Quand professeur d’ikebana Aya Sugino crée un arrangement, elle laisse les fleurs parler et la guider. « Je suis leur motion. Lorsqu’ils me dirigent vers l’emplacement souhaité, je sais que l’arrangement est là où il doit être car il semble légitimement guidé », a-t-elle déclaré à NYLON. « Tous les matériaux ont un caractère. »
À l’instar de Seguino, la styliste botanique Hayley O’Byrne reconnaît les caractéristiques humanistes de ses matériaux. «Je personnifie les fleurs. Je vois une fleur et je ressens son énergie émotionnelle », partage-t-elle. «Cela peut être heureux ou triste, ce qui détermine la direction ou le flux du corps», partage-t-elle.
L’Ikebana est une expérience personnelle précieuse, alimentée par l’héroïsme émotionnel. L’art japonais historique de la composition florale, qui se traduit en gros par « donner vie aux fleurs », utilise des fleurs, de la verdure et d’autres plantes pour transmettre une réponse ou un sentiment chez l’observateur. Cette forme d’art très respectée est une couche de l’art japonais du raffinement, aux côtés de la préparation du thé (chadō) et de la conservation des parfums (kōdō).
L’ikebana harmonise la nature avec le contact humain et met en valeur la beauté de moments simples, comme la courbe exagérée d’une branche, l’irrégularité d’une feuille, la teinte inégale d’un pétale et la dominance déséquilibrée d’une fleur. Cela nous rappelle qu’il n’y a pas deux fleurs identiques, libérant ainsi un contrôle de perfection. Jouant sur l’expérimentation et l’impermanence, les matériaux des compositions peuvent varier en fonction de la saison mais révèlent de manière vulnérable le fonctionnement interne de l’esprit du fleuriste.
En utilisant des vases ou des kenzans traditionnels pour fixer les fleurs à l’angle souhaité, le produit final est toujours plus qu’un simple bouquet. Contrairement aux motifs floraux occidentaux maximalistes, l’Ikebana se concentre sur une composition qui efface la rigidité ou les formules, en utilisant souvent un minimum de matériaux. Il valorise la forme, la taille et la dimension tout en favorisant l’intentionnalité, en embrassant l’asymétrie, en louant les imperfections et en encourageant la multidimensionnalité.
Aujourd’hui, les techniques traditionnelles de l’Ikebana ont grandement influencé les fleuristes modernes, comme Sugino et O’Byrne, qui ont permis aux rituels et aux pratiques de s’épanouir dans les studios floraux du monde entier pour une touche contemporaine aux principes anciens.
En tant qu’enseignant certifié de l’école Sogetsu Ikebana de Tokyo, Sugino encourage le mantra « moins c’est plus » pour mettre en lumière le dynamisme spatial ; sa branche de l’ikebana met l’accent sur l’arrangement libre des fleurs au-delà des formes établies, et ses étudiants qui participent à des ateliers depuis sa maison aérée de Toronto décrivent avec enthousiasme cette pratique comme méditative, pensive et sans restriction.
« Lors de la création d’un arrangement, la soustraction est la clé. Si vous ne savez pas si vous avez besoin d’une tige, il est préférable de la retirer », explique Sugino. « L’incertitude recèle un message caché, et il est préférable de l’utiliser comme principe directeur. » Sugino affirme qu’il n’y a pas de bonne ou de mauvaise façon de construire un arrangement ; c’est à l’ikebaniste de créer simplement ce à quoi il se sent appelé.
« L’incertitude recèle un message caché, et il est préférable de l’utiliser comme principe directeur. »
« Comme un tableau, les arrangements sont intrinsèquement beaux, mais ce n’est pas seulement une question de beauté. Il y a une composition, des textures variées, des lignes, des espacements et des couleurs qui s’assemblent pour créer la pièce finale et représenter une signification spécifique », explique Sugino.
Avec une formation en gravure et en mode, le fleuriste autodidacte O’Byrne de Carmel Floral fait appel à l’ikebana comme influence. O’Byrne est souvent attiré par l’herbe, un ingrédient humble et productif ; elle est captivée par la présence linéaire que la matière ajoute à un arrangement. « Cela vous permet d’étendre énergiquement la masse de l’arrangement vers le haut, le bas ou sur les côtés, et lorsqu’il est utilisé avec parcimonie, je trouve qu’il transporte ces lignes d’énergie et ajoute un élément émotionnel à une pièce. »
Sans manipulation, O’Byrne vise à représenter les matériaux tels qu’ils sont dans la nature : les sentiments, les gestes et les formes existent naturellement dans le monde, et son travail consiste à les révéler d’une manière plus adaptée. Prenez l’herbe, par exemple ; S’il y a un léger vent, le matériau plongera et se pliera comme il le ferait dans un champ, apportant une expérience visuelle impressionnable, partage O’Byrne. « Des centaines de tiges minuscules et fines négocient tranquillement pour gagner de l’espace alors qu’elles reposent ensemble dans un vase. »
Cela s’applique également aux limitations naturelles des vaisseaux vivants, comme les fleurs, qui peuvent entraver le développement d’une pièce. « En raison de la manière dont les fleurs sont fabriquées, modifiées et expédiées commercialement, cela peut limiter l’évolution de leur croissance », explique O’Byrne. « Mais lorsqu’elles proviennent de producteurs locaux, les fleurs peuvent naturellement atteindre leur pleine maturité et transporter une énergie différente avec des attributs physiques captivants comme des tiges courbées et des têtes plus lourdes qui créent des formes et des lignes dimensionnelles qui deviennent utiles lors de la conception »,
Modernisant la pratique, Nathalie Baylis, Caroline Baylis et Casey Marques Pereira forment le trio aux multiples facettes derrière Mitsu, un centre floral ikebana créant des arrangements non conventionnels suscitant une vague de rêverie ludique. Chaque esprit derrière Mitsu propose un style distinctif qui reflète sa personnalité individuelle. « Tous nos arrangements sont différents, mais un fil conducteur les relie tous. Je peux toujours dire lequel d’entre nous l’a créé », dit Caroline.
Leur souci du détail fusionné avec une esthétique minimaliste distinguée accueille les anomalies et les imperfections de la nature. « De nos jours, les fleuristes traditionnels changent ou échangent les matériaux pour s’adapter à leur arrangement. Nous aimons utiliser la forme naturelle du matériau et suivre son flux au lieu de forcer la direction », partage Marques Pereira. S’en tenir à deux ou trois matériaux par pièce, embrasser une longue tige tordue et les courbures d’un pétale échancré sont les points focaux du travail de Mitsu.
« Nous sommes toutes les trois obsédées par les imperfections », explique Nathalie. « Chaque fois que nous voyons une fleur qui a une forme étrange ou qui a un aspect étrange, nous l’adorons tous. Nous pensons que ces imperfections ajoutent du caractère à la pièce, et plutôt que d’essayer de manipuler les matériaux pour qu’ils soient parfaits, nous avons appris à travailler avec les imperfections et à mettre en valeur leur beauté.
Fleuriste basé à New York Rabab Shaddoud est venu à l’art floral uniquement à partir d’une formation en sciences médicales. Tout au long de ses études, elle s’est tournée vers la céramique et la composition florale comme vecteur de créativité. À ses débuts, elle était curieuse de l’ikebana et achetait du matériel comme des kenzans et des cisailles pour explorer la technique. Bien qu’elle ne pratique pas activement l’ikebana aujourd’hui, elle aime faire entrer l’extérieur et créer des arrangements alimentés par la pleine conscience.
« J’ai appris à apprécier le processus et à respecter chaque élément individuel entrant dans la composition finale », explique Shaddoud. «J’aime considérer mon travail comme sculptural, capturant le mouvement et évoquant des humeurs ou des sentiments spécifiques, ce qui est fortement inspiré par mon admiration pour l’ikebana.»
Étant donné que les matériaux comme les fleurs sont saisonniers et dépendent de facteurs indépendants de la volonté de chacun, Shaddoud aime expérimenter des textures et des couleurs rebondissantes inattendues provenant d’anthuriums et d’orchidées sabots pour susciter une réaction : « Ce n’est pas parce que des couleurs plus foncées sont utilisées dans un arrangement que cela peut cela n’évoque pas d’émotions positives. Les fleurs aux couleurs vives peuvent être synonymes d’été, mais les formations de couleurs polarisantes peuvent transmettre une réponse émotionnelle similaire.
Sohyun Lee (@lalune__flower), un designer floral basé en Corée du Sud, adopte une approche plus abstraite et façonne les fleurs pour qu’elles soient intentionnellement divergentes. Avec des arrangements explosifs et parfois suspendus au plafond ou au mur, Lee remet en question tout ce que nous savons sur l’aérodynamique florale. Lee accueille favorablement les interprétations de son travail qui le qualifient innocemment de « bizarre » ou « effrayant » ; en fait, cette curiosité accrue est émotionnellement intrigante. « Quand j’ai traversé les moments les plus difficiles, j’ai effacé mes pensées en touchant des fleurs à des fins thérapeutiques et j’ai découvert que mes arrangements reflétaient mes émotions complexes. »
« J’aime créer de l’espace et augmenter la densité en rejetant les designs plats. Un cadre atypique, où je tisse les tiges avec des cordes de pêche, les tord ou les fais apparaître d’une manière inédite, m’excite. J’aime explorer de nouvelles dimensions et compositions », explique Lee.
Collectivement, la pratique de l’ikebana permet une liberté de création et un sentiment d’évasion activé par la canalisation d’une connexion (presque innée) avec la nature. Comme Hiroshi Teshigahara, auteur de L’art de l’Ikebana, écrit : « Tout comme les musiciens s’expriment à travers le langage de la musique, les artistes d’ikebana doivent utiliser le langage des fleurs. »