Le paysage du Norfolk, sur la côte de la mer du Nord en Angleterre, est réputé pour être plat. C’est du moins ce qu’il semble jusqu’à ce que vous passiez du temps devant la dernière installation d’Antony Gormley, qui s’étend sur 121 hectares de parc près de King’s Lynn. Ses 100 sculptures grandeur nature de la forme nue de l’artiste, désormais familières, sont presque identiques. Moulées en fonte à partir de son grand corps, chacune se tient debout et immobile, les yeux fermés, les mains pointées vers le sol.
Les marques de moulage sur les corps pourraient évoquer une tribu d’hommes cybernétiques. Pourtant, l’uniformité apparente alerte le spectateur sur leur différence. Seuls quelques-uns se tiennent debout, les pieds sur terre. La plupart sont partiellement enterrés, certains jusqu’aux genoux ou au cou, tandis que 20 sont surélevés sur des socles en béton pouvant atteindre quatre mètres. En fait, tous se tiennent sur le même plan horizontal, à une distance fixe du niveau de la mer ou du noyau terrestre. Les variations de hauteur attirent l’attention sur les ondulations à peine perceptibles de la surface de la planète. Si vous vous placez au bon niveau et que vous tournez à 360 degrés, vous regardez un certain nombre de ces hommes de fer, à la fois enfoncés et surélevés, directement dans les yeux.
Il s’agit d’un art conceptuel qui est aussi viscéral. Se promener parmi ces figures énigmatiques sur leur plan fixe, c’est prendre conscience de leur relation – et de la nôtre – à la Terre, du temps géologique profond qui a sculpté les contours de ce paysage, de la topographie remodelée non seulement par la nature mais aussi par la conception humaine et, parfois, par un travail inhumain. Changeant au gré du jeu de la lumière du soleil, de l’ombre et de la brise, cette expérience méditative intense est renforcée par des phénomènes naturels – de la brume matinale et du chant des oiseaux au daim pâle et au parfum de l’herbe tondue. Même la rouille orange des sculptures et les traînées blanches des fientes d’oiseaux ajoutent à la bénédiction.
L’œuvre « Time Horizon » de Gormley exposée au Houghton Hall and Gardens est la première au Royaume-Uni à avoir été créée dans le sud de l’Italie en 2006. Mais ces personnages du Norfolk ont été spécialement moulés dans une fonderie des West Midlands à partir de 23 moules différents créés sur une période d’un an. Après avoir privilégié les numérisations numériques pour plus de rapidité, « j’ai eu mon premier moulage du corps entier depuis 18 ans l’été dernier », me dit l’artiste, qui possède une maison à proximité, en revisitant l’œuvre. Il a fallu cinq mois pour l’installer et l’ouvrir au printemps.
Le Houghton Hall de style palladien a été construit en 1722 par le premier Premier ministre britannique, Sir Robert Walpole, comme le dit Gormley, le « Versailles anglais ». Un ancêtre du seigneur de Norfolk avait été élevé par les Croisades (d’où l’omniprésente « tête de Sarrasin » dans le décor). Dans l’arcade sous les salles d’apparat, une sculpture de Gormley enterrée jusqu’aux cuisses – la seule à l’intérieur de la maison – fixe le niveau de référence pour le 99 extérieur. Il n’y a eu aucun compromis avec cette « ancre » cruciale. Plutôt que de tricher en la coupant en deux, explique Gormley, « nous avons retiré les dalles de pierre puis percé », ce qui a permis de descendre toute la sculpture avec son socle de soutien dans le trou jusqu’à l’aine. Le bouchon de dalle du XVIIIe siècle, découpé au jet d’eau, sera remplacé à la fin des travaux.
Presque tous les meubles de la galerie ont été retirés, laissant des têtes de cerfs au-dessus des quatre cheminées. Les portes d’entrée et de derrière ont été ouvertes, créant une vue dégagée sur la maison, interrompue seulement par la silhouette beckettienne qui dépasse du sol. « Nous avons perforé le mirage », explique Gormley, « et avec lui, son faste et son faste. »
Lauréat du prix Turner en 1994, anobli en 2014, l’artiste a positionné son art à l’opposé de la projection de puissance et de beauté idéalisée de la sculpture classique. Bien qu’il reste surtout connu pour le gigantesque « Angel of the North » (1998), nombre de ses installations sont moulées à partir de son propre corps – de « Another Place », installée depuis 2005 sur la plage de Crosby dans le Merseyside, ou « Another Time » (2017), qui émerge à marée basse à Margate, à « Event Horizon », exposée pour la première fois dans le paysage urbain de Londres en 2007. Pourtant, « je ne les considère pas comme moi », dit-il. « Elles sont un exemple particulier de la condition humaine commune, pas un chiffre ou un symbole. » Son point de départ en tant qu’artiste est le corps qu’il habite, non pas comme une image ou – comme on le prétend parfois – une icône patriarcale, mais comme un lieu de sentiment et d’expérience.
Gormley fait un geste vers le fronton au-dessus de Houghton Hall, avec sa statue de Démosthène, défenseur de la liberté, flanqué de Minerve et de la Justice. Identifiant Démosthène à Walpole, il dit : « Robert est vêtu d’une toge au sommet. Il est en marbre ; je suis en fer. » Alors que « le bronze ou le marbre ont été les principaux supports de la statue », ses hommes de fer ne sont pas des statues mais des « acteurs ». Pesant chacun 640 kg, ils sont insérés comme catalyseurs dans le paysage pour « interroger la surface des choses », un peu comme des aiguilles d’acupuncture dans un corps.
Après avoir été étudié et cartographié en 3D à l’aide de drones, le site a été testé à l’aide de théodolites. Bien que les figures semblent orientées de manière aléatoire, aucune ne se fait face. Inspiré par la méditation bouddhiste de la jeunesse en Inde, l’artiste considère que leur immobilité renforce la conscience contemplative chez le spectateur. En marchant depuis le ha ha incurvé, avec sa tranchée cachée séparant la pelouse de la nature sauvage, le long des allées de tilleuls palissés jusqu’aux plus hauts socles du jardin clos en contrebas, il souligne les variations subtiles dans les formes – d’une position plus détendue des mains à des poumons plus pleins.
Comme le souligne Daisy Hildyard dans son essai sur le catalogue, la production industrielle des hommes de fer reflète l’industrie qui se cache sous ce bout de campagne anglaise. Les portes sont « faites de certains des premiers acajous abattus aux Antilles », explique Gormley, faisant allusion aux liens de Walpole avec l’esclavage et l’enrichissement dans la bulle des mers du Sud. Sur place aussi, « des centaines de personnes ont travaillé dans la maison. La perspective est a été creusée à la main. Il existe de nombreuses injustices par rapport à ces structures historiques. » Le marquis de Cholmondeley, propriétaire résident et hôte enthousiaste d’expositions contemporaines depuis 2015, a partagé avec lui les cartes d’acquisition des terres voisines par Walpole.
David Cholmondeley, qui a restauré les jardins à la française du XVIIIe siècle pendant 25 ans, déclare : « Aujourd’hui, on dirait qu’ils ont toujours été là. » Pourtant, pour Gormley, alors que Houghton projette la puissance et la permanence comme il a été construit pour le faire, son impermanence par rapport au temps géologique fait partie de l’objectif de « Time Horizon ».
L’intervention de Gormley coïncide avec celle de Magdalene Odundo, une artiste née au Kenya dont les céramiques sinueuses, avec des protubérances ressemblant à des nombrils, des mamelons ou des vertèbres, sont des liens intimes entre la terre argileuse et le corps humain. En retirant l’une des deux grues en porcelaine chinoise de la chambre à coucher Green Velvet, Odundo la remplace par un vase en terre cuite « Sans titre » (1995) au col arqué en forme d’oiseau, créant un duo étonnant et curieux.
« Le faucon ne peut entendre le fauconnier » (2024), une folie en forme de gâteau de mariage en jaspe ocre et noir, trône sur la table à manger du Marble Parlour. Coulées à partir de moules historiques lors d’une résidence aux archives Wedgwood, ses totems d’esclavage sont rejoints par les profils de l’abolitionniste Wedgwood et de l’écrivain Olaudah Equiano, et surmontés d’une image d’une femme kenyane lors de récentes manifestations fiscales. Reliant avec insistance le passé au présent, la pièce maîtresse d’Odundo couronne les dialogues gracieux mais puissants de ces deux artistes avec la demeure seigneuriale.
‘Time Horizon’ jusqu’au 31 octobre; ‘Magdalene Odundo’ jusqu’au 29 septembre. houghtonhall.com
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