Donatello : La Renaissance — un spectacle palpitant unique dans une vie

C’était comme d’habitude – guerre, rétablissement de la peste, factions internes – dans la république florentine lorsque Donatello, 22 ans, a sculpté « David Victorious », une jeune figure agile et résolue debout à califourchon sur la tête décapitée du géant Goliath, pour le Duomo à moitié construit en 1408.

La statue devait se tenir au sommet d’un contrefort, encadrée contre le ciel, comme si elle protégeait la ville, mais elle s’est avérée trop petite et est plutôt descendue au niveau du sol pour vivre dans l’hôtel de ville, pour être vue de près – c’est ainsi que nous rencontrez « David » maintenant, déplacé pour garder l’entrée du Palazzo Strozzi pour l’exposition historique et insurpassable Donatello : La Renaissance. C’est une pièce énigmatique qui vous attire immédiatement : archaïque mais délicate, le marbre blanc est si fin par endroits qu’il devient translucide ; Gothique dans sa conception mais jaillissant d’un sens de nouveaux départs, le torse se tordant dans la suggestion d’une pose contrapposto – un dynamisme dérivé de l’idéal classique.

Des décennies plus tard, revenant sur le sujet, Donatello a refondu le guerrier de l’Ancien Testament en un dieu grec au sourire rêveur, nu avec une casquette désinvolte et des sandales à hauteur du genou, avec un éclat brillant. Nous rencontrons ce personnage flamboyant dans le deuxième lieu de l’exposition, la vaste salle du Museo Nazionale del Bargello du XIIIe siècle. De nouveau triomphant à califourchon sur la tête de sa victime, il est ici d’une sensualité outrageante : la barbe du tyran mort caresse les orteils du jeune homme, la longue aile du casque de Goliath s’enroule comme une plume à l’intérieur de la cuisse de David. D’une main, David caresse la garde de l’épée de son adversaire ; l’autre, empoignant le rocher fatal, s’appuie nonchalamment sur sa hanche. La silhouette élancée et sinueuse est presque androgyne, la posture à la fois languissante et fougueuse.

Ce « David » (années 1440), le premier nu masculin indépendant depuis l’Antiquité, était un symbole de liberté personnelle et politique. Il est donc approprié que, exprimant les valeurs civiques florentines et l’individualisme contre la brutalité et l’oppression, les deux David encadrent cette plus grande exposition jamais consacrée au père de l’art de la Renaissance. Des années dans la planification, Donatello allait toujours être magnifique, vital, émouvant ; lancé cette semaine, le spectacle résonne particulièrement au milieu de la crise d’agression militaire en Europe.

Dans Civilisation, Kenneth Clark a déclaré que « la découverte de l’individu a été faite au début du XVe siècle à Florence ». En parcourant les rues entre les sites, en passant devant la maison de Dante, à l’ombre du dôme achevé en 1436 par l’ami de Donatello, Brunelleschi, avec le palais Médicis construit par le mécène masculin Cosme sur la route, il est facile d’imaginer Donatello à la fois absorbant et formant le des idées humanistes qui façonneraient un monde en mutation. Au Bargello, le plus ancien palais public de la république, « St George » se tient fermement, les jambes écartées, beau, avec des traits réguliers, le front tricoté et le regard grave, vibrant d’énergie comprimée – un emblème de la jeunesse laïque et pleine d’espoir, saisissant l’instant. « Il y a une merveilleuse suggestion de vie jaillissant de la pierre », a écrit Vasari. Pour Clark, George sculpté en 1415-17 était un « soldat de 1914 ». . . l’idéal de l’humanité ».

George et les David ne quittent jamais la maison; La richesse du spectacle réside dans le fait que les pièces permanentes de Florence se joignent, dans la présentation superbement chorégraphiée des Strozzi, à des emprunts d’une ampleur et d’une qualité sans précédent. Ils sont menés par le magnifique relief en marbre du Musée Bode de Berlin, la « Madone Pazzi » (c1422), parmi les interprétations les plus touchantes d’un motif religieux infléchi avec l’antique : la mère, un profil classique parfait, appuie sa tête contre celle de son enfant dans émotion féroce – protectrice, ravie, avec un pressentiment mélancolique.

Les gains des prêts somptueux sont triplés. Tout d’abord, la trace complète de l’évolution de Donatello – d’une « Crucifixion » gothique en bois (1408) si dure que Brunelleschi dit à Donatello « il avait mis un paysan sur la croix », aux figures de bronze complexes, entrelacées, ajourées, échevelées, affaissées, les bras tendus, dans la « Lamentation » (c1458-60), le pathos accentué par une manipulation impressionniste et des surfaces rugueuses et figées.

Tout à fait captivants, à grande ou petite échelle, sont les détails, la finesse, l’atmosphère. Le « miracle du mulet » en bronze doré complexe de Padoue enveloppe des figures fiévreuses dans une ornementation de voûtes à caissons et de grilles, mystérieuses et claustrophobes. Un « Horse Protome » de deux mètres, chaque touffe de poils, pli de peau, réseau de veines prononcé, ressemble tellement aux monuments équestres classiques que le XVIIIe siècle le considérait comme une œuvre de l’antiquité – il visite du Musée Archéologique National de Naples.

Une paire d’angelots, les bougeoirs « Spiritelli », vifs et moqueurs, semblent venir de se poser sur leurs chandeliers — initialement commandés pour éclairer l’orgue de la cathédrale, ils reviennent à Florence du musée Jacquemart-André à Paris. Des fonts baptismaux siennois scintillants, « Le Festin d’Hérode », sont taillés dans une seule feuille de bronze pour suggérer, par le déploiement d’arcades et de loggias, un drame à plusieurs niveaux : bourreau à l’arrière, serviteurs au centre, un premier plan où un soldat audacieusement offre la tête sur un plateau alors qu’Hérode recule, les enfants s’enfuient, Salomé, fronçant les sourcils, s’arrête au milieu de la danse et les convives horrifiés se recroquevillent. Donatello est ici à la fois narrateur, imprégnant chaque personnage de caractère et de personnalité, et prophète de la perspective.

Le deuxième gain est l’exploration des expériences de Donatello dans différents médias, vifs et physiques. Dans la terre cuite polychrome moins connue « Vierge à l’Enfant », les demi-figures – l’enfant accroché au cou de Marie, nous tournant le dos ou essayant sans cesse de s’éloigner – sont d’une réalité fascinante.

Et troisièmement, à travers des œuvres de contemporains et de descendants, l’influence extrêmement large de Donatello brille.

Équilibrant monumentalité et intimité, beauté formelle et expression spirituelle, Donatello a préparé le terrain pour les deux siècles suivants de l’art occidental. Ce n’était pas seulement le naturalisme et le mouvement de ses personnages; l’illusionnisme spatial de son Stiacciato les bas-reliefs, leurs subtils changements de plan et leurs lignes de ciseau convergeant vers un seul point de fuite, ont introduit les idées architecturales de Brunelleschi dans la sculpture et ont à leur tour révolutionné la peinture.

Vous voyez l’effet dans la statue de Mantegna « Vierge à l’Enfant » (c1490-95) et la texture sculpturale des ondulations safran et robes roses dans « St Paul » de Masaccio (1426). D’un monastère inaccessible de Pratovecchio vient l' »Assomption » excentriquement merveilleuse et anonyme : Marie, voilée dans un manteau poudré et tourbillonnant bleu doré – « peut-être la plus belle draperie du siècle », selon Roberto Longhi – monte sur un trône de nuages ​​mauves passant à l’or.

Les décors architecturaux de Filippo Lippi – des anges jouant autour de sa « Madone » sur les marches des édifices romains – et la clarté de la perspective de Fra Angelico, comme dans le motif des murs et des jardins dans « Nommer Saint Jean-Baptiste », dérivent de Donatello. Et le cristallin « Christ mort soigné par des anges » de Bellini reprend le traitement du sujet de Donatello, ici en bronze et en marbre.

Ce dernier, le relief doucement dégradé du V&A, avec des anges pleurant dans le vide de la tombe, est un point culminant poétique, affirmant Donatello, même dans des thèmes tragiques, comme fondamentalement consolant et tendre. C’est un contraste avec Michel-Ange, son grand successeur; ils sont depuis longtemps apparus ensemble à l’Opera del Duomo de Florence, mais une exposition Michelangelo récemment inaugurée anime les juxtapositions.

Heureusement, les itérations réduites de Donatello : La Renaissance sont prévus pour le V&A et Berlin mais, si vous le pouvez, assistez à la présentation unique de Florence – expansive, inclusive, définitive et passionnante à chaque instant.

Au 31 juillet, palazzostrozzi.org

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