La fréquentation d’une école de mode offre aux futurs créateurs une plate-forme solide pour explorer les techniques de conception, apprendre les méthodes fondamentales et maîtriser des compétences importantes. Cependant, ce n’est pas la seule voie vers le succès dans l’industrie de la mode. En fait, certains des créateurs de mode les plus célèbres de l’histoire n’ont jamais fréquenté d’école de design.
Prêt à suivre les traces de designers visionnaires comme Karl Lagerfeld, Giorgio Armani et Manolo Blahnik, le designer et styliste de Los Angeles, 28 ans, Jonathan Marc Stein n’est pas allé à l’école de design – du moins pas pour le design de mode. Lorsqu’il a regardé un défilé Alexander McQueen des années 1990 avant les cours alors qu’il étudiait l’ingénierie mécanique, il s’est senti appelé à poursuivre cet intérêt créatif et n’a jamais regardé en arrière depuis.
Avec le lancement de sa marque éponyme en 2017, Jonathan est devenu l’un des créateurs émergents les plus importants, alliant élégance et style innovant dans ses créations couture. Ses créations ont été présentées dans Harper’s Bazaar, L’Officiel et Cosmopolitan, portées par des célébrités telles que Mackenzie Ziegler et Laura Marano lors d’événements majeurs et présentées lors des semaines internationales de la mode.
FashionUnited s’est entretenu avec le jeune créateur après le lancement de sa collection Automne/Hiver 2023 pour en savoir plus sur son ascension vers la gloire, son autodidacte et la création d’une marque.
Quand avez-vous réalisé pour la première fois que vous vouliez devenir créatrice de mode ?
JMS : J’avais l’impression que je n’avais pas d’autre choix que de devenir ingénieur. Je devais devenir médecin, avocat ou ingénieur. Je suis donc allé en école d’ingénieur. Au cours de ma deuxième année d’université, j’attendais le début d’un de mes cours et je faisais défiler YouTube pour passer le temps. Je suis tombé sur un défilé Alexander McQueen de 1997 et cela m’a vraiment impressionné. J’ai toujours été intéressé par l’art. J’ai toujours peint et dessiné, et le côté artistique du spectacle m’a inspiré à apprendre moi-même à coudre. Dès lors, je cousais, achetais des tissus et cousais des vêtements entre les cours. Un an plus tard, j’ai été invité à défiler à la Columbus Fashion Week et tout s’est développé de manière organique à partir de là.
Comment votre formation technique influence-t-elle ou façonne-t-elle votre approche de conception ?
JMS : Beaucoup de gens sont surpris par la corrélation entre les deux, mais il y a tellement de similitudes. Il y a en fait beaucoup de mathématiques impliquées dans le design de mode. Les mathématiques sont la clé de mesures précises pour garantir un ajustement parfait. De plus, vous ne pouvez pas ignorer la physique : le poids et la structure de la substance doivent être en équilibre. Par exemple, si je conçois un bustier lourd de 100 livres, la bonne combinaison de matériaux est essentielle pour garantir qu’il offre un bon soutien, qu’il soit bien ajusté et esthétique.
Quels sont les défis et les avantages d’être un créateur de mode autodidacte ?
C’est une question difficile. Même si je n’ai pas les bases techniques d’une formation formelle en design de mode et que je n’ai pas reçu d’instruction sur les tissus, la structure des vêtements et la création de patrons, cela offre un avantage unique. Je pense que cela m’a donné un avantage créatif que je n’aurais peut-être pas développé autrement. De la même manière que j’ai résolu un problème de mathématiques différemment à l’école tout en trouvant la bonne réponse, mon manque de formation traditionnelle me permet d’être innovant. Par essais et erreurs, je développe mes propres méthodes et crée de belles pièces sans recourir aux techniques conventionnelles.
Cependant, mon expérience dans la mode non traditionnelle signifie que je dois constamment apprendre de zéro. J’ai dû apprendre moi-même chaque détail technique, des méthodes de couture jusqu’à l’utilisation des supports pour la structure. Même si j’ai tout compris moi-même, l’inconvénient est le temps que j’ai investi dans l’auto-apprentissage et l’expérimentation.
Quels sont les éléments fondamentaux qui composent vos collections de vêtements pour femmes et pour hommes ?
Lorsque je conçois des collections dans mon studio, le processus et le résultat changent souvent d’une saison à l’autre. Cependant, mon style a évolué au point que toutes les collections ont des éléments communs. Le cuir a toujours été ma matière préférée et constitue comme un fil conducteur dans toutes les collections que je conçois. J’utilise souvent du matériel métallique tel que des boucles, des chaînes, des rivets et des fermetures éclair décoratives, pour n’en nommer que quelques-uns. Je combine même ces composants dans plusieurs de mes vêtements. Je trouve agréable de combiner ces matières audacieuses et texturées avec des matières plus délicates et féminines comme la soie fluide, le tulle transparent ou même l’organza.
Qu’est-ce qui fait du cuir votre matériau de prédilection pour la mode ?
Je trouve que le cuir est l’une des rares matières à pouvoir prendre autant de formes différentes. Elle est si polyvalente qu’elle peut être robuste et épaisse ou féminine et délicate, contrairement à la soie qui est plus fluide et douce. Même si les choix de tissus sont limités pour les costumes, le cuir parvient sans effort à trouver l’équilibre entre joli, audacieux, délicat et structuré, et c’est ce que j’aime le plus dans le cuir.
Comment équilibrez-vous votre utilisation du cuir avec les visions actuelles de la durabilité ?
Bien sûr, il peut être difficile de concilier durabilité et mon amour du cuir. Le cuir végétalien, souvent fait de plastique, n’est pas particulièrement durable et pose un défi environnemental, mais je me suis associé à un fournisseur éthique. Ils s’approvisionnent en cuir comme sous-produit de l’industrie de la viande, garantissant ainsi qu’il ne soit pas gaspillé. Ils sont certifiés écologiquement, utilisent 100 % d’eau recyclée, ont une empreinte carbone minimale et sont alimentés à 90 % par l’énergie solaire. Compte tenu du gaspillage mondial important dans l’industrie de la mode, cette approche me semble être la plus responsable pour le moment, même si j’envisage des alternatives futures pour maintenir cet équilibre dans mes collections.
Ma collection AW 2023 actuelle a la plus faible empreinte écologique à ce jour. J’ai utilisé 80 à 90 % de tissus recyclés ou dont je n’avais plus besoin. Les motifs, comme celui de la veste DAN/IEL, sont pensés pour produire le moins de déchets possible. Les dessins sont en forme de blocs et évitent les pinces, il y a donc peu de chutes de tissu que je réutilise. Toutes les pièces métalliques sont recyclées et le transport s’effectue exclusivement par des véhicules électriques. Je m’engage à apporter ces petits changements pour stimuler le changement à l’échelle de l’industrie.
Avec le recul, comment diriez-vous que votre style de design a évolué au fil des années ?
Il y a une grande différence entre ma première collection et celle actuelle. Ma première collection n’était pas géniale, c’est le moins qu’on puisse dire. Mais j’étais encore en train d’apprendre et de trouver mon style personnel tout en déterminant ce que je voulais réaliser avec ma marque. À l’époque, je copiais d’autres marques et testais de nouveaux designs. Finalement, la marque est devenue ce qu’elle est aujourd’hui. Mais l’une des principales différences entre la première collection et l’actuelle est probablement que je prends désormais beaucoup plus de risques en matière de mode. J’utilise mon propre style et je le pousse à l’extrême, en étant plus audacieux, plus sophistiqué et plus moi-même.
Où voyez-vous votre marque sur la scène de la mode de Los Angeles ?
La mode de Los Angeles s’est toujours démarquée des autres villes. Cela prend souvent la forme de glamour et de splendeur avec une touche d’excentricité. J’ai l’impression que c’est souvent ce que je produis dans mon studio et que j’apporte sur les podiums. J’ai choisi de lancer ma marque à Los Angeles car c’est là que tout se passe : les stars, les tapis rouges et les événements flashy. J’ai prouvé que j’étais capable de confectionner de beaux vêtements de luxe qui peuvent être portés sur le tapis rouge parmi les stars mais aussi briller sur les podiums.
Quels sont les trois plus grands moments de votre carrière de créatrice de mode jusqu’à présent ?
Le premier moment était définitivement mon premier défilé à la Fashion Week de Los Angeles. Il s’agissait d’un cours intensif sur les bases de l’industrie et sur la manière d’organiser un défilé qui constitue une publicité majeure pour sa marque. Il était important pour moi de montrer mon style et mon intégration thématique. Cette expérience a ouvert la voie à mon défilé NYFW, qui m’a valu plusieurs gros clients et a marqué une nouvelle étape dans ma carrière de designer.
Le deuxième moment a été mon premier gros client et le moment de reconnaissance qui a suivi. J’ai travaillé avec Lauren Morano et je l’ai habillée d’une robe à paillettes bleues et violettes qu’elle portait, à mon insu, lors d’une afterparty HBO Emmy 2018. Non seulement c’était ma première grosse commande, mais aussi mon premier grand moment de reconnaissance puisqu’elle a reçu une place sur la liste des personnes les mieux habillées de Cosmopolitan. Au-delà de l’épanouissement personnel, c’était encourageant de voir mes créations trouver un écho auprès des autres. Pour moi, le design consiste à trouver un équilibre entre la réussite commerciale, la joie et le talent artistique.
Le troisième serait mon premier défilé de mode international à l’Arab Fashion Week à Dubaï. Non seulement c’était l’occasion de présenter mes créations sur une plateforme mondiale, mais j’ai également remporté le Golden Forever Rose Award. J’ai battu d’autres grands designers comme Valentino lors des récompenses, ce qui m’a donné le sentiment d’avoir mérité ma place à la table.
Où souhaiteriez-vous voir JMS dans les cinq prochaines années ?
J’espère continuer à faire ce que je fais et soutenir le développement continu de ma marque, de mon style et de mes compétences techniques. Je veux devenir un nom connu et me développer à l’international. J’aimerais exposer lors des plus grandes fashion week internationales comme Paris, Milan et Londres.
Cependant, mon plus grand objectif pour les cinq prochaines années est que ma marque devienne un nom connu. Si mon travail était ainsi reconnu internationalement, ce serait certainement un succès.
Cet article a été initialement publié sur FashionUnited.uk. Traduit et édité par Simone Preuss.