Le groupe de blues le plus titré de Grande-Bretagne ne s’est formé qu’à l’été 1967, lorsque le boom du blues semblait appartenir au passé. Londres était folle de pop, la musique et les chapelleries étaient criardes, le passe-partout s’appelait Psychedelia. L’attrait des nouveaux sons était si puissant que même les protagonistes les plus importants de la scène R&B britannique avaient depuis longtemps renoncé au blues noir et blanc et découvert par eux-mêmes la palette de couleurs de la pop.
Les Rolling Stones, Manfred Mann, Pretty Things, Animals, Moody Blues, Yardbirds et Zombies ont été infectés par la pop, mais seuls quelques groupes se sont montrés immunisés, notamment les Bluesbreakers de John Mayall. Plus une école de blues qu’une structure de groupe solide, le groupe fluctuant de Mayell a servi de fabrique de talents et de chauffage instantané pour les commandes supérieures. Eric CIapton et Mick Taylor ont appris ici, et Mick Fleetwood, John McVie et Peter Green ont joué ensemble pour la première fois, ne serait-ce que pendant quelques mois.
Le régime strict de Mayall – l’alcool était encore plus mal vu que la boisson gazeuse – a conduit à la scission après que Fleetwood et McVie aient été licenciés par Mayall pour s’être présentés ivres. Au même moment, le producteur house de Decca, Mike Vernon, créait son propre label, Blue Horizon, et présentait les guitaristes Peter Green et Jeremy Spencer. Ils s’entendent tout de suite, se regroupent et baptisent la nouvelle formation Fleetwood Mac.
Le premier single sorti en novembre était le peu prometteur « I Believe My Time Ain’t Long » écrit par Elmore James, le grand modèle de Spencer. Une influence qu’on peut difficilement entendre sur le premier LP. Il s’appelle simplement « Peter Green’s Fleetwood Mac » (★★★★), apparaît en février 1968 et contraste les courses agiles de Spencer avec les coups de langue plus calmes et plus lyriques de Green. La plupart du matériel provient de sources anciennes, presque mortes, comme Robert Johnson et Howlin’ Wolf.
Néanmoins, l’album est devenu un best-seller, atteignant le numéro 4 des charts britanniques. Le deuxième LP Mac est sorti en août 68, juste après deux petits singles à succès : « Black Magic Woman » et « Need Your Love So Bad », le premier étant le modèle de l’alliance ultérieure avec Santana, le second le modèle. pour des dérivés de blues plus émouvants. L’album « M. Wonderful » (★★★1/2) atteint une fois de plus le top dix et, en plus du delta slide et des greens de Spencer, propose un jeu poétique et sinistre ainsi que des instruments à vent et une claviériste nommée Christine Perfect.
Fin 1968, Mac atteint un sommet que personne n’aurait imaginé pouvoir atteindre : « Albatross » est en tête des charts singles et se vend à quatre millions d’exemplaires dans le monde, suivi en avril 1969 par un tube encore meilleur, tout aussi réussi : « Man De « Le Monde ». Entre-temps, un troisième guitariste principal, Danny Kirwan, a été recruté, rendant l’ensemble encore plus multiforme.
Fleetwood Mac passe à Reprise, tandis que Blue Horizon sort un LP patchwork avec « Pious Bird Of Good Omen » (★★★), tout aussi superflu que le « English Rose » (★★★) conçu pour le marché américain. Le premier album de reprise est « Then Play On » (★★★★), paraît à l’automne 69 et marque une poussée créative, innovante, introspective à plusieurs niveaux et culminant dans l’épopée rock totalement progressive « Oh Well ».
En mai 1970, Peter Green quitte son groupe, émotionnellement brisé. Le single « The Green Manalishi » est une dernière preuve de réussite de l’ancien line-up Mac, tandis que le LP « Kiln House » (★★★1/2 ) est déjà enregistré sans Green et est stylistiquement cohérent, mais tombe à côté. commercialement en bordure de route.
Jeremy Spencer abandonne et est remplacé par l’Américain Bob Welch, Christine McVie accède à une position plus centrale de chant et les albums suivants Future Games (1971, ★★1/2) et Bare Trees (1972, ★ ★★) aident à enfin établir le groupe aux États-Unis avec leur ambiance de la côte ouest et leur flair soft rock, tandis que les disques britanniques sont presque complètement ignorés. Un processus accéléré par le limogeage de Danny Kirwan et l’emploi temporaire du chanteur de rock Dave Walker.
Les albums qui en résultent « Penguin » (1973, ★★) et « Mystery To Me » (1973, ★★) affichent des ventes raisonnables en Amérique, mais montrent le groupe à son point le plus bas artistique. « Heroes Are Hard To Find » (1974, ★★1/2) est un peu meilleur, après quoi Bob Welch quitte le groupe après quatre ans, démoralisé par des urgences personnelles et des querelles mélodramatiques, Fleetwood Mac est en attente. Jusqu’à ce que Mick Fleetwood entende un LP intitulé « Buckingham Nicks » et que le chapitre californien soit ouvert…
Où est passé le blues ? A-t-il été balayé comme un rat de meute mort avant que l’albatros ne s’envole vers l’ouest chaud et que Fleetwood Mac ne déménage à Los Angeles ? Cette équation triviale serait trop jolie, mais bien sûr elle n’est pas vraie, car – comme je l’ai dit – la pop était progressivement arrivée à Londres après le départ de Peter Green.
Pour le couple d’artistes, les nouveaux venus Nicks et Buckingham, le blues était tout au plus un mot sympa, et on pense parfois encore l’entendre plus tard, de loin : dans les contributions de Christine Mc Vie à des chansons telles que « Sugar Daddy » et » Don’t Stop », dans les paroles (« Been down one time/Been down two times »), dans « Gold Dust Woman » de Stevie Nicks, dans le personnage de guitare de Lindsey Buckingham dont il s’est toujours souvenu fermement jusqu’à ce jour. de retour dans ses morceaux (entendus sans équivoque dans la performance live de « Big Love » sur « The Dance »).
Un blues câlin, comme le prédit le pouce. Le blues auquel chaque groupe pop s’adonne de temps en temps. Si vous dites aujourd’hui que l’après-Green Fleetwood Mac était le groupe le plus dramatique, vous devez également vous demander : pourquoi ce drame n’a-t-il jamais trouvé sa place dans la musique ?
Déjà dans le pastoral « Landslide » de « Fleetwood Mac » (1975, ★★★1/2), le premier album sans Welch, avec Nicks et Buckingham, Stevie Nicks chante son problème amoureux : « J’ai eu peur de changer « / Parce que j’ai construit ma vie autour de toi/ Mais le temps te rend plus audacieux/ Et les enfants grandissent/ Et je vieillis aussi. » Et pourtant, cela semble si sage, si radieux, si beau et indemne.
Son « Rhiannon » était le modèle de la sensualité décontractée qu’elle apportait au groupe, parfaitement orchestrée par son petit ami Lindsey avec un crochet de guitare facile à comprendre. Le premier coproduit des auteurs-compositeurs Nicks, Buckingham et Christine McVie, une guilde sans précédent à l’époque, ressemble à une collection de singles de boogie de la côte ouest et de soleil des années 60, avec des tubes indescriptibles, également avec le kitsch au piano de Rhodes (« Crystal’) et un solo pour guitares jumelles (« I’m So Afraid »). Album homogène, véritable effort de groupe, Fleetwood Mac Mark II n’a pas réussi même lorsqu’il s’agissait d’un véritable groupe.
Néanmoins, « Rumours » (1977, ★★★★1/2) ne peut pas être expliqué. Un record sur lequel un nombre inimaginable de personnes peuvent s’entendre, comme autrement uniquement sur les boissons gazeuses ou les étagères intégrées. Une musique de bien-être qui ne documente son processus de création angoissant que dans les paroles et qui semble si plausiblement composée à la deuxième et à la cinquantième écoute – malgré la limitation mentionnée – avec la première face émouvante et la deuxième face gueule de bois et uniquement des mélodies fantastiques sélectionnées.
Il n’y a pas de bruit ici, même le solo de Buckingham à la fin de « Go Your Own Way » est inévitable et constitue le moment le plus émotionnel du disque. Merveilleux : comment le chant harmonique fait irruption après le retardateur « You Make Loving Fun » dans « I Don’t Wanna Know », comment « Don’t Stop » s’arrête vraiment peu avant la fin et continue pourtant. La basse tendue dans le break de « The Chain ». La phrase « Ramassez les morceaux et rentrez chez vous ! » dans « Gold Dust Woman ». Un sommet solitaire de la littérature pop populaire.
La seule œuvre de Fleetwood Mac dans laquelle la folie avait son dû est « Tusk » (1979, ★★★★), plus tard entièrement repris par Camper Van Beethoven et crédité du générique « Produit par Fleetwood Mac (merci spécial du groupe à Lindsey Buckingham). Le fait que Buckingham, resté seul en tant que directeur musical, n’ait réalisé ses propres morceaux (9 sur 20) que sous forme d’enregistrements maison sans bruit, nobles lo-fi et psychédéliques, blanc de cocaïne, avec des guitares manipulées et des sons de batterie faits maison peut être considéré comme un geste de politesse, aussi pour se plier aux nouveaux vacillants.
En tout cas, pour un homme riche, il avait compris énormément de choses. C’est incroyable que McVie et Nicks aient quand même réussi à préparer des chansons aussi excellentes étant donné les conditions de l’époque. En raison de l’ampleur et de la confusion, bien sûr, plus lourd que « Rumeurs ». Il faut absolument le redécouvrir.
« Fleetwood Mac Live » (1980, ★★1/2) ne le fait pas. Après le « Tusk » commercialement décevant, il fallait fabriquer des produits que même les idiots pouvaient acheter. Avec « Mirage » (1982, ★★) et « Tango In The Night » (1987, ★★), ils ont réussi avec brio, mais artistiquement, c’était exactement le pas dans l’abîme que Fleetwood Mac avait dansé avec élégance pendant si longtemps : Ce qui était déjà minable dans les chansons était désormais également arrangé de manière ringarde, avec les synthétiseurs de l’époque qui figuraient sur la carte des recettes du rock pour adultes depuis le début des années quatre-vingt.
Il est étonnant, mais c’est un fait évident, que tout ce qui était beau ait disparu si rapidement et irrévocablement du travail du groupe. Gypsy était la dernière performance de velours et de soie de Stevie Nicks sur l’album Mirage avant qu’elle ne devienne folle. Sur « Behind The Mask » (1990, ★1/2), elle était toujours présente physiquement (contrairement à Buckingham), mais pas sur « Time » (1995, ★), que le groupe a même retiré de sa discographie officielle.
Les retrouvailles non invitées aux frontières de 1975 ont apporté des interprétations à la fois meilleures et pires d’anciens favoris et de nouvelles performances à moitié cuites sur l’album live unplugged « The Dance » (1997, ★★1/2), le dernier album studio jusqu’à présent » Say You Will (2003, ★★) avec tout le monde, mais Christine McVie est plus longue que « Tusk » avec 76 minutes, n’a pas la moitié de chansons dignes d’être mentionnées, essaie des clichés sonores insensés qui font dresser tous les poils du corps et sonne à au moins quelques-uns des meilleurs moments du producteur Buckingham, comme le genre de trucs radio jetables qui au moins vous savonnent encore aux bons endroits.
Si c’est assez de consolation.
Un article des archives RS