Au début de ma visite avec le créateur de mode Nancy Stella Soto, je remarque un tableau représentant un clown accroché au mur. C’est une scène étrange, criarde et carnavalesque, mais présidant au-dessus des piles de vêtements envoûtants, la pièce semble presque poétique. Connaissant Soto et les milieux qu’elle fréquente, le clown pourrait très bien être un cadeau d’une star de l’art de Los Angeles. Alors je demande : « Quel artiste a fait ça ?
« Que? » » s’exclame Soto, éclatant d’un rire contagieux et exubérant. «J’ai trouvé ça dans une friperie!»
Le studio du centre-ville de Soto – où nous nous rencontrons pour discuter de sa résidence au Hammer Museum de Los Angeles – regorge de nombreux objets de ce type, brouillant la frontière entre trésor et déchet. Il y a une chevalière rouge couronnée d’un micro portrait du embrasser le gourou hindou Amma à côté d’un épi de maïs translucide vert et jaune. Sur son bureau se trouve une photo encadrée de trois loutres souriantes à côté d’un énorme briquet noir avec « Las Vegas » gravé sur le côté. Les bibelots se marient étrangement bien avec les portants de ses propres vêtements extrêmement imaginatifs qui, peut-être plus que toute autre ligne, flirtent aujourd’hui entre les mondes de la mode et de l’art.
Cette fluidité a en partie fait de Soto un choix naturel pour le dernier artiste en résidence du Hammer, un programme prestigieux avec peu de règles, d’attentes ou de restrictions. Parfois, une résidence conduit les artistes à des expositions et des performances, d’autres fois à des recherches et à des études. En bref, les résidents peuvent faire presque tout ce qu’ils désirent. Soto a utilisé le soutien de la résidence pour faire la chose la plus imaginable que Nancy Stella Soto puisse imaginer : voyager dans la capitale mondiale de la huarache pour créer sa première ligne de chaussures.
Dans le Michoacán, elle a fait du porte-à-porte pour demander à des inconnus s’ils connaissaient « quelqu’un qui utilise encore la technique des ongles » nécessaire pour fabriquer des huaraches de manière traditionnelle. Ce genre de découragement reste ancré chez Nancy Stella Soto, à la fois l’artiste et la marque. L’ensemble de l’opération se déroule à quelques kilomètres de son studio Produce District et Soto connaît intimement toutes les mains qui touchent ses vêtements.
Vous pouvez voir cette philosophie dans les chaussures qu’elle a produites en collaboration avec huaracheros. Élégantes et avant-gardistes, les chaussures possèdent une brutalité provocante née d’une attitude DIY et de la nécessité de faire preuve d’ingéniosité : les semelles sont découpées dans des pneus de voiture usagés et martelées ensemble avec des clous fins comme des cure-dents. Esthétiquement et philosophiquement, Soto semble s’adresser à un public bien plus large que les boutiques dans lesquelles ses vêtements sont souvent vendus. Son travail – de forme architecturale et d’esprit bacchanale – évoque tout, des kimonos aux bandes dessinées, des sacs poubelles aux montgolfières, des pique-niques et même des peintures de clowns bizarres dans des friperies. Soto élève les vêtements en quelque chose qui ressemble davantage à des sculptures portables.
« Je suis toujours surprise quand quelqu’un aime quelque chose que je fais parce que pour être honnête, tout ce que je fais, je le fais pour moi-même », a-t-elle déclaré à NYLON. « Et si quelqu’un d’autre l’aime en cours de route, c’est surprenant et gratifiant. »
Le parcours de Soto, de l’enfant du club à la présentation de son travail dans un musée d’art d’élite, est une histoire unique à Los Angeles. L’histoire parle des nombreuses impulsions et motivations contradictoires de la ville : son ventre punky, sa façade glamour, son besoin incessant de réinvention. Et si les vêtements peuvent faire quelque chose, ils peuvent nous donner l’opportunité de devenir des versions alternatives de nous-mêmes, de nous glisser entre différents mondes, le haut et le bas, le formel et le ludique, le sérieux et le ridicule. Ne serait-ce que pour un petit moment.
Pourquoi est-il important pour vous qu’une institution comme le Hammer accorde de la valeur à votre travail ? Je veux dire, je vois de la valeur dans votre travail…
Bien sûr, je tiens à ce que vous aimiez mon travail ! Je pense simplement qu’il est également important pour une institution artistique de voir de la valeur dans mon travail de créatrice de vêtements. Ce que la conservatrice de Hammer, Erin Christovale, a souligné, c’est qu’elle apprécie à quel point je suis hyperlocale et axée sur la communauté. Je m’approvisionne en tous mes matériaux localement ; tous ceux avec qui je travaille se trouvent dans un rayon de 8 km. Être reconnu pour cela, c’est formidable.
Vous avez grandi à Los Angeles dans l’industrie du vêtement. Peignez-moi un tableau de votre jeunesse.
Je suis né à East Los Angeles, j’ai grandi à Highland Park et pendant mes années de lycée, j’ai déménagé à Rowland Heights. Lorsque ma mère a émigré du Mexique, elle était couturière au centre-ville de Los Angeles. Elle travaillait pour une entreprise de maroquinerie et était opératrice de boutonnières. Quand j’étais très jeune, je passais parfois la journée avec elle au travail. J’ai été fascinée par le processus de confection de vêtements dès mon plus jeune âge.
J’ai grandi avec une mère célibataire et mon père n’était pas très présent. Il a travaillé dans l’industrie des produits et je pense qu’il est intéressant que mon studio se trouve dans le Produce District, ou ce que j’aime appeler le Piñata District. J’ai ces rappels constants de mes parents, de leurs débuts dans ce pays et de la façon dont j’ai évolué dans cet environnement.
Qu’est-ce qui vous passait par la tête à cette époque ?
Je me voyais comme un explorateur. J’ai été enchantée par l’industrie du vêtement : les machines industrielles, les étagères qui roulaient dans les rues, les gens poussant des paniers remplis de morceaux de tissus coupés avant de les coudre ensemble. Chaque entreprise nécessaire à la production d’un vêtement, j’en ai fait partie dès mon plus jeune âge et j’ai vraiment adoré ça. [In high school,] J’étais définitivement gothique, mais la dernière année du lycée, j’ai abandonné mon caractère gothique et je suis devenu un raver. Je confectionnais des tenues de fête et je faisais beaucoup de psychédéliques.
Quelle était votre bande originale ?
Le début du lycée aurait été Skinny Puppy, Siouxsie and the Banshees, The Sisters of Mercy, je pense que vous pouvez l’imaginer. Plus tard, au lycée, la bande originale est devenue techno, house, jungle et une touche de happy hardcore.
Et tu sortais en club ?
Ouais ouais ouais. Clubs, fêtes d’entrepôt et raves dans le désert. Nous avions de fausses cartes d’identité que mes amis et moi avions obtenues à MacArthur Park. La mienne avait ma photo réelle et le sexe indiqué comme étant masculin et personne ne l’a jamais remis en question.
Comment était-ce de venir de ce monde très immigré du Fashion District et de tomber dans cette scène ?
C’était très naturel. Je veux dire, du moins pour moi. Pour ma mère, ce n’était pas le cas. Elle a soutenu ma curiosité avec des vêtements et du style, mais était plutôt dégoûtée par mon étrangeté. En tant qu’adolescente pleine de joie et d’enthousiasme, la réaction de ma mère était déroutante et déchirante. J’ai trouvé du soutien auprès de certains membres très proches de ma famille. Et tous mes amis, dont beaucoup étaient également homosexuels. Mais à la maison, je n’avais pas l’impression de pouvoir être pleinement moi-même.
Avez-vous passé ce temps à penser que vous alliez créer votre propre marque ?
Pas nécessairement. Je me voyais simplement comme un observateur, un observateur qui accumulait des compétences, je suppose. L’un de mes emplois consistait à travailler comme designer dans une entreprise de draperie à North Hollywood, où j’ai acquis de nouvelles compétences différentes de la fabrication de vêtements. Je me suis intéressé aux formes volumineuses et aux tissus épais. Ce que j’y ai appris, je l’exerce encore aujourd’hui dans mon travail.
Qu’est-ce qui vous a finalement fait dire : « OK, je vais commencer Nancy Stella Soto » ?
Je n’ai pas pu trouver de travail. J’ai suivi un programme court à Central Saint Martins à Londres, puis j’ai passé six mois en Inde pour faire de la recherche textile. J’ai été absent de Los Angeles pendant deux ans et demi. À mon retour, j’ai commencé à postuler pour des emplois en design. Je n’ai jamais eu d’interview ni même de réponse. Il ne me restait plus qu’à créer ma propre marque. En gros, je me suis créé un emploi.
Je vous considère comme une personne impliquée dans le monde de l’art et dont le travail se distingue de celui de la plupart des marques de mode. C’est sculptural et avoir cette autre conversation. Parlez-m’en davantage de votre relation avec le monde de l’art.
Beaucoup de mes amis sont des artistes, des écrivains et des créatifs en général. Je veux dire, en tant que personne créative moi-même, avec qui suis-je censé sortir, Sammy ?
Mais pensez-vous que vos vêtements sont en conversation avec le monde de l’art dans lequel vous évoluez ? Ou est-ce que c’est moi qui projette ça sur eux ?
Je vois mes vêtements comme de simples vêtements, mais je suppose que le fait est que je dois les rendre intéressants pour moi-même. Je dois ajouter une autre technique ou ajouter une autre couche par-dessus la confection standard du vêtement. Lorsque je confectionne un vêtement, je ne me contente pas de l’envoyer au coupeur puis aux couturiers, je dois le manipuler d’une manière ou d’une autre. Je le ramène au studio pour dessiner dessus ou en découper quelque chose. Il y a un détail supplémentaire que j’aime ajouter au vêtement. C’est ma main dans chaque pièce.
Parlez-moi de votre incursion dans les chaussures.
La résidence Hammer a rendu cela possible. J’ai toujours été intéressé par les chaussures et par la façon traditionnelle de fabriquer des choses, en faisant preuve d’ingéniosité avec les matériaux auxquels vous avez accès. Je suis mexicain, alors j’ai pensé utiliser la huarache comme point de départ.
Une huarache est une chaussure mexicaine traditionnelle composée de lanières de cuir. Les huaracheros achètent des pneus usagés et disposent de matrices métalliques en forme de semelle. Ils découpent la semelle de la chaussure dans le pneu et forment les lanières de cuir autour d’une forme pour former la chaussure. Ils martelent ensuite toute la chaussure avec ces petits clous. Cette technique n’est plus utilisée très souvent car elle demande beaucoup de travail et beaucoup de gens sont passés à des techniques plus modernes comme la couture ou simplement le collage des semelles ensemble.
Et comment s’est passé votre voyage dans la capitale huarache du Mexique pour produire ces chaussures ?
Je savais que je ne voulais pas fabriquer une huarache traditionnelle, je voulais fabriquer une chaussure à lacets, mais en utilisant la technique traditionnelle de la semelle en pneu et des clous. J’ai fait du porte-à-porte pour demander aux gens… et finalement j’ai été envoyé chez ces frères qui fabriquent des huaraches depuis 40 ans. Mais ils ne se plieraient pas. Ils n’étaient pas disposés à fabriquer quoi que ce soit en dehors des deux modèles qu’ils produisent depuis des décennies. Je pourrais peut-être changer un peu la couleur ou la forme d’un bracelet, mais rien de bien radical. Ils en ont suggéré un autre huarachero qui a produit [them] depuis 55 ans. Je suis allé chez lui et j’ai décrit ce que j’avais envie de faire, et il était prêt à m’aider.
J’ai assemblé un échantillon du mieux que je pouvais pour qu’il ait une idée visuelle de ce que j’essayais de réaliser. À partir de là, nous avons créé ensemble les tailles supplémentaires. Il y a eu beaucoup d’allers-retours. J’allais chez un autre maroquinier qui coud du cuir épais pour coudre les appliqués sur la chaussure avant son assemblage. Ensuite, je revenais en courant vers le huarachero et nous superposions toutes les pièces, collions tous les composants ensemble, puis il clouait la semelle. En fin de compte, quand il a vraiment aimé la chaussure que nous avons fabriquée, cela m’a inspiré. Il m’a dit : « Wow, ils ont vraiment l’air bien ! » J’apprécie d’avoir cette réponse.
Tu es une telle figure de Los Angeles pour moi. Et si Los Angeles déménageait chez vous à ce stade après avoir vécu ici toute votre vie ?
Toutes les personnes avec qui je travaille, l’intégrité et l’amour qu’ils ont pour leur métier. Les coupeurs, les entrepreneurs en couture, les découpeurs, les classeurs, les ouvriers du vêtement en général. Les gens sont tellement fiers de leur travail et j’aime être entouré de cette énergie.
Pour moi, votre travail est ce mélange par excellence d’éphémères culturels de Los Angeles. Les friperies rencontrent l’esthétique de la mode haut de gamme, le monde de l’art glamour et les déchets que vous trouvez au bord de la rue. D’où vient tout cela pour toi ?
C’est exactement comme ça que j’ai toujours vécu LA. Selon le quartier dans lequel vous marchez ou traversez, c’est ce que c’est. C’est un mélange de cultures, d’architectures, de couleurs, d’époques, et tout cela se rejoint. Ils peuvent tous être très différents ou se mélanger, et oui, je pense que c’est ainsi que je traduis mon environnement, à travers mes vêtements. C’est le reflet de la ville dans laquelle j’ai grandi et de la ville que j’aime.
Cette interview a été éditée et condensée pour plus de clarté.