Si vous regardez la vie de Lou Reed, une chose la traverse comme un fil conducteur : la friction. À commencer par sa famille juive conservatrice, dans laquelle est né Lewis Allan Reed le 2 mars 1942 à Brooklyn. Son père avait changé son nom de famille, de Rabinowitz à Reed, après que les grands-parents de Lou Reed aient fui la Russie à cause de l’antisémitisme. La famille vivait à Freeport sur Long Island, une petite ville où tout le monde se connaît. Vous vous démarquez rapidement si vous sortez des sentiers battus, dans le vrai sens du terme. Le Rock’n’Roll était encore jeune, tout comme Lou, mais ils sont vite devenus inséparables. En repensant à son enfance et à sa jeunesse, l’affirmation selon laquelle son seul dieu est le rock’n’roll semble être plus qu’une simple rébellion classique d’un adolescent contre ses parents.
Les parents conservateurs de Lou Reed désapprouvaient l’esprit libre qui régnait dans leurs rangs, dont le tempérament colérique et fragile faisait de lui une figure étrangère. Outre la musique, Lou Reed a trouvé refuge dans la drogue. Et dans l’exploration érotique du genre masculin. Le traitement par décharges électriques visait à le débarrasser de cette tendance, mais il n’a abouti qu’à un isolement complet de sa famille. Des années plus tard, Lou Reed a traité des expériences de la prétendue thérapie dans la chanson « Kill Your Sons » (1974).
Le mentor
À l’Université de Syracuse au début des années 1960, Lou Reed a étudié l’anglais avec l’écrivain Delmore Schwartz. Schwartz est devenu son mentor. Dès lors, Reed poursuit l’objectif de traduire la sensibilité du roman en musique rock. « European Son » de The Velvet Undeground est devenu une dédicace musicale au professeur, qui est également devenu un ami personnel. Un esprit sensible se sentait compris. Dans le quartier universitaire, Reed a également découvert de la musique qui n’était probablement même pas connue dans la maison de ses parents. Free jazz, sons expérimentaux en tout genre… Il s’était autrefois enthousiasmé pour le doo-wop inoffensif, mais désormais de nouvelles portes s’ouvrent.
Puis le déménagement à New York. Reed gagnait sa vie en tant qu’auteur-compositeur pour Pickwick Records et s’adonnait à la vie nocturne. Cela a dû avoir sur lui un effet libérateur, comme un monde enfin rempli de couleurs après les premières taches à l’université. Un jour, plus par hasard que par planification, Lou Reed et le musicien gallois John Cale se rencontrent. Cale avait déjà travaillé avec l’idole de Reed, La Monte Young. Ils se sont tout de suite compris et ont communiqué dans les mêmes dimensions, interpersonnellement et musicalement. Une première forme du classique du Velvet Underground « Heroin » aurait été créée lors de l’une des premières rencontres, bien avant le premier album avec la célèbre banane Warhol. Il y a d’abord eu The Primitives, la chenille qui est devenue peu après The Velvet Underground.
Le Velvet Underground
En 1965, Reed et Cale jouent ensemble pour la première fois sous le nom de The Velvet Underground, avec Moe Tucker à la batterie et Sterling Morrison à la basse. La rumeur de son apparence inhabituelle et de sa musique décalée s’est répandue dans les cercles artistiques de Manhattan. Il se trouve qu’à partir de 1966, Andy Warhol cherchait un groupe à soutenir et il le trouva au sein du Velvet Underground. Contrairement à la perception actuelle de la collaboration, la liaison a initialement été beaucoup moins réussie que ne le suggère la tradition de la culture pop. « L’harmonie électrique stoïque, sinon le bruit, avec le chant sonore d’une blonde allemande Valkyrie était la toute dernière chose dont on avait besoin dans le Summer of Love psychédélique. « Aujourd’hui, l’album est classé parmi les dix meilleurs disques de rock de tous les temps dans tous les canons du monde », a déclaré Arne Willander, rédacteur en chef de ROLLING STONE, à propos du premier album de 1967, « The Velvet Underground & Nico ».
Nico, d’abord la muse de Warhol, puis l’amant de Lou Reed, était la condition de Warhol pour son soutien, mais surtout un « emmerdeur » pour Moe Tucker. Cela a suscité beaucoup d’attention, mais ce n’était pas un facteur musical. C’était là encore, la friction omniprésente dans la vie de Reed. Maintenant avec l’air du temps, aussi avec le conflit entre son travail artistique dans The Velvet Underground et sa relation avec Nico. Ni l’adhésion de Nico au groupe ni son alliance avec Reed n’ont survécu à l’année 1967.
Lou Reed et David Bowie
John Cale est également parti après le deuxième album. Lou Reed y reste jusqu’à « Loaded » (1970), puis se consacre à sa carrière solo. Encore une fois avec un succès modéré au début. Willander à propos de l’ascension de Reed dans les années suivantes : « Puis il a rencontré David Bowie, un admirateur qui était au sommet de sa renommée et qui a produit ‘Transformer’ : les chansons sèches de Reed ont rencontré le glam rock emphatique de Bowie, et aux côtés de ‘Walk On The Wild Side’, l’hymne ultérieur des salons de mode internationaux, des conventions pornographiques et des glaciers provinciaux, a donné naissance à des chansons aussi touchantes et dorées que ‘Satellite Of Love’ et ‘Perfect Day’. »
Lou Reed s’était fait entendre avec « Transformer » (1972), et il voulait le confirmer avec « Berlin » (1973). Cependant, l’histoire d’amour de deux accros dans la capitale allemande est devenue la rupture décisive entre Reed et la presse musicale ainsi qu’avec son propre public, dont le collectif n’aime pas l’album rencontré. D’abord vos propres parents, puis la culture hippie et enfin les critiques. Reed s’est replié sur lui-même et a rendu la vie difficile à tout journaliste qui osait l’approcher, et encore moins lui poser des questions. Surtout pas à propos de la drogue, qui se terminait généralement par des tirades haineuses.
Entre projecteurs et déni
Après le réjouissant « Sally Can’t Dance » (1974), puis le rejet total de toutes les conventions de l’industrie du disque commercial. « Metal Machine Music » (1975), un album composé principalement de feedback de guitare et souvent adapté par New Music comme un emprunt à la culture pop, était un majeur retentissant. Le « Coney Island Baby » qui a immédiatement suivi a réhabilité Reed dans le souffle suivant, presque comme déguiser une déclaration en plaisanterie alors qu’elle pourrait ne pas être bien accueillie par le public.
À partir des années 80, Lou Reed aime se présenter comme un artiste qui a trouvé la discipline. Le renoncement généralisé aux excès des décennies précédentes en a fait une fois de plus l’ennemi favori de la presse, qui n’a laissé presque que sa musique pour écrire sur lui. Grâce à des albums comme The Blue Mask, Legendary Hearts et Mistrial, la décennie s’est finalement terminée par ce que beaucoup considèrent comme le chef-d’œuvre de Reed. « New York » (1989) est le célèbre bilan de la situation politique de sa ville natale. Il a même pu se réconcilier un temps avec les journalistes.
L’espace d’un instant, les membres fondateurs du Velvet Underground se sont même réunis après que John Cale et Lou Reed ont enregistré l’album « Songs for Drella » pour marquer la mort d’Andy Warhol. En 1992, ils partent en tournée avec U2, mais ils se perdent rapidement dans les disputes. La fin d’une longue carrière sera finalement un album qui fera une nouvelle fois perdre les dents du public. « Lulu » en collaboration avec Metallica a été déchiré en 2011 à quelques exceptions près. Maintenant, il n’a finalement plus de fans, a plaisanté Reed.
La cause du décès de Lou Reed
Après des décennies de consommation de drogue et d’alcool, Lou Reed souffrait d’hépatite et de diabète. Peu de temps avant sa mort, il a développé un cancer du foie, ce qui a rendu nécessaire une nouvelle greffe d’organe. Après l’opération, il a exprimé sa confiance, mais le 27 octobre 2013, le Grantler le plus tristement célèbre de l’histoire de la pop est décédé d’une insuffisance hépatique. Il avait 71 ans. Toute sa vie, il a exploré les limites, les a définies et les a dépassées. Il a franchi cette dernière en présence de sa troisième épouse, Laurie Anderson.
En réponse à sa mort, de nombreux compagnons et admirateurs lui ont rendu hommage, notamment Patti Smith, David Byrne, David Bowie, Morrissey et Iggy Pop. Le 27 octobre au soir, Peal Jam lui a consacré « Man of the Hour » lors de leur concert à Baltimore et, outre-Atlantique, les Arctic Monkeys ont joué « Walk on the Wild Side » à Liverpool.