La Fashion Week de New York était autrefois le centre brillant d’une nouvelle garde de la mode, très éloignée de l’héritage et du prestige de Milan et de Paris ou de la créativité expérimentale de Londres. Ces dernières années, l’événement est cependant quelque peu passé de mode.
Au fil du temps, New York semblait devenir un peu trop commerciale, un peu trop fiable et souvent peu rentable pour les marques dont les collections étaient ostensiblement destinées à se vendre. Bien que ce dernier reste un combat constant car le soutien, financier ou autre, n’est pas facilement disponible, l’automne/hiver 2024 a prouvé qu’il y a plus qu’assez de jeunes talents méritant ce soutien. Tout comme l’ont fait autrefois certaines des plus grandes réussites de la ville.
Anniversaires et originaux new-yorkais
Marc Jacobs, nommé « Étudiant en design de l’année » à la Parsons University de New York en 1984 et qui célébrait actuellement le 40e anniversaire de sa marque, n’était pas officiellement au programme de la Fashion Week de New York. Cependant, son spectacle et sa pertinence continue ont souligné le véritable potentiel de la créativité new-yorkaise. La collection elle-même était motivée par l’idée du quotidien. Des vêtements et des formes apparemment simples et quotidiens rappelant les femmes au foyer des années 60 étaient, comme c’est souvent le cas chez Jacobs, exagérés mais impeccablement coupés. Les modèles marchaient sous une sculpture à grande échelle de 2006 de l’artiste américain Robert Therrien intitulée “No Title (table pliante et chaises, beige)”, qui donnait à la collection un sentiment d’émerveillement enfantin, bien exprimé par le nom de la collection, “Wonder”. C’est peut-être parce que Jacobs, comme la plupart des acteurs de l’industrie, est conscient de la rareté d’une réussite durable comme la sienne, qu’il a célébré cette étape importante avec plus de vigueur – et plus de publicité que jamais auparavant.
Cependant, Jacobs n’était pas le seul designer à New York à avoir de nombreuses raisons de se réjouir. L’ancien nouveau venu Joseph Altuzarra a présenté sa collection du 15e anniversaire à son siège social et a invité uniquement ceux qui l’ont véritablement soutenu tout au long de sa carrière, a déclaré Nicole Phelps, directrice mondiale de Vogue Runways. La présentation et la collection elle-même étaient extrêmement personnelles, non seulement pour le créateur mais aussi pour les clients qui apprécient la marque. Inspirée des vêtements équestres et du style de la princesse Diana, ainsi que des portraits de l’artiste Art déco Tamara de Lempicka, la collection était empreinte d’un sentiment de nostalgie sans sacrifier la modernité ni la femme moderne.
Tory Burch est une marque qui existe depuis cinq ans de plus qu’Altuzarra. La créatrice a ouvert les portes de sa première boutique il y a 20 ans et figure depuis lors dans le calendrier new-yorkais. Cependant, récemment, la marque a connu une sorte de renaissance, du moins selon Lyst Idex, où elle était répertoriée comme une « marque phare » il y a quelques mois. Après avoir été nominée pour le prix Womenswear Designer of the Year par le Council of American Designers (CFDA), la marque et ses mules percées ont réussi leur transformation de commerciale à culte, selon le moteur de recherche britannique. Le défilé anniversaire, qui avait beaucoup à célébrer, rayonnait de bonheur tandis que les mannequins défilaient en toute confiance sur le podium au son de The Cure et Joy Division. Ils ont présenté une gamme colorée de robes brillantes aux côtés de vêtements de bureau discrets intelligemment transformés en sweats à capuche adaptés au travail.
Proenza Schouler et Khaite sont deux prodiges new-yorkais qui n’ont pas eu d’anniversaire cette saison mais qui avaient quand même beaucoup à célébrer. Alors que la première marque, dirigée par les garçons prodiges Jack McCullough et Lazaro Hernandez depuis 2002, était dès le début une favorite parmi les It girls de la ville, la marque Khaite de Catherine Holstein est devenue culte en quelques années seulement. La marque a été fondée en 2016 ; Holstein a depuis été nommé Designer de l’année par le Council of Fashion Designers of America à deux reprises, en 2022 et 2023, et compte des adeptes fidèles. Les deux marques habillent à leur manière la « city cool girl » par excellence, mais alors que Holstein semble s’être penchée sur l’esthétique tendance de « mab Wife » cette saison – manteaux en peau lainée, chaînes en or, couleurs sang de bœuf et beaucoup de cuir -, le duo de créateurs de Proenza Schouler s’est appuyé sur des lignes claires, des coupes nettes et des bases très fines et superposées.
Tommy et Thom reviennent en ville, Ludovic De Saint Sernin fait un arrêt au stand
Intitulé à juste titre « New York Moment », Tommy Hilfiger, absent de la ville depuis septembre 2022, est revenu à New York cette saison, apportant avec lui préparation, nostalgie et une première rangée de stars. Créateur synonyme de mode américaine, Hilfiger a rendu hommage à ce que les notes du défilé décrivaient comme « une vie de souvenirs » de la ville. Le défilé, qui s’est tenu à l’Oyster Bar de Grand Central Terminal, a apporté une touche de fraîcheur américaine classique au défilé et s’est concentré sur le style de marque de Hilfiger. Le créateur a combiné des chemises de rugby avec des jupes plissées, des casquettes de baseball avec des chemises et des cravates, des vestes universitaires, des sweats à capuche, des vêtements en tweed et de nombreuses couleurs rouge, bleu et blanc que la marque décrit comme « l’Americana de Tommy prend vie ».
Le retour de Hilfiger à New York n’est pas le seul retour notable. Bien qu’il soit président du CFDA et donc à l’avant-garde de la mode américaine, Thom Browne a fait l’impasse sur les présentations printemps-été 2024 en septembre après avoir dévoilé sa collection haute couture à Paris. De retour en ville, Browne a conclu la saison automne/hiver 2024 avec une collection inspirée d’Edgar Allan Poe qui combinait magistralement des vêtements avec un attrait commercial et une narration sans fin. Le thème de la collection confère à la collection une touche de mystère sans oublier les vêtements eux-mêmes. D’une superbe coiffe noire ressemblant à un corbeau aux manteaux décorés d’oiseaux noirs, les créations étaient imaginatives et théâtrales mais, à la base, portables.
Ludovic de Saint Sernin est un créateur qui, de manière quelque peu surprenante, a fait ses débuts à la Fashion Week de New York. Le créateur basé à Paris est un incontournable du calendrier de la Fashion Week de Paris depuis le lancement de sa marque en 2017. La raison de son arrivée à New York était, d’une part, la collaboration avec la Fondation Robert Mapplethorpe, fondée par le photographe décédé en 1989, et, d’autre part, le désir d’étancher la soif de ses clients. aux États-Unis, qui représente, selon Women’s Wear Daily, 32 pour cent des ventes totales de la marque. La présentation sur le podium allait de l’innocence juvénile à la maturité sensuelle. Les fleurs de velours coupées à la main de Mapplethorpe ornaient des hauts transparents, des robes et des jupes qui contrastaient avec les motifs glamour en maille métallique de de Saint Sernin avec des cristaux pixellisés. Des manteaux de cuir sensuels aux robes inspirées du bondage, la collection s’est plongée dans des fantasmes sexuels plus sombres tout en conservant son esthétique luxueuse.
La « nouvelle garde » qui redéfinit la mode à New York
De Saint Sernin est loin d’être le seul jeune et passionnant créateur à avoir choisi New York comme scène cette saison. D’autres, comme Willy Chavarria, Collina Strada et Eckhaus Latta, considèrent la métropole dynamique comme leur foyer et se sont depuis longtemps fait un nom parmi les grands noms commerciaux du programme officiel du CFDA.
Semblable à Tommy Hilfiger, Willy Chavarria a redéfini le « Ivy Prep » américain. Mais tandis que la Prep de Hilfiger reste au cœur du monde des privilèges, Chavarria s’en est inspiré et a transformé l’Americana en quelque chose de beaucoup plus inclusif. La collection automne/hiver 2024 du lauréat du CFDA Menswear Designer of the Year s’intitule « Safe From Harm » et raconte une histoire de protection collective des uns et des autres. Le créateur a illustré l’idée en utilisant des tissus de couture et familiers tels que le tweed, les chevrons et les plaids Glen.
Les tissus et les textures ont également joué un rôle important dans la collection automne/hiver d’Eckhaus Latta. Le duo de designers Mike Eckhaus et Zoe Latta ont joué avec des tricots uniques et des tissus non conventionnels, comme c’est typique de la marque, mais cette saison, leur ambiance semble être passée du ludique au sérieux. La collection s’ouvre sur une interprétation de Lana Del Rey “L’espoir est une chose dangereuse pour une fille comme moi – mais je l’ai”, qui donne le ton à une collection un peu plus subtile, mais non moins réussie. , en activité depuis 13 ans, a présenté une collection de lignes épurées et de motifs cubistes qui mettent l’accent sur les pièces portables plutôt que sur un simple attrait séduisant. Des chemises en maille transparente, des robes longues à franges en satin et des « gilets » en forme de corde ont mis en valeur le talent que la marque a forgé. un parcours dans une industrie où l’équilibre entre commerce et créativité semble parfois secondaire.
La créativité règne toujours en maître chez Luar, même si cette saison, une apparition surprise de la chanteuse Beyoncé a presque éclipsé même l’un des créateurs de mode les plus créatifs. Heureusement, le designer de Luar, Raul Lopez, a présenté une collection qui a facilement tenu le coup tout en annonçant le retour du « métrosexuel ». Le dictionnaire Oxford définit le terme comme « un homme généralement hétérosexuel et très intéressé par la mode, la coiffure et son apparence d’une manière qui est généralement considérée comme une femme ». Le terme et le phénomène qui le sous-tend trouvent leurs racines dans les années 90, du moins jusqu’à la collection automne/hiver 2024 de Luar. Les épaules surdimensionnées emblématiques de la marque ornaient des pièces ajustées, des vêtements d’extérieur et des robes, complétées par des éléments de design non conventionnels qui résumaient l’interaction de la masculinité et de la féminité de la collection.
