Le matin du tout premier spectacle à guichets fermés de FLO à New York, les fans ont commencé à faire la queue devant le Webster Hall avant midi. Lorsque les filles sont montées sur scène plus tard dans la soirée, le public était ravi, dansant et chantant sur chaque mot avec la même ferveur affichée par les fans lors des tournées mondiales. Le buzz du groupe de filles R&B britannique avait réussi à traverser l’étang.
Lorsque FLO est apparu sur la scène en 2022 avec son premier single « Cardboard Box », un retour assuré et satiné sur la rupture d’une mauvaise relation, Internet s’est déchaîné. Il y avait des comparaisons avec d’autres actes en trois parties qui avaient changé la culture dans le passé, des discussions sur la façon dont ils étaient la nouvelle venue de Destiny’s Child ou TLC. Les filles avaient l’esthétique parfaite, des harmonies vocales brillantes et le charisme pour tout rassembler. Depuis lors, cela a été tout sauf une prise de contrôle à part entière de FLO; cette année seulement, le groupe a remporté le BBC Sound Of…, le Rising Star Award aux BRIT Awards et le Best Push aux MTV Europe Music Awards.
La montée en flèche de la popularité et les éloges de la critique de FLO ont inspiré leur directrice créative Amy Bowerman – qui a travaillé avec des artistes massifs comme BLACKPINK et Dua Lipa – alors qu’elle imaginait leur première tournée. Et si FLO vraiment a fait prendre le relais, et si on en aimait chaque seconde ? Sous l’œil créatif de Bowerman, l’émission en direct de FLO s’est concentrée sur FLO TV, un voyage de chaîne en chaîne à travers le programme de télévision pirate de FLO. « Pour moi, c’était comme si vous vous asseyiez pour allumer votre téléviseur et que chaque fois que vous feuilletiez la chaîne, ils venaient de prendre le relais », explique-t-elle à NYLON depuis Londres. « Mais c’est une énorme célébration de cette prise de contrôle de FLO. »
Avant, Bowerman discute de sa dynamique créative avec FLO, équilibrant l’inspiration des années 90 avec des styles contemporains et apportant l’énergie des visites de stades dans des lieux intimes.
Comment avez-vous commencé à travailler avec FLO ? Comment vous et les filles vous êtes-vous connectées ?
J’ai déjà beaucoup travaillé avec Island, avec qui ils ont signé. Ils ont un très bon groupe de créatifs internes avec qui j’ai travaillé, et j’ai été mis en contact avec leur direction assez tôt. Je pense que nous parlions au début de l’année dernière, et ils ont eu une performance de Jimmy Kimmel. J’étais en fait en Corée à l’époque pour un autre travail et j’ai dû tout faire à distance. Je supervisais cela, puis quand ils ont commencé à faire cette tournée – leurs premiers spectacles qu’ils aient jamais fait – dès qu’ils ont commencé à planifier cela, je suis entré et je me suis assis avec les filles, leur ai parlé sur ce qu’ils voulaient faire, puis l’ont concrétisé avec eux.
Comment avez-vous trouvé le concept de cette image de FLO TV que l’on voit pendant l’émission ? Avez-vous eu des inspirations derrière cela?
Je pense que les filles ont un lien et une présence énormes avec leur public. Au fur et à mesure que nous parcourions les chansons, il y avait une dynamique tellement différente. Chaque fois qu’ils expliquaient des choses, c’était comme: « Oh, c’est une autre histoire, et c’est une autre histoire. » Et c’est comme, comment rassemblez-vous quelque chose pour chacun d’eux, surtout avec eux étant trois membres? Évidemment, là-dedans, il y a des histoires différentes pour chaque personne. Je me suis assis là et je me suis dit: « D’accord, je suis parti de cette réunion et j’ai entendu tout ce qu’ils ont mis dans tout cela et il y a tellement d’informations ici. Il y a tellement de façons différentes de présenter cela. »
Et surtout des choses, comme on le voit avec « Summertime », qui a son propre petit microcosme, et surtout « Feature Me » et « Fly Girl ». La seule façon de mettre cela ensemble est d’avoir ces retournements extrêmes à travers leur monde. C’est une sorte de cours accéléré à travers le monde de FLO ; Je pense aussi que pour les artistes en tant que groupe et leur enfance, ils ont déjà cette riche histoire de leurs expériences, ce qu’ils veulent mettre dans le monde, comment ils veulent raconter leur histoire. C’était tellement excitant quand je leur parlais et il y avait tellement de choses à choisir. Le concept de télévision était vraiment un moyen facile de pouvoir avoir ces retournements majeurs en si peu de temps qui pourraient amener le public avec nous dans toutes ces différentes dimensions.
j’ai récemment regardé un documentaire sur Nam June Paik et cela ressemble à l’un de ses premiers rêves : une télévision où chaque chaîne était un artiste différent. Voir FLO TV sur scène avait l’impression de capturer cette essence d’une certaine manière.
Tout ce à quoi je pensais, c’est que, similaire à leur trajectoire, où l’année dernière, chaque nouvel artiste ou tout ce qui a été complètement à propos de FLO, c’était le grand groupe et c’est comme partout où vous regardez, c’est FLO. Pour moi, c’était comme si vous vous asseyiez pour allumer votre téléviseur et que chaque fois que vous feuilletiez chaque chaîne, elles venaient de prendre le relais ? Mais c’est une énorme célébration de cette prise de contrôle de FLO. Et c’est comme ça que j’ai perçu cette chaîne scintillement, parce que si vous regardez partout en ce moment, l’étoile montante britannique était FLO, ils étaient sur la liste BBC Sounds, et cetera. Il semble donc que cette année ait été une prise de contrôle de FLO.
Voir l’énergie qu’ils ont eue à New York était vraiment spécial aussi. J’ai beaucoup aimé les graphismes de FLO TV. Ils se sentaient nostalgiques sans être écoeurants. Essayais-tu d’évoquer une certaine époque avec eux ?
J’ai des designers avec qui je travaille très étroitement, et la raison pour laquelle je l’ai fait est parce que j’ai trouvé qu’avec celui-ci, il y avait une ligne super fine – surtout avec le son évocateur qu’ils ont et les comparaisons que les gens ont faites entre le groupe et d’autres groupes d’époques différentes. Nous étions tous très conscients que cela ne ressemblait pas à un énorme retour en arrière, que nous n’allions pas directement à la jugulaire avec un look très coquin des années 90. Je pense qu’à ce même niveau, cette prise de contrôle TV devait encore avoir une texture VHS. Il devait encore y avoir un grain. J’y pensais, comment ferais-je cela avec n’importe quel autre artiste, et comment une texture VHS se trouve dans chaque monde. Je pense que tout le monde pense que ça a l’air cool.
J’étais comme, « D’accord, je peux faire un certain montant, mais tant que nous n’allons pas trop loin. » Nous avons passé beaucoup de temps à regarder les ordinateurs en disant: « Est-ce trop, ou pouvons-nous aller un peu plus loin sans que ce soit trop sur le nez? » Je suis vraiment content qu’il ne soit pas apparu de cette manière écoeurante, car il doit aussi rester d’actualité. Je pense que quand tu parles aux filles, elles sont super jeunes, elles me font me sentir ancienne. Tout ce qu’ils aiment est super cool, super actuel.
Tout le monde aime un retour en arrière; les années 90 sont passées, les années 2000 sont également passées par la mode. Comment faites-vous pour revenir en arrière, mais aussi pour aller de l’avant ? Les garder dans la position de faire en sorte que ce soit une extension d’eux parce qu’ils sont jeunes et qu’ils sont très actuels et que tout ce qu’ils sont est très proche de ce qui est cool et de ce qui est ici en ce moment. Souvent, dans le contenu, je ne choisis pas d’utiliser autant de représentation de l’image réelle de l’artiste, mais je pense que le fait d’avoir l’image là aussi aide également ces nouveaux publics. Bien que j’aie été complètement choqué qu’il y ait des méga fans là-bas, alors peut-être que nous n’en avions pas tellement besoin, mais aussi de pouvoir voir une représentation de l’artiste dans le concept également.
Vous avez travaillé sur ces méga tournées. BLACKPINK est l’un des plus grands groupes en ce moment, Dua Lipa a pris le relais pendant le verrouillage. En dehors du budget évident, quelles sont les principales différences entre la taille des tournées d’un point de vue créatif ?
Honnêtement, la deuxième plus grande différence est l’espace et la taille, car je pense que les aspirations restent les mêmes. C’est comme, « Que pouvons-nous faire? Que pouvons-nous faire pour maximiser ce que nous avons ici? » Même lorsque vous travaillez sur ces grandes méga tournées, je pense que les gens pensent que les artistes ont des sommes d’argent infinies, mais vous créez toujours avec un budget. Et le budget vous gagne toujours, quelle que soit sa taille. Mais je pense que vous vous adaptez et essayez de tirer le meilleur parti de ce que vous avez. Je pense que, surtout avec ces visites de petites salles, c’est comme, « Comment les utilisons-nous pour le Nième degré absolu? »
Je pense que ce qui est vraiment intéressant, c’est que tous les éléments sont les mêmes. Nous avions la mise en scène, nous avions la chorégraphie, nous avions l’éclairage, nous avions aussi un groupe assez important, comme un groupe de quatre musiciens, ce qui est la même chose avec BLACKPINK – ils ont un groupe de quatre musiciens, donc cela reste le même. La plupart des éléments et la quantité de travail que vous devez faire pour rassembler cela et en faire un spectacle cohérent sont à peu près les mêmes. Il s’agit de la quantité avec laquelle vous devez jouer, comment pouvez-vous la maximiser pour la rendre aussi grande que possible ou même aussi petite que possible. Je pense que le problème avec certaines des plus grandes tournées est que vous avez cette grande quantité d’espace. C’est super d’avoir ça beaucoup de temps, mais parfois on veut que ça se sente vraiment intime. C’est assez drôle, parce que surtout après la tournée BLACKPINK l’année dernière où ils sont dans des stades, vous avez une quantité ridicule d’espace pour essayer de rivaliser. Et je dirais certainement que les mots « concurrencer » car cela devient un autre défi. Puis, en entrant dans une salle plus petite, ils ont fait leur premier spectacle Outernet, à Londres, et c’est une salle de 2 000 caps, mais je l’ai toujours regardé comme, « Oh, il y a beaucoup de travail ici à faire, parce que nous devons tirer le meilleur parti de cet espace. »
C’est tellement intéressant. Comment faire pour agrandir un petit espace ?
Avec ce spectacle, lorsque nous avons le plein éclairage, nous avons cette ouverture de contour esquissée qui se courbe autour des filles. Essentiellement, il essaie d’attirer l’œil pour le rendre aussi large que possible et aussi ouvert que possible. Nous utilisons beaucoup de lignes qui créent des angles. Si nous voulons donner l’impression que quelque chose a beaucoup de profondeur, de nombreux artistes l’utilisent dans leur contenu où vous avez ce genre de point de fuite sans fin, ou vous créez des pièces dans le contenu derrière l’artiste pour donner l’impression que la scène est plus long. Vous utilisez des lignes visuelles avec l’éclairage pour donner l’impression qu’il y a cet espace sans fin et caverneux.
Avec les filles, on essaie de faire en sorte que ça se sente le plus large possible. Le groupe est assis, donc ils sont dans une position en bas et en haut de la scène, ce que vous verriez généralement à plat dans le dos, mais cela donne ensuite aux filles de la profondeur avec laquelle jouer car elles ont toute la scène d’avant en arrière. Il y a un tas d’astuces que nous avons utilisées, et je pense que c’est la première que nous avons choisie, l’orientation du groupe, parce qu’ils ont un groupe de quatre musiciens, ce qui prend beaucoup de place sur la scène. Nous les poussons sur le côté, ouvrons la position centrale, puis ils ont un moyen d’avoir une chorégraphie complète.
Comme vous l’avez mentionné plus tôt, il existe ces corrélations évidentes entre FLO et d’autres actes nostalgiques. En termes de chorégraphie, comment avez-vous équilibré cela avec une sensation de fraîcheur et de modernité ?
J’ai eu beaucoup de chance. Leur chorégraphe Cash a juste la vision. Il est parfait. FLO a ces harmonies vocales incroyables, donc ils trouvent cette ligne fine entre combien ils bougent et combien ils ont besoin pour laisser de l’espace à ces harmonies vocales. Je pense que Cash a fait un travail incroyable là-bas, en ayant ce bel équilibre de ne pas être en pleine chorégraphie tout le temps, et en leur permettant également d’avoir de la place pour un peu de personnalité également. Il y a des moments où ils se déplacent librement sur scène, et c’est à ce moment-là qu’ils commencent à interagir les uns avec les autres et à interagir avec le public, et c’est à ce moment-là que leur personnalité se révèle vraiment. Cela devient un moment vraiment drôle et agréable avec le public.
Je pense que ce qui a toujours été au premier plan de tout cela est de trouver cet équilibre, surtout pendant qu’ils trouvent des repères avec la façon dont ils se présentent et ce qu’est un spectacle FLO. Vous regardez une émission de K-pop et il y aura beaucoup de discussions, car ils adorent passer un moment avec leur public. Vous regardez une émission d’Adele, elle n’arrête pas de parler. Et puis dans certaines émissions, vous avez des gens qui ne parlent pas du tout. Nous n’avions aucune idée de ce à quoi cela ressemblerait. Même les filles, elles disaient, « Oh, on parle combien ? » Ils ont une énorme connexion avec leur public, donc ils veulent vraiment avoir ça dans les deux sens. Tout cela consistait à trouver la bonne quantité de chorégraphie, le type de chorégraphie, le style de chorégraphie, et ensuite être toujours capable de livrer un spectacle qui contient de la personnalité, a ces grands moments vocaux, et cetera. Heureusement, j’avais Cash et je pense qu’il s’en est très bien sorti.
Cette interview a été éditée et condensée pour plus de clarté.