Dans une interview, Michael Haneke a dit un jour qu’il ne se décrirait pas comme une personne heureuse. Cela ne devrait guère surprendre les spectateurs de ses films. Ils n’ont pas de fin heureuse (pourtant l’Autrichien d’origine munichoise a fait un film avec ce titre). Surtout dans ses premiers travaux, ils donnent l’impression d’être des arrangements expérimentaux mis en scène froidement et, en règle générale, les personnes et les animaux sont blessés de manière cruelle.
“J’ai tendance à être mélancolique”, a ajouté Haneke à sa déclaration dans la conversation. « En tant que mélancolique, on peut se sentir plutôt heureux. » La dialectique que revendique le cinéaste pour son propre mode de vie façonne également ses œuvres assez personnelles de plusieurs manières, fortement orientées vers le cinéma minimaliste de Robert Bresson (Haneke a même écrit un jour une essai sur le film qu’il admire, “Au Hasard Balthazar”) et la dimension morale-spirituelle des films de Tarkovsky (dont, selon ses propres dires, il apprécie particulièrement “Der Spiegel”) dans le présent dans un état libre de tout ésotérisme .
glaciation des sentiments
Haneke a un jour appelé ses trois premiers films, “The Seventh Continent”, “Benny’s Video” et “71 Fragments of a Chronology of Chance”, la trilogie sur la glaciation des sentiments des gens. Le réalisateur regrettera plus tard cette expression, car elle donnait l’impression que l’artisan minutieux des plans parfaitement chorégraphiés se préoccupait avant tout de décrire les besoins de communication d’une société qui n’arrive plus à se sortir de sa dépression même avec des stupéfiants.
Mais l’étiquette obsédante que Haneke a donnée à ses premiers films allait comme un gant, car elle donnait immédiatement une interprétation aux mystères de ses sujets : une famille se suicide collectivement et dit tranquillement au revoir au monde, un adolescent la tue jeune fille et enregistre impitoyablement en vidéo, un adolescent apparemment en train de devenir fou sans raison particulière. Mais tout comme ses œuvres ultérieures, acclamées par la critique, « Caché », « Le ruban blanc » ou « L’amour » cachent la motivation des personnages derrière un style narratif ambigu et sophistiqué, cela s’applique encore plus à la première trilogie expérimentale, mais symboliquement plus frappante. .
Bien sûr, il est moins important de savoir de quoi il s’agit vraiment que de COMMENT c’est mis en scène. Dans ses premières productions cinématographiques, Haneke s’est testé comme un théoricien réfléchi des médias. Les reportages de la télévision peuvent être entendus encore et encore, le journal est lu en permanence. Le tout gratuitement. Aucune connaissance ne peut en être tirée. Les médias n’ont plus de message.
“71 fragments d’une chronologie du hasard”, sans doute le moins connu de ses films, pose un regard effrayant sur l’évolution fatale d’un jeune qui s’égare – et tisse son acte de violence dans un panorama de multiples des séquences incluant son environnement, qui finalement traduisent esthétiquement l’impuissance à psychologiser un tel acte de folie. Un procédé cinématographique qu’Alejandro González Iñárritu s’est approprié pour « Amores Perros » – sans toutefois s’adapter à la profondeur des tendances psychologiques et médiatiques critiques du procédé. Au tournant du millénaire, Haneke était censé l’affiner à nouveau avec “Code : inconnu”.
Attaque frontale sur la dispersion
Haneke s’était imposé comme un acharné de la critique sociale au plus tard avec l’impertinence métanarrative “Funny Games”, la satire médiatique aimée des uns et détestée des autres, que le réalisateur a une nouvelle fois mise en scène avec de grandes stars à Hollywood. Cependant, son attaque subversive a toujours visé moins les conditions sociales et beaucoup plus les images que le monde occidental apporte sur les écrans de cinéma et maintenant sur les smartphones pour s’affirmer. Il y reconnaissait le désir de scandale, de violence, d’abêtissement – de consommation sans limite de récits qui rend obsolète toute réflexion morale sur le sens et le non-sens de l’existence.
Pour Haneke, cette forme de divertissement n’est qu’une distraction, qu’il interroge avec ses sérieuses méditations sur les désirs obscurs et les erreurs de jugement sans scrupules de la bourgeoisie. Et ses films parlent surtout de gens bien nantis qui peuvent apaiser leur culpabilité avec du vin rouge cher. Haneke a donc indiqué à plusieurs reprises dans le passé qu’il n’avait naturellement pas à l’esprit un public mondial, et encore moins un public désireux d’édification morale. Au lieu de cela, ses œuvres étaient destinées au public occidental aisé, qui consomme même des œuvres d’art qui appellent à un changement de circonstances comme le pop-corn bien sucré comme une confirmation de leur propre conscience.
L’ancien dramaturge de SWR, qui n’a découvert le grand écran que tardivement et avec quelques productions télévisées drastiques (qui, bien sûr, comme “Lemminge” ou “Obituary on a Murderer”, sont rarement diffusées aujourd’hui, mais sont devenues l’étalon-or de la production télévisuelle représenté à l’époque) a fait sensation, fait figure d’exception dans le cinéma européen car ses œuvres, souvent tournées en dérision comme des pièces éducatives, respirent encore la connaissance des grands classiques de la littérature, de l’art et du cinéma d’auteur de Bergman, Kurosawa et Antonioni et de bien sûr besoin de l’auditoire. Certains pourraient dire qu’elle a craché au visage des téléspectateurs.
Celui qui prétend en savoir plus est soit moqué, soit célébré comme un saint à cette époque. Cette intellectualité sans concession a donc souvent été imputée à l’Autrichien, qui travaille également comme professeur universitaire de cinéma. C’est un misanthrope qui livre cyniquement ses personnages au mal du monde. Ce n’est que récemment que Haneke a répondu à ses détracteurs dans une interview : “Je ne regarde pas le monde avec cruauté, le monde est tel qu’il est : contradictoire et difficile.”
L’adaptation cinématographique de Kafka du fragment de roman “Das Schloss” a trouvé peu de spectateurs en 1997, “Wolfzeit” était aussi déprimant qu’une vision apocalyptique en 2003 parce que tous les contournements de l’esthétique de l’apocalypse, qui sévissent à nouveau, sont évités. “En paix on ne progresse pas, en guerre on saigne à mort”, écrit Kafka dans son journal – et ce sont peut-être de telles contradictions qui interprètent la vie comme une bataille sans fin à laquelle Haneke s’est consacré, même s’il est dans l’esprit de Kafka fait des films. À cet égard, “Das Schloss” et “Wolfzeit” sont peut-être les plus révélateurs en ce qui concerne les normes esthétiques de l’homme de 80 ans : c’est un maître du récit apocalyptique. Il raconte des histoires dont les personnages ne sont jamais épargnés, sans même avoir la chance de se racheter. Parce que la vie n’épargne pas non plus la souffrance à la plupart des créatures.
Crime et Châtiment
Haneke est depuis longtemps devenu un acteur-réalisateur, que les grands, voire les plus grands, représentants de la guilde ne sont que trop heureux de suivre dans l’abîme narratif. C’est grâce à Juliette Binoche, qui l’a attiré en France au tournant du millénaire et a tourné la rhapsodie cinématographique poétique “Code : inconnu” avec Haneke.
Le film largement sous-estimé devrait depuis longtemps être considéré comme l’une des œuvres phares du réalisateur, car il réunit ici – avec des séquences prévues impressionnantes – tous les thèmes importants des premières œuvres avec une mise en scène beaucoup plus accessible, plus tranchante. Si vous regardez les discours contemporains façonnés par la terreur, la xénophobie, la surpuissance médiatique et l’érosion de la démocratie, vous trouverez tous les principaux moteurs de ce qui doit nous émouvoir dans cette mosaïque poignante mais aussi silencieuse d’un film.
Avec “Piano Player”, Haneke a montré qu’il est possible de filmer quelque chose d’Elfriede Jelinek assez librement sans trahir les idéaux du prix Nobel de littérature radical. Et cette farce sexuelle plombée est, rétrospectivement, à parts égales un film de Jelinek et un film de Haneke. Cela augmente énormément leur valeur. Comme cela aurait été intéressant si l’Autrichien s’était approprié le porno burlesque beaucoup plus abstrait “Lust”.
“Caché”, plusieurs fois primé, a finalement établi Haneke comme le dernier représentant d’un cinéma européen menacé d’extinction il y a longtemps et est prêt à discuter sérieusement de la culpabilité du sujet qui culbute et est capable d’utiliser une forme cool libérée de les pièges des intrigues axées sur le suspense . Haneke a un jour appelé un essai “Fright and Utopia of Form” dans lequel il expliquait son processus artistique sous une forme concentrée.
“Le ruban blanc”, cette étrange histoire d’enfance, qui combine habilement des motifs d’horreur, de crime et de films historiques, élargit cette perspective pour inclure l’interprétation clairvoyante des problèmes contemporains dans l’image miroir d’une tragédie historique, dans laquelle elle dépeint le déclenchement de la Première Guerre mondiale, du moins dans son interprétation comme un acte psychologique de libération douloureusement nécessaire, par lequel une génération entière a réagi à l’oppression de la génération de ses parents, en proie au non-sens. Combien d’ennui, combien d’absurdité vivons-nous aujourd’hui ? Peut-être juste une analogie fantasmagorique.
amour et fin heureuse
Mais Haneke maîtrise depuis longtemps le choix des comparaisons effrayantes. Un critique culturel ouvert qui met le doigt dans la plaie, mais qui a depuis longtemps trouvé des images qui expriment quelque chose comme une beauté douloureusement ancrée. « Love », par exemple, est un clin d’œil à deux des plus grands acteurs français du XXe siècle : Emmanuelle Riva et Jean-Louis Trintignant. Le film oscarisé est une histoire profondément privée et intime de Haneke sur la mort et la nécessité de faire des sacrifices pour ses proches. Rétrospectivement, cela n’est possible que parce que le réalisateur avait trouvé les bons acteurs pour son récit de mort hautement symbolique et radicalement réduit à un décor. Sans elle, ce film n’existerait pas. Ce choix sans compromis des moyens, et dans le cas de Haneke cela inclut également le choix des acteurs, caractérise le travail de l’Autrichien comme aucun autre métier artistique.
“Love” et enfin “Happy End” (qui ne parle bien sûr que des réfugiés en France en arrière-plan, mais avant tout de ce qui rend les gens humains face à la catastrophe privée) – Haneke apparaît à la fin de l’automne de sa carrière pour admettre la grand topoi de l’histoire humaine et a maintenant aussi découvert la farce pour lui-même.
Malgré le titre clair et optimiste : il ne semble pas y avoir un seul danger que le public ait la vie facile avec ce réalisateur une fois qu’il s’est installé dans le siège du cinéma et que le rideau est tiré. Assez de questions restent sans réponse.
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