais aussi : dire « j’y vais maintenant ». Mais en réalité ce n’était pas du tout comme ça. Je voulais quand même le manifester.
La chanson a aussi un certain caractère de stade — même si c’est plutôt lent. Mais les influences Britpop ainsi que les paroles donnent à « Leaving » une qualité d’hymne.
J’ai eu ce sentiment aussi. Si un vieil homme blanc avait écrit ça il y a 60 ans, ça pourrait être un tube classique.
Dans les chansons « Just An Artist » et « Moon », vous décrivez plus explicitement une relation toxique et — mot clé d’une génération — une indisponibilité émotionnelle. Sur « Moon », il y a les répliques appropriées « Alors, fais-moi savoir quand tu es prêt / Pour m’appeler ton petit ami », auxquelles l’autre personne répond alors : « En fait, j’ai peur maintenant / je pense que je vais m’en sortir dès que possible ». Cette désinvolture dans les relations est-elle quelque chose qui vous a beaucoup dérangé ?
Oui, à ce moment-là, je venais de commencer les hormones et j’étais aussi un homme à l’extérieur. Alors j’ai recommencé à sortir ensemble. Et tout semblait si nouveau – c’est ce que c’était au début. Je devais trouver ma place. Quel genre d’homme est-ce que je veux même être? Toutes les histoires me sont arrivées pendant cette phase de rencontres. En fait, je déteste les rencontres. J’étais aussi toujours quelqu’un qui disait : les images fantômes, c’est nul. Mais si vous rencontrez quelqu’un sur une application de rencontre et qu’il ne répond pas après deux phrases : passer à autre chose. Pour moi, la musique est un exutoire pour ça. Sur « Just An Artist », je chante aussi : « I’m just an artist baby / Mes sentiments me consument / Je ne peux pas continuer si tu ne m’envoies pas cet emoji ». Je ne dirais jamais vraiment ça. Mais dans la musique, il y a aussi une place pour laisser sortir l’enfant blessé et tous les sentiments blessés.
Un autre sujet que vous abordez sur MARLON est celui de la santé mentale. Sur la chanson « So Happy I’m Useless », vous abordez la médication avec les répliques : « Merci Monsieur le psychiatre / Pour les pilules je peux voir clairement / Et j’obtiens des sensations fortes pas chères ». Vous utilisez l’ironie d’une telle manière que vous ne pouvez pas être sûr à 100 % si c’est du pur sarcasme, si vous êtes quelque part heureux après tout, ou si le médicament est finalement une arme à double tranchant ?
J’ai remarqué que le sujet de la santé mentale est généralement beaucoup plus discuté en ce moment. Surtout à cause de Corona. Et je remarque aussi dans mon environnement que beaucoup de gens sont moins bien lotis depuis la pandémie. Avant de faire So Happy I’m Useless, j’étais confronté à la décision de prendre ou non des antidépresseurs. Ensuite, j’ai fait des recherches et j’ai lu des gens sur Reddit que cela vous faisait vous sentir comme un zombie et j’ai eu vraiment peur. Cependant, je savais aussi que je ne pouvais pas continuer comme ça. Dans la chanson, j’ai travaillé sur cette peur de me sentir mieux alors, mais personne ne peut plus rien faire avec moi et je végète juste devant moi. Heureusement, la peur était finalement injustifiée. Mieux vaut demander à votre médecin que de lire sur Google. Chacun y réagit différemment.
En mai de l’année dernière, vous avez fait votre première apparition depuis votre transition au « Neo Magazin Royale ». Vous y avez déjà joué une fois en 2018 – un retour à plusieurs niveaux, pour ainsi dire. Comment vous souvenez-vous de la soirée ?
Il était définitivement stressé. J’ai ressenti beaucoup de pression parce que je savais : c’est le moment où je dois livrer. Comme dans l’examen Abitur. Et vous vous dites : j’ai tellement travaillé pour ce moment et tout est là de la part de l’équipe. En même temps, j’étais vraiment heureux. C’est une si grande sensation lorsqu’un orchestre accompagne votre chanson que vous avez écrite dans votre mini appartement à Vienne. C’était presque « Bitter Sweet Symphony » quand les cordes se sont mises à jouer.
Vous avez posté une vidéo en juillet 2021 : « Un an sur la testostérone : mises à jour vocales », dans lequel vous partagez avec nous le processus de changement de votre voix avec de la testostérone. Comment avez-vous géré musicalement ces changements vocaux ?
J’étais un peu perdu au début. J’attendais beaucoup que la voix change. J’ai aussi vérifié ça tous les matins. Et après quatre ou cinq semaines, c’est allé très vite. Au début, on dirait que vous êtes enroué ou que vous avez un rhume. Pendant ce temps, j’écrivais et travaillais sur des chansons tout le temps. À un moment donné, j’ai remarqué que j’avais une mélodie dans la tête que je voulais mettre en œuvre, mais je n’en pouvais plus. Mes muscles s’étaient souvenus tout à fait différemment, par exemple, tel ou tel effort pour produire un Do élevé. Du coup ça n’a plus fonctionné. Je suis donc allée à des cours de chant pour retrouver le sens de ma voix. J’ai beaucoup rappé au début et ce n’est que plus tard que j’ai recommencé à chanter. Mais quand les chansons s’adaptent enfin à la nouvelle gamme vocale, c’est d’autant plus agréable.
Avez-vous également dû réécrire certaines chansons ?
Oui, « Leaving », par exemple, j’avais déjà enregistré avant la transition. Juste avant la sortie du disque, nous l’avons refait. C’était un douleur dans le cul. Le pitch était en fait très haut. J’ai poussé et j’ai travaillé dessus parce que je ne voulais pas le gâcher. Parce que je pouvais maintenant tout baisser d’une octave. Ça sonne comme de la merde alors.
En février 2020 vous étiez invité au format « aux toilettes » et a exprimé sa crainte que vous ayez pu détruire votre carrière avec votre coming-out. Comment évaluez-vous cela maintenant ?
Je dirais en fait que j’ai détruit la carrière de Mavi Phoenix en 2018 parce qu’elle n’existe plus. Ou cet artiste de l’époque, il n’existe plus. Cela semble dur, mais je m’en suis rendu compte. Ce n’est pas comme si j’étais totalement attaché au passé. Mais je suis un nouvel acte maintenant. Je dois beaucoup reconstruire avec cet album car en tant qu’artiste j’ai peu à voir avec le passé. Les craintes de l’époque étaient donc justifiées. Ce n’est ni mieux ni pire maintenant, juste différent. Et ce n’est pas grave.
Sur la tournée de votre précédent album BOYS TOYS vous aviez une bannière de scène intitulée: « Just an average guy (?) » qui sert également de réplique dans la chanson de l’album « 12 Inches ». Êtes-vous plus près de la réponse à cette question ?
Qu’est-ce qu’un « gars moyen » ? Est-ce que quelqu’un est même « moyen »? Mais : oui, je me suis rapproché de la réponse. Un « gars moyen » est fondamentalement ce que je veux être. Je ne veux pas de saucisses supplémentaires ni de traitement spécial.
La grande question du moment est de savoir comment redéfinir l’image de la masculinité ? Comment définiriez-vous une image positive de la masculinité ?
Quand je parcours le monde comme ça, je constate qu’il y a des différences extrêmes entre les hommes et les femmes. Par exemple quand je monte dans un taxi et que le chauffeur me parle gentiment, m’appelle son frère et j’avais l’habitude d’avoir un sentiment plutôt mal à l’aise. C’est incroyablement injuste. La balle est entre les mains des hommes eux-mêmes lorsqu’il s’agit de changer les images de la masculinité. Vous devez sortir de tous les schémas de pensée toxiques masculins. L’autre jour, j’ai vu un message qui disait que personne n’excuse jamais les femmes comme « c’est juste une fille » ou « les filles seront des filles ». Dès le départ, la féminité s’accompagne de restrictions et la masculinité de liberté.
Le deuxième album studio de Mavi Phoenix, MARLON, est sorti le 25 février 2022 chez LLT Records. Vous pouvez écouter le flux de l’album ici :
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