Dans cette exposition, diva n’est pas un gros mot, mais un compliment

Personne ne veut se voir lancer le mot « diva ». Cela évoque des associations avec Mariah Carey, qui aurait embauché une assistante dont le seul travail consistait à se débarrasser de son vieux chewing-gum. Avec Naomi Campbell qui lance un téléphone à la tête de sa femme de ménage. Et Madonna, qui lors d’une tournée mondiale s’attendait à ce que chaque toilette soit équipée d’un tout nouveau siège de toilette installé spécialement pour elle. Une diva est exigeante, délicate et gâtée jusqu’aux os.

Avant, c’était différent, vous l’apprendrez dans l’exposition DIVA, qui est exposée au Victoria and Albert Museum (V&A) de Londres jusqu’en avril de l’année prochaine. En 1832, le critique français Théophile Gautier fut le premier à utiliser le mot diva – dérivé du mot latin signifiant déesse – pour décrire des chanteurs d’opéra dotés de ce qu’il qualifiait de « talent divin ». Il n’y avait pas de plus grand compliment imaginable.

Au rez-de-chaussée – l’exposition est divisée en deux étages – vous découvrez les premières générations de divas à travers des affiches de films, des images vidéo et surtout de nombreux vêtements. Les sopranos comme Jenny Lind (1820-1887) et Adelina Patti (1843-1919) étaient idolâtrées par leurs fans. Ce succès leur a apporté l’indépendance et l’indépendance financière à une époque où la plupart des femmes ne parvenaient pas du tout à trouver un emploi. Pourtant, elles avaient un statut considérablement inférieur à celui de leurs collègues masculins.

À la fin du XIXe siècle, alors que la première vague féministe commençait à peine, de plus en plus de femmes artistes de scène se mobilisent pour l’égalité de traitement. Pour gagner en influence, ils ont également commencé à occuper des postes en coulisses. Quelqu’un comme l’actrice de théâtre Vesta Tilley (1864-1952) a utilisé sa renommée pour repousser les limites du comportement d’une femme. En tant qu’une des premières actrices, elle a également joué des rôles masculins – à une époque où porter uniquement des pantalons était déjà considéré comme choquant. Avec succès, à la fin du XIXe siècle, elle était la femme la mieux rémunérée d’Angleterre.

L’avènement du cinéma muet (1895) rend les actrices encore plus célèbres. Mais comme les hommes tiraient encore les ficelles les plus importantes dans les coulisses, les femmes étaient souvent représentées de manière unidimensionnelle. Soit en femme fatale (des actrices comme Lyda Borelli et Theda Bara sont devenues mondialement célèbres grâce à cela), soit en innocente et jeune fille (Clara Bow, Mary Pickford). Ce dernier pourrait souventLa chérie de l’Amérique‘, elle a créé sa propre société de cinéma, ce qui lui a permis de travailler sans l’interférence des grands studios de cinéma hollywoodiens gérés par des hommes. Parce qu’ils ont gagné de plus en plus de pouvoir à cette époque, notamment lorsque le cinéma muet a cédé la place au « parlant » dans les années trente. Ils ont déterminé quels rôles les actrices pouvaient jouer, comment elles devaient s’habiller et ont divulgué des ragots sur leur vie privée pour vendre davantage de billets de cinéma.

Dans le même temps, selon les panneaux d’information, les actrices recevaient «niveaux de supernova de puissance stellaire». Ils commencèrent à lutter pour l’autonomie plus farouchement que jamais. Bette Davis a poursuivi le studio de cinéma Warner Bros, qui a déterminé pour elle quels rôles elle pouvait et ne pouvait pas jouer. Une citation d’elle peut être lue sur un mur : «Quand un homme donne son avis, c’est un homme. Quand une femme donne son avis, c’est une salope.» Quand Elizabeth Taylor exigeait un million de dollars pour son rôle principal en 1963 Cléopâtrecela a été considéré comme scandaleux. Même un homme n’avait jamais osé demander une telle somme (elle l’avait d’ailleurs reçu). Au lieu d’être ambitieuses et talentueuses, ces femmes étaient désormais considérées comme difficiles et exigeantes.

C’est ici que se termine la première partie de l’exposition. Un escalier vous mène à la seconde moitié, qui débute dans les années soixante. Là où ci-dessous vous êtes guidé à travers une histoire historique claire et chronologique, ici vous êtes submergé par une multitude de divas (f/h) de toutes sortes de catégories et d’époques. Liza Minelli, Billie Eilish, Cher, PJ Harvey, Lil Nas X, Beyoncé, Blondie, Sade, Freddie Mercury, Missy Elliott, Edith Piaf, P!nk, Mariah Carey – le musée semble terrifié à l’idée d’oublier quelqu’un. Certaines divas sont si brèves avec une photo et une courte légende que cela n’ajoute pas grand-chose. Et en tant que visiteur, vous vous demandez : qu’est-ce qu’une diva ?

Un panneau d’information répond : « Des artistes révolutionnaires qui conduisent le changement social, qui utilisent leur célébrité pour tout remettre en question, du racisme institutionnel aux normes enracinées de l’industrie. » Une définition rose, presque héroïque. Les côtés négatifs – des stars qui ne demandent que des M&Ms d’une certaine couleur (c’était d’ailleurs Eddie Van Halen) – n’apparaissent pas dans l’exposition. Madonna n’est louée au musée que pour son apparence, ses performances et ses paroles révolutionnaires.

L’attention est portée aux femmes noires telles que Nina Simone, Aretha Franklin et Miriam Makeba, qui ont été qualifiées d’extrémistes et qui ont mis leur carrière en danger en s’exprimant avec force contre le racisme. Des femmes (Annie Lennox, Grace Jones), mais aussi des hommes (Prince, Lil Nas X) qui bousculent les normes traditionnelles de genre avec leur apparence. Spectaculaire est le costume orné de plumes d’inspiration Louis XIV qu’Elton John portait pour son cinquantième anniversaire. Si gros que John a dû être emmené à sa fête dans une camionnette de déménagement.

Et il y a un coin dédié aux femmes qui ont succombé à la pression du statut de diva : Britney Spears, Whitney Houston, Amy Winehouse. Le rez-de-chaussée présente l’histoire tragique de Marilyn Monroe. Pourtant, ce n’est pas un spectacle lourd. La conservatrice Kate Bailey veut célébrer la diva, peut-on lire à plusieurs reprises. Il s’agit donc principalement d’un défilé festif de tenues du tapis rouge. Il est clair que le V&A possède la plus grande collection de mode au monde. Les vêtements les plus mythiques sont présents. Une cape brodée à la main que porte Elizabeth Taylor Cléopâtre portait, la robe flamme que Bob Mackie a conçue pour Tina Turner en 1977, le corset en plastique d’Issey Miyake dans lequel Grace Jones s’est produite en 1981, la tenue de maternité en cuir d’Alaïa que Rihanna portait aux Oscars plus tôt cette année. Ils se trouvent tous sous un gigantesque plafond en forme de dôme, sur lequel sont projetées une galaxie d’images animées de divas telles que Marilyn Monroe, RuPaul, Janis Joplin et Adele.

Des designers néerlandais y participent également. Le « pantalon vulve » de Duran Lantink que Janelle Monáe portait dans son clip vidéo est grandiose Pink (2018) – une ode aux organes génitaux féminins. Vous pouvez même voir deux tenues signées Viktor&Rolf.

Vous en serez satisfait dans l’ensemble. Autant de femmes (et quelques hommes) qui se sont défendues et ont défendu les autres et ont ainsi changé le statu quo, habillées de façon carrément spectaculaire. Si une conclusion peut être tirée, c’est que ceux qui ne veulent pas être exploités ou submergés doivent adopter un « comportement de diva ». Ou comme Maria Callas, peut-être la diva d’opéra la plus célèbre de tous les temps, l’a dit : «Je serai toujours aussi difficile que nécessaire pour obtenir le meilleur.»