J’avais hâte qu’il me joue quelque chose de mélodique », a déclaré Steven Spielberg. « Mais John Williams », et le réalisateur a tendu deux doigts comme s’il s’agissait de deux vieilles chaussettes, « juste martelé sur les touches graves avec ces deux-là, de plus en plus vite. » Spielberg a dit qu’il avait éclaté de rire à l’époque. C’était censé être le thème principal de Jaws? Aujourd’hui, cette mélodie de Williams est l’un des classiques de la musique de film. Le motif de la chasse suscite toujours le malaise, plus de 40 ans après sa première en salles. C’est un chef d’oeuvre d’efficacité.
La musique influence l’appréciation d’un événement. Il amplifie ou adoucit ce que nous voyons – il manipule. Le requin dans l’eau devient plus rapide parce que le rythme le dicte. Le son et l’image forment alors ensemble notre impression, qui devient un souvenir. Rien n’illustre mieux cette interaction que le film que John Williams cite : « Psycho » d’Alfred Hitchcock. Bien sûr, la scène de la douche dans laquelle Norman Bates assassine Marion Crane avec un couteau fonctionne également sans musique – après tout, un bon film doit fonctionner sans musique. Mais les coups de couteau déploient une plus grande horreur car le compositeur Bernard Herrmann les illustre avec des cordes saccadées. Alors que le sang de Leigh se précipite vers le drain, le son visqueux d’un violoncelle se joint. Comme si c’était cette totalité de tous les sons qui était responsable de la mort et effaçait ensuite toute trace.
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Et que s’est-il passé après l’achèvement de cette scène mondialement connue ? Un profond fossé s’est creusé entre le réalisateur et son compositeur maison. Hitchcock voulait le meurtre sous la douche sans accompagnement instrumental, ne voulait probablement entendre que les coups de couteau. « Psycho » n’aurait-il pas été aussi bon ? On peut ne pas y croire. Le désir de musique est trop grand, la connaissance qu’elle doit simplement améliorer les images.
Comment la musique de film colle
Parfois, la mémoire jette une clé dans les travaux. Même les musiciens eux-mêmes n’y sont pas épargnés. Comme l’un de ses plus grands triomphes, a déclaré Ennio Morricone, il considère la scène d’ouverture du western spaghetti de Sergio Leone « Play Me the Song of Death ». Un bain de sang, selon le maître, aux sons de « l’Homme à l’harmonica ». Nous connaissons la mélodie de l’harmonica, mais le problème est qu’elle n’apparaît même pas au moment où Morricone cite. Le début se passe même sans score. Morricone s’en souvenait mal – mais la musique est si étroitement liée au film qu’elle semble être en boucle permanente.
Nous avons sélectionné les 60 meilleures bandes sonores. Nous avons pris en compte ceux qui consistent principalement en des pièces que nous avons composées nous-mêmes, ou des adaptations de matériel existant (par exemple « Orange mécanique » de Walter Carlos). Ne sont pas inclus les échantillonneurs de succès de longue date (« Pulp Fiction », « Trainspotting »), ainsi que les partitions, auxquelles le film était plus un accompagnement – plutôt que l’inverse, comme une bande originale devrait l’être (éliminant « Purple Rain » de Prince). Toutes les partitions sont classées par ordre chronologique.
Autant en emporte le vent (1939)
Max Steiner
L’air de clôture mondialement connu, Rhett abandonne Scarlett, elle s’effondre sur les marches de la plantation, est traité à tort comme un thème d’amour. Cependant, il est dédié au domaine « Tara » – la bande sonore de deux heures et demie de Steiner était si opulente: même les bâtiments étaient honorés. Aux Oscars de 1940, douze « Original Scores » ont été nominés, Steiner a perdu contre « The Wizard of Oz » d’Herbert Stothart.
Ascenseur à l’échafaudage (1958)
Miles Davis
Le réalisateur Louis Malle considérait comme un coup d’État de faire embaucher Davis pour son film de Jeanne Moreau – pour le trompettiste, c’était une œuvre de commande, terminée en deux jours. Le groupe de cinq musiciens a improvisé sur une projection à l’écran du film. Il est remarquable de voir comment Davis a conduit l’évolution du jazz. Le cool jazz est devenu ce jazz modal flottant – qui à son tour est un précurseur du free jazz.
Ben Hur (1959)
Miklos Rosza
La mère de toutes les partitions épiques, et prétendait être la bande originale la plus longue de tous les temps, avec plus de trois heures de musique (avec un film de 212 minutes). Pour son drame sur un prince déchu qui se bat comme esclave, le réalisateur William Wyler a engagé le Hongrois Miklós Rósza, le meilleur compositeur de son temps, connu pour ses collaborations avec Hitchcock et Billy Wilder.
Psycho (1960)
Bernard Herman
La « scène légendaire de la douche » devrait figurer dans tous les manuels de musique de film : Herrmann s’appuyait sur des cordes saccadées, accentuant le meurtre rapidement coupé d’Hitchcock. Le soupçon que les tonalités aiguës étaient générées électroniquement a été réfuté : les microphones ont été placés à proximité des instruments. Hitch voulait à l’origine la séquence sans musique, ce qui a conduit à une rupture entre le réalisateur et le compositeur.
À bout de souffle (1960)
Martial Solal
Le grand agacement consistait dans le fait que le film pionnier de la Nouvelle Vague de Godard, conçu pour le réalisme, recevait une bande-son jazz du tout, moins narrative et plus suffisante en soi. Le pianiste Solal, aujourd’hui âgé de 90 ans, a prêté à l’atmosphère métropolitaine palpitante de Paris l’agitation appropriée avec son jeu de clavier chatoyant et des cordes supplémentaires.
West Side Story (1961)
Léonard Bernstein
En tant que directeur musical du New York Philharmonic, Bernstein était le choix logique pour l’adaptation à l’écran du hit de Broadway. Le film, réalisé par Robert Wise et Jerome Robbins, est encore plus populaire que la version scénique. Bernstein et son parolier Stephen Sondheim ont engagé trois fois plus de musiciens que prévu. Un spectacle d’orchestre, comme si les instruments pouvaient danser.
Laurence d’Arabie (1962)
Maurice Jarré
Jarre a reçu son premier Oscar, et l’alliance avec le réalisateur David Lean conduira à d’autres Oscars (« Docteur Jivago », « Voyage en Inde »). L’équipe de rêve a inspiré Steven Spielberg/John Williams. Tout y était : l’immensité, l’exotisme, la solitude, le miracle de la vie. « Lawrence d’Arabie » a établi la bande sonore comme une force de la nature.
La panthère Rose (1963)
Henri Mancini
La chanson thème est dédiée au voleur de bijoux Phantom (David Niven) – mais bien sûr, la chanson, qui oppose la curiosité aux pattes de velours aux cuivres choquants (sentiment : pris !), fait penser à l’ami à quatre pattes qui a ensuite été immortalisé dans une série de bandes dessinées. Parallèlement, le compositeur Mancini établit son jazz symphonique inédit avec des emprunts latins.
Nuit d’une dure journée (1964)
Les Beatles
Ainsi que « Visite mystère magique‘ (1967), le troisième album studio des Fab Four, se suffit à lui-même et est également reconnu sans le film (réalisé par Richard Lester). « And I Love Her » et « Can’t Buy Me Love » ont été des succès, et la progression du groupe était évidente dans la chanson titre, qui déplore la Beatlemania. Le légendaire accord d’ouverture de Harrison représente la folie. Cela semble tordu et en quelque sorte pas tordu.
Mes chansons, mes rêves (1965)
Richard Rodgers
Bien sûr, « Edelweiss » n’est pas l’hymne national de l’Autriche, mais l’adaptation musicale rêveuse et politique de Robert Wise (elle traite de l’annexion de l’État alpin à l’Allemagne nazie) a également fait son chemin dans la culture pop. Björk y fait référence dans « Dancer In The Dark », Christian Bruhn le rappelle avec son « Heidi ». Rodgers « The Sound Of Music » (titre original) est l’évasion à son meilleur.
danse des vampires (1967)
Krzysztof Komeda
Il aurait pu devenir le compositeur le plus recherché d’Hollywood, mais l’homme de 37 ans est décédé en 1969 des suites d’une chute lors d’une fête. Komeda a doté le grotesque suceur de sang de Roman Polanski de chœurs diaboliques, d’un folklore d’Europe de l’Est qui fait dresser les cheveux sur la tête – mais aussi d’un hymne à la belle Sharon Tate (« Sarah In Bath »).
Il était une fois dans l’Ouest (1968)
Ennio Morricone
Tout le monde connaît la mélodie, mais c’est la deuxième partie de « Man With A Harmonica » qui a défini le style : un chœur céleste, marchant fièrement, réinterprète les cow-boys sanguinaires en combattants glorieux. Le motif anti-héros a survécu aux westerns spaghetti, et chaque fois que Tarantino lâche ses assassins, qui sont ses sauveurs, il pense à Morricone.
Dans la chaleur de la nuit (1967)
Quincy Jones
En tant que flic chargé de résoudre un meurtre dans une communauté raciste du Sud, Sidney Poitier, la première superstar noire d’Hollywood, a reçu le soutien musical de la chanson thème de Quincy Jones et Ray Charles, « Stars with evil eyes stare from the sky… ». Une situation gagnant-gagnant qui a valu au drame de Norman Jewison cinq Oscars – mais aucun pour les trois Afro-Américains.
Bullit (1968)
Lalo Schifrin
Aux côtés de John Barry, Schifrin, aujourd’hui âgé de 85 ans, était considéré comme l’homme de la musique d’agent. Le pianiste a fêté sa percée avec « Mission Impossible » et Bang ! Bang Orchestra, mais la partition du thriller policier de Peter Yates était son chef-d’œuvre. Coup de vent chargé de tension, basses cachées, feu continu percussif. L’Argentin l’a réenregistré avec le WDR Big Band en 2000.
Sur le service secret de Sa Majesté (1969)
Jean Barry
Les onze partitions Bond de Barry sont toutes spectaculaires, celle-ci submergée par le courage de préparer le motif du titre comme un mélange purement instrumental de groupe et d’orchestre et par le divin « We Have All The Time In The World » de Louis Armstrong. Les autres morceaux se retrouvent maintenant sur des samplers de cocktail jazz et comme musique d’échauffement pour les spectacles de Rocko Schamonis.