La première de nos revues de la carrière des Rolling Stones ne pouvait que commencer avec leur premier véritable grand travail, « Aftermath ». Il représente le point culminant d’une année -1965- au cours de laquelle le groupe a connu les avancées et changements les plus importants de sa carrière. Une métamorphose qui s’amorce en 1964, lorsque leur manager Andrew Loog Oldham oblige Jagger et Richards à composer ensemble pour ne pas se laisser distancer par la nouvelle ère inaugurée par les Beatles : il leur faut s’éloigner stylistiquement du purisme rythmique et blues de leurs débuts pour se diriger vers des chansons plus beat et pop, et – surtout – composées par eux-mêmes.
Les résultats commenceront à se manifester au début des années 65. “The Last Time” (et sa superbe face B “Play With Fire”) surprit et ravit les fans et les critiques en février, “(I Can’t Get No) Satisfaction ‘ a explosé en juin avec une vague expansive qui dure encore, et l’excellent ‘Get Off My Cloud’ confirmerait en septembre que Jagger et Richards avaient définitivement plus de talent pour la composition que Loog Oldham lui-même ne l’avait imaginé lorsqu’il les avait enfermés il y a quelques mois dans un chambre d’hôtel et interdiction de sortir avant d’avoir terminé leur première chanson.
Mais ce nouveau rôle de composition provoquerait un inévitable mouvement tectonique dans le groupe, qui déplacerait Brian Jones vers un rôle de moins en moins pertinent et plus plein de ressentiment. Il faut expliquer – même si cela peut être difficile à comprendre aujourd’hui – que dans les premières années du groupe Jones était le leader du groupe : sur le plan musical, il était celui qui avait le plus de poids dans le choix et l’arrangement d’un répertoire qui faisait principalement des reprises, en plus d’être le membre le plus populaire parmi les fans : ses cheveux blonds éblouissants, son charisme et sa présence sur scène ont attiré encore plus d’attention que Mick Jagger.
“Aftermath” a commencé à enregistrer en décembre 1965 et est le premier album dans lequel toutes les chansons ont été composées par Richards et Jagger, scellant ainsi définitivement ce changement dans la structure de pouvoir du groupe, et qui conduirait à sa lente inutilité (et par conséquent déclin) de Jones. Mais heureusement, à ce moment-là, il avait encore de l’énergie et de la motivation pour trouver sa niche créative et apporter des éléments essentiels au nouveau répertoire, un doux moment d’équilibre artistique entre les trois qui ne durera pas très longtemps, mais que ‘Aftermath’ cristallisa d’une grande beauté. .
Les Stones seraient aidés par d’autres circonstances. Par exemple, pour la première fois, les sessions d’enregistrement ne se feraient pas contre la montre, leur offrant ainsi un espace créatif qui leur permettrait d’expérimenter en studio, ce dans lequel Jones était particulièrement doué. Tout au long de ‘Aftermath’ ses contributions aux arrangements instrumentaux enrichissent les compositions de Jagger et Richards dans une admirable synergie. Tout cela les adaptait également à l’environnement musical du moment, dans lequel soufflaient de nouveaux airs exploratoires : “Rubber Soul” des Beatles venait de sortir, et on commençait à y voir des éléments d’expérimentation avec des instruments inhabituels, comme l’harmonium ou le sitar. Il est donc parfaitement logique que la même année où les Beatles enregistraient « Norwegian Wood » et les Kinks « See My Friend » (tous deux incorporant du sitar), les Stones enregistraient « Paint it Black » pendant les sessions « Aftermath ». George Harrison lui-même avait initié Brian à l’utilisation de cet instrument il y a des mois.
Sur le plan stylistique donc, dans ‘Aftermath’ le passé du groupe, le plus adepte du rythme et du blues et du rock and roll, coexiste, mais en même temps ce côté nouveau, plus curieux, à la recherche de nouveaux sons, mais avec un œil sur la création de chansons avec des accroches qui se classeraient dans les charts. Dans le même temps, les paroles de Jagger commencent à aborder de nouveaux sujets, comme la littérature ou la satire sociale.
“Mother’s Little Helper” ouvre l’album comme une excellente combinaison de tous ces éléments : un portrait moqueur de femmes au foyer de la classe moyenne accros au Valium, enveloppé dans une chanson très Kinks, à laquelle Jones apporte un arrangement de guitare slide aux tonalités hindoues qui lui donnent un caractère unique, et cela exprime de manière abstraite l’agitation paranoïaque de ce type de connexions. En revanche, « Lady Jane » (une prière pour un amour non partagé écrite à la manière d’un poème ancien) est une belle composition acoustique minimale, dont la mélodie très inspirée donne à l’arrangement un air de musique baroque, pour lequel il utilisez quelque chose qui n’a rien de baroque : le dulcimer, un instrument à cordes typique du folk des Appalaches. Encore une fois, une combinaison inattendue d’éléments avec un résultat étonnamment beau.
Dans le même temps, ‘Aftermath’ contient les premiers exemples d’une longue saga de chansons des Stones aux thèmes misogynes. Quiconque se demande pourquoi les jeunes générations écoutent peu ces disques peut peut-être comprendre (au-delà d’autres raisons) que des vers comme «Regarde cette stupide fille / la façon dont elle se poudre le nez, sa vanité devient de plus en plus visible.» / elle est la pire chose au monde / regarde cette stupide fille » (« Stupid Girl ») ne trouverait pas de place particulièrement confortable dans la scène musicale actuelle.
C’est la même chose pour ‘Sous mon pouce‘. C’est l’une des grandes chansons de « Aftermath », musicalement brillante. Une structure et un arrangement résolument soul qui fusionnent avec le son classique des Stones grâce aux guitares incomparables de Keith Richards, et dont l’excellente mélodie est couronnée par un superbe riff de marimba, un motif que Brian a décidé d’incorporer animé par Jack Nietzsche, une autre figure cruciale de le résultat final de « Aftermath ».
Admiré par les Rolling Stones pour être l’arrangeur fondamental des enregistrements de Phil Spector, Nietzsche apparaît au générique simplement comme musicien de session, mais il a pratiquement servi de directeur musical de l’album et a grandement encouragé Brian à essayer différents instruments et sons. Le marimba en question était abandonné dans un coin du studio jusqu’à ce qu’ils décident de l’utiliser, avec des résultats si brillants. Un motif musical qui ajoute tellement de caractère à la chanson que Nietzsche lui-même et le bassiste Bill Wyman ont toujours soutenu que Jones aurait dû recevoir des crédits de composition (un autre exemple de la guerre pour la domination du groupe).
Il est donc dommage que les mérites musicaux de “Under My Thumb” soient assombris par des paroles célébrant le contrôle toxique exercé sur une femme : “Sous mon joug / la fille qui me dominait, celle qui me contrôlait, est maintenant sous mon joug / C’est grâce à moi que le changement est arrivé / la différence dans les vêtements qu’il porte, la façon dont il fait ce qu’on lui dit / c’est grâce à moi. Jagger a déclaré dans des interviews ultérieures qu’à cette époque ils avaient des relations malsaines, et que “Under my Thumb” en est le reflet, une chanson qui était “un peu caricaturale, en réponse à une femme qui contrôlait beaucoup”.
Comme nous l’avons mentionné précédemment, dans ‘Aftermath’ le groupe n’a pas oublié ses racines: dans la section centrale de l’album, composée de ‘Doncha Bother Me’, ‘Going Home’ et ‘Flight 505’, les Stones réapparaissent, le plus semblable aux initiales de leurs albums, avec des guitares très rythm and blues et rock and roll classiques, des slides de Brian et des harmonicas de Mick, montrant que son épine dorsale musicale était encore intacte et en excellent état… Cependant, le traitement très poussé de ‘ Going Home’ comporte quand même du avancé, une jam session étendue à 11 minutes qui aurait été impensable en 1962.
La face B continue avec « High and Dry » (une incursion dans le son country qui met en valeur la polyvalence stylistique de la voix de Jagger) et « Out of Time », une autre des pièces maîtresses de cet album. C’est l’autre grand morceau marimba de ‘Aftermath’, et un joyau pop absolu : c’est un vrai plaisir d’entendre Jagger chanter ce délicieux « tu es obsolète mon bébé », en mode « garce » mais sans toxicité. “Tu m’as quitté… et maintenant tu es déconnecté, au mauvais moment, chérie.” Quelques mois plus tard, la chanson connaîtra un grand succès dans la version de Chris Farlowe, ce qui la laissera quelque peu détachée de l’héritage des Stones pendant des décennies. Mais sa récente inclusion dans le film “Once Upon a Time in Hollywood” (dans lequel il joue dans son intégralité pendant une séquence entière) l’a redonné de l’actualité, au point que le groupe l’a joué en live pour la première fois depuis histoire (après 56 ans !) l’année dernière à Madrid.
Après l’infaillible rock and roll à la Chuck Berry de ‘It’s Not Easy’, avec sa basse fuzz et un Jagger plus empathique (“C’est un échec chez un homme / prendre sa copine pour acquise”), vient ‘I Am Waiting’, une merveille folk-rock totalement hypnotique. Le dulcimer de Brian Jones revient, et les paroles de Jagger explorent d’autres territoires, moins rocailleux (un énigmatique “J’attends toujours que quelqu’un vienne de quelque part”). Il existe de nombreuses raisons pour soutenir l’argument selon lequel, hypothétiquement, les Rolling Stones vraiment les plus intéressants sont ceux acoustiques, et pas tant ceux du rock and roll, et il ne serait pas difficile de le défendre. Les pierres de « Wild Horses », « Play with Fire », « Moonlight Mile », « Lady Jane », « Sweet Virginia », « Torn and Frayed » et un très long etc. Mais disons simplement que ces deux facettes font du groupe quelque chose d’infiniment plus intéressant que simplement « le meilleur groupe de rock and roll du monde ».
La fin de l’album prend une tournure curieusement démodée : ‘Take it or Leave’ sonne comme un beat song de 1964, très Beatles, mais très « girl group » aussi, avec la voix doublée de Mick, façon Shirelles. Peut-être que la présence de Jack Nietzsche les a encouragés ou inspirés à le faire. ‘Think’, malgré sa guitare fuzz et son côté folk-rock, sonne également légèrement plat et typique par rapport aux réalisations du reste de l’album. Heureusement, la clôture avec ‘What to Do’ et ses airs r’n’b et doo-wop relève encore le niveau avec un texte plus significatif, qui rejoignait l’ennui adolescent d’une grande partie de son « fandom » : « What do ? Quand la télévision s’arrête… peut-être que vous regardez simplement l’écran et qu’il disparaît / Il y a un endroit pour quand vous vous ennuyez / C’est pour cela que vous gagnez de l’argent / Boire et danser jusqu’à 4 heures du matin / Parler aux gens avec qui vous je ne sais pas du tout. Une fin digne pour un album dans lequel peut-être (avec 14 titres au total, ce qui est très rare à l’époque) l’absence de ce trio de chansons n’aurait pas manqué.
Avant de terminer, il semble juste de parler de ‘Peint le en noir‘, en tenant compte du fait qu’il a été inclus dans l’édition américaine de ‘Aftermath’ (mais pas dans l’édition britannique ou espagnole), et en ouvrant également l’album. D’autant plus si l’on considère un fait fascinant : il s’avère qu’il s’agit – de loin – de la chanson des Rolling Stones la plus écoutée sur Spotify (près d’un milliard contre 500 millions pour ‘Start Me Up’). Un cas curieux similaire à celui de ‘Here Comes the Sun’ des Beatles, et qui montre à quel point les goûts du nouvel auditeur moyen ne favorisent pas toujours les classiques les plus canoniques des groupes légendaires.
‘Paint it, Black’ est probablement la chanson de toutes ces sessions sur laquelle la main de Brian Jones a eu le plus d’impact. Ce qui a commencé comme une chanson au tempo lent avec une sensation plus émouvante a été transformé en plaisantant par Bill Wyman assis devant un orgue, la jouant dans le style d’un « klezmer » juif. À ce moment-là, la chanson a cliqué avec l’ajout d’une ligne de sitar conçue par Jones dans une gamme mineure aux consonances très orientales, et le reste appartient à l’histoire. De même, les paroles sont évocatrices et fascinantes, avec ces vers qui semblent exprimer les sentiments dépressifs de quelqu’un qui a peut-être perdu un être cher (« Je vois une porte rouge et je veux qu’elle soit peinte en noir / Plus d’odeurs / Je dois détourne le regard Jusqu’à ce que mes ténèbres disparaissent / Je vois une rangée de voitures, toutes peintes en noir / avec des fleurs et mon amour, tous deux disparus à jamais.
L’héritage de cette chanson est la preuve que le saut quantique fait par les Stones en 1965/66 avec « Aftermath » les sauverait non seulement de l’obsolescence redoutée par Loog Oldham, mais les propulserait dans une séquence d’albums ultérieurs qui resteraient en mémoire. dans l’histoire.