Le retour de la mode surréaliste

Vous avez vu des choses surréalistes lors des défilés de mode automne/hiver 2022 plus tôt cette année. Je ne parle pas seulement du spectacle de vêtements exigeants défilés six mois avant leur mise en vente – bien qu’il y ait définitivement quelque chose de surréaliste à ce sujet. Mais plutôt du surréalisme au sens où l’entendait l’écrivain André Breton. Comme il l’écrit dans son « Manifeste du surréalisme » de 1924 : « Je crois à la résolution future de ces deux états, rêve et réalité, apparemment si contradictoires, en une sorte de réalité absolue, une surréalité ». Cela ressemble à la mode. En fait, cela ressemble à Instagram, et à bien d’autres choses que nous appelons la réalité en ce moment.

Mais l’engagement de la mode avec le surréalisme est à la fois plus profond et moins profond. L’extrémité la moins profonde de la piscine survient lorsque des thèmes surréalistes influencent les collections des créateurs : Dolce & Gabbana a montré des vêtements avec trompe l’oeil corsets incrustés ou soutiens-gorge imprimés; Bottega Veneta avait des chaussures à plateforme floues qui ressemblaient au « Luncheon in Fur » de Méret Oppenheim, une tasse de thé doublée de peau de gazelle. Le designer belge Dries Van Noten a créé un manteau rembourré en duvet douillet aux motifs incongrus pour ressembler à la porcelaine de Dresde.

À Milan, le défilé Moschino AW22 de Jeremy Scott semblait refléter l’ameublement chic des manoirs des oligarques, habillant les modèles comme des chaises rembourrées, des portes cloutées de laiton, des paravents laqués. Le modèle Gigi Hadid est apparu comme un meuble ambulant incrusté de bronze doré, rappelant à la fois le tableau de Salvador Dalí de 1936 « Le cabinet anthropomorphe » – une figure féminine avec des tiroirs dans sa poitrine – et le décor outré de la maison du mécène surréaliste Edward James, Monkton House, meublé de manière incongrue avec des meubles Regency tourbillonnants aux côtés des célèbres canapés à lèvres Mae West et des empreintes de pas de sa femme peintes sur le tapis de l’escalier.

Ces lèvres sont apparues au défilé Loewe de Jonathan Anderson, moulées en résine et plissées sur les seins d’une paire de robes tube en jersey. Cette collection était la plus surréaliste de la saison, avec des modèles marchant sur des talons conçus pour ressembler à des ballons mûrs prêts à éclater. Ils portaient des robes qui semblaient composées de peaux d’animaux en lambeaux, décollées de latex ressemblant à de la chair nue ou moulées pour ressembler à du tissu gonflé, en cuir ou en plastique transparent. D’autres étaient enroulés autour du corps, mais semblaient piéger une paire de chaussures à talons hauts contre la chair. Il s’agissait en fait de répliques imprimées en 3D, conçues pour s’adapter parfaitement au corps – mais elles étaient toujours bizarres, troublantes et, oui, surréalistes. S’exprimant après le spectacle, Anderson a utilisé deux mots profondément associés aux visions oniriques, parfois violentes et toujours étranges du surréalisme : « irrationnel » et « tendu ».

Le surréalisme est également à la mode au-delà des podiums en ce moment. L’exposition Le surréalisme au-delà des frontières ouvert en février à la Tate Modern de Londres ; moins d’une semaine plus tard, chez Sotheby’s à Londres, le tableau « L’empire des lumières » de René Magritte de 1961 s’est vendu pour 59,4 millions de livres sterling, triplant presque le record de l’artiste. La 59e Biennale de Venise, qui s’ouvre le 23 avril, tire son titre — « Le lait des rêves » — d’un livre pour enfants d’une autre artiste du mouvement, Leonora Carrington. Ce n’est pas une biennale surréaliste en soi, mais ses réflexions sur notre moment culturel actuel renvoient, semble-t-il, aux idées surréalistes – « un voyage imaginaire à travers les métamorphoses des corps et les définitions de l’humain », selon les termes du directeur de la biennale. directrice artistique, Cecilia Alemani.

Bien que ses racines soient dans Dada et les premières œuvres qui ont émergé à l’adolescence et tout au long des années 1920, le surréalisme n’a vraiment pris de l’importance internationale que dans les années 1930 : des périodes de difficultés économiques et de politiques extrêmes et tendues. Ce moment peut être considéré comme le reflet du nôtre. La mention d’Anderson de l’irrationnel et du temps semble applicable à l’humeur collective, étant donné l’anxiété géopolitique et l’appréhension mondiale autour de la santé, des voyages, des marchés financiers, des conflits. . . vous le nommez.

Cependant, il y a aussi quelque chose de moins contextuel dans la relation entre le surréalisme et la mode. Au mieux, c’est plus profond que la surface – un véritable lien avec les idéologies et les objectifs définis par Breton et exposés à travers les œuvres d’artistes tels que Giorgio de Chirico, Joan Miró, Francis Picabia, Yves Tanguy et, bien sûr, Salvador Dalí .

Il y a toujours eu un aspect fébrile dans cette relation : les surréalistes étaient obsédés par la mode pour son caractère éphémère, sa corporéité, son artifice et son rapport aux notions freudiennes de fétichisme sexuel. La mode revenait tout le temps dans leur travail. Dès 1919, Max Ernst réalise une série de lithographies intitulée « Let There Be Fashion, Down with Art ».

D’autres n’étaient pas seulement obsédés par cela, mais se sont essayés à certains des premiers croisements art-mode. Dalí a souvent travaillé avec Elsa Schiaparelli, une créatrice de mode italienne qui a créé des vêtements que beaucoup ont décrits comme « pleins d’esprit » ou, pire, « fantaisistes ». Ses vêtements sont souvent jugés ainsi parce que beaucoup de gens voient quelqu’un porter une chaussure ou une côtelette de porc comme un chapeau comme une drôle de chose, idem vestes attachées avec des acrobates miniatures et tissées avec des motifs de chevaux de carrousel. Ce sont peut-être les moments les plus légers, mais Schiap (comme on l’appelait) a également créé des robes rembourrées et cousues pour ressembler à des os apparemment perçant à travers leur surface. Sa robe « Tears » de 1938 était basée sur une peinture de Dalí, imprimée avec des motifs créés par lui et inspirés par l’idée de chair humaine écorchée et déchirée. Dalí et Schiaparelli ont également réalisé une robe imprimée d’un homard, à peu près à l’époque où Dalí remplaçait les récepteurs téléphoniques par les crustacés dans les œuvres sculpturales. Schiap l’a dissuadé d’éclabousser la robe avec de la vraie mayonnaise.

Dalí a également touché à la mode en solo, comme en témoignent les trois couvertures qu’il a peintes pour le Vogue américain entre 1939 et 1944. Ou, en effet, les vitrines qu’il a conçues pour le grand magasin new-yorkais Bonwit Teller en 1939. Il a fait quelque chose de similaire pour Schiaparelli. , aussi – teignant un ours empaillé en rose et sculptant des tiroirs dans son torse, pour s’asseoir dans la vitrine de sa boutique Place Vendôme.

Schiaparelli fera l’objet d’une grande rétrospective, Choquant! Les mondes surréalistes d’Elsa Schiaparelli, ouverture au Musée des Arts Décoratifs de Paris en juillet. La maison a été spectaculairement revitalisée ces derniers temps; comme dans les années 1930, c’est maintenant un billet de mode chaud. Ses vêtements, créés aujourd’hui par le designer américain Daniel Roseberry, rendent hommage aux originaux de Schiaparelli, avec d’étranges broderies brutalistes, des boutons ornés et trompe l’oeil pièces. « Tous les tropes surréalistes arrivent », rit Roseberry. « C’est occuper un espace vraiment unique où nous sommes capables d’avoir le sens de l’humour et de faire sourire les gens mais c’est quand même hyper-sophistiqué. Il ne s’approche pas du camp.

C’est un point intéressant : comme pour l’art des surréalistes et les créations couture originales d’Elsa Schiaparelli, la plupart de ces vêtements ne sont pas destinés à nous faire rire (Moschino exclu, qui est une huée ironique). L’idée est de provoquer, de déranger, de profondément déstabiliser. Ils attirent également l’attention – ils l’ont toujours fait. Dans les années 1930, les vêtements d’Elsa Schiaparelli étaient appréciés des actrices hollywoodiennes et des mondaines de premier plan qui faisaient la une des journaux comme la duchesse de Windsor.

De même, les vêtements qui véhiculent l’héritage de Schiaparelli, qu’ils portent son nom ou non, ont une qualité de regard, l’équivalent esthétique du clickbait. Habillez-vous en habilleur, marchez sur un ballon, mettez une chaussure sur votre tête et vous vous ferez remarquer. C’est simple, vraiment. Il y a aussi quelque chose d’enfantinement joyeux dans la joie de s’habiller avec des vêtements comme ceux-ci : je sais. J’ai une veste en jean Schiaparelli qui se ferme dans le dos avec un tas de boutons ornés, ce qui donne l’impression que je la porte à l’envers (ou que j’ai la tête à l’envers). Je me fais arrêter dans la rue quand je le porte.

C’est peut-être pour cette raison que le style surréaliste fonctionnait à l’époque et fonctionne maintenant : il reflète la folie de la réalité, bien sûr, mais c’est aussi une distraction bienvenue. Cela permet de rêver un peu. Breton approuverait.

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