Avec les expositions annuelles du Metropolitan Museum of Art du Costume Institute qui attirent régulièrement des foules record et suscitent un regain d’intérêt pour les marques de couture patrimoniales comme Schiaparelli ou Jean Paul Gaultier, il est indéniable que la mode est une forme d’art en soi.
Mais dernièrement, il semble que les vêtements les plus cool que vous puissiez acheter soient fabriqués par de vrais artistes, comme des personnes ayant une formation en beaux-arts qui se sont lancées dans le monde de la mode. Dan Colen – l’artiste qui est apparu une fois sur la couverture de New York Magazine aux côtés de Dash Snow et Ryan McGinleyet dont les sculptures se voient partout depuis le Gagosian à la place des Nations Unies – a maintenant Sky High Farm Workwear, une ligne qui présente des créations de Colen et d’amis de la scène artistique avec une partie des bénéfices au profit du Sky High Farm à but non lucratif.
Rubis Sterling, qui le New York Times nommé comme l’un des artistes les plus intéressants de ce siècleest passé d’une collaboration avec Raf Simons sur sa marque éponyme et chez Calvin Klein au lancement de sa propre marque de mode, SRSTUDIO.LA.CA., en 2019. La frontière entre les peintures dignes d’une galerie et les doudounes prêtes pour le skate s’estompe avec Colm Dillane Lauréat du Prix LVMH KidSuper, où chaque pièce graphique présente les illustrations originales de Dillane.
S’il y a un designer qui illustre ce moment de style, c’est bien Marionnettes et Marionnettes la fondatrice Carly Mark. En tant qu’enfant d’art au lycée, elle s’intéressait à la mode mais ne pensait pas que cela pourrait être pour elle, en termes de carrière.
“J’ai travaillé un peu dans la mode, mais je pensais que je voulais être un bon artiste, car il y avait quelque chose dans la mode qui me faisait un peu peur”, dit Mark. “J’étais intimidé par ça de la même manière que j’étais intimidé par les filles qui étaient sur la couverture de NYLON. L’art était plus émotif et intime.
Après une décennie à travailler dans des galeries et dans son propre studio d’art, où elle a développé une suite pour ses peintures d’emballages de collations (comme une pièce inspirée par Haribo Gummy Bears présentée à The Armory) et des vidéos sur le même thème mettant en vedette Eric Wareheim, Mark s’est rendu compte qu’elle ne se sentait pas satisfaite. Il s’est avéré que l’art est une entreprise, comme n’importe quoi d’autre, et la pratique de faire son travail pourrait être solitaire. “Au moins pour moi, ma pratique artistique, j’avais des assistants, mais les pratiques artistiques en général semblent assez isolantes – du moins de la façon dont j’ai vraiment aimé le faire. Avec la mode, il faut vraiment un village – ou, j’aime l’appeler un cirque – pour faire quelque chose », explique-t-elle.
Il y avait plusieurs avenues différentes qu’elle voulait essayer en 2018, mais la première s’est avérée être Puppets and Puppets, où Mark combine son approche sculpturale et graphique de l’art avec une philosophie de consommation « moins c’est plus ». Enfin, tout s’est mis en place pour elle.
“J’ai adoré la transparence de celui-ci – j’aime que vous sachiez que vous fabriquez un produit, c’est ce que vous êtes ici pour faire”, déclare Mark. « Ensuite, une fois que le produit est fabriqué, il va sur un corps, et chaque corps est différent ; tout le monde le style différemment et il se déplace dans le monde. Il y a quelque chose de plus transcendantal pour moi à ce sujet que [what] J’ai trouvé dans l’art.
Désormais, les fans peuvent acheter des œuvres d’art de Mark pour bien moins que ce qu’ils auraient s’ils avaient voulu acheter, par exemple, une peinture : l’un des sacs à biscuits de Puppets and Puppets coûte environ 475 $, tandis qu’un manteau pictural coûte environ 1 500 $. .
Un sweat à capuche Sky High Farm Workwear vous coûtera environ 200 $ – un vol carrément par rapport au 3 millions de dollars pour ses peintures à la flamme de 2005, “Untitled (Fire, Red/Black U)”, gagnées aux enchères en 2014; à l’opposé du spectre se trouve un t-shirt graphique de 1 000 $ de SRSTUDIO.LA.CA, qui est encore une fraction de les 58 000 € que vous dépenseriez pour l’une des céramiques originales de Ruby. Et chez KidSuper, la doudoune Sotheby’s imprimée avec le travail de Dillane est de 500 $ ; une de ses peintures originales vendue lors d’une exposition Dazed en Corée du Sud pour 40 fois ce prix.
Mieux encore, cet investissement vit une vie plus longue qu’il ne le serait autrement dans, disons, votre salon. “Vous appréciez les deux au quotidien, mais de manières très différentes”, explique Cary Leitzes, fondateur et président de LEITZES&CO, l’agence créative à l’origine de certaines des plus grandes collaborations artistiques de la mode de l’histoire récente. (Pensez : Cindy Sherman pour MAC, ou la collection printemps 2017 inspirée d’Antonio Lopez de Kenzo.) vêtements, je vois comme une expression de qui vous êtes – c’est un signifiant.
Une certaine liberté de création peut également exister pour les créateurs qui n’ont pas suivi une formation traditionnelle en école de mode. « Parce que je ne connais pas les règles, je ne sais pas si je fais quelque chose de mal », dit Mark. Elle a une équipe de personnes chez Puppets and Puppets qui a fait suivre la voie Parsons/Pratt/FIT qui peut aider à transformer ses idées en vêtements portables – mais son point de vue signifie souvent qu’elle peut structurer les vêtements de manière peu orthodoxe.
« Je regarde la chose telle qu’elle est, je n’y pense pas comme elle devrait être », explique-t-elle. “Je comprends que vous vous mettiez dans la tête à propos de quelque chose quand on vous a appris à le faire d’une certaine manière, ou que vous avez des voix différentes dans votre tête – des enseignants, des mentors, etc. – mais je n’ai rien de tout cela.”
Mark utilise l’exemple de certaines des premières pièces désossées de sa collection, qui ne se réunissaient pas tout à fait dans la forme qu’elle souhaitait. L’équipe savait qu’elle rencontrait des problèmes techniques depuis sa formation, mais Mark l’a abordée sans aucune attente quant à la façon dont elle devrait être construit et a pu résoudre le problème avec juste un morceau de ficelle.
Cela signifie peut-être que les grands artistes ne fabriquent pas toujours les vêtements les plus impressionnants sur le plan technique, mais cela ne diminue pas l’impact de leurs idées. « Les grands créatifs peuvent transférer leur vision de manière fluide sur plusieurs supports ; une partie de la mode est l’expression de soi à travers les vêtements, alors que les artistes [find] l’expression de soi à travers n’importe quel médium », dit Leitzes. “Un esprit créatif, s’il a créé un monde, une identité et un langage de sa créativité, il peut filtrer cela à travers de multiples variétés de supports.”
En fin de compte, cependant, deux esprits créatifs valent presque toujours mieux qu’un – c’est pourquoi, pour Leitzes, la meilleure façon de fusionner les mondes des beaux-arts et de la haute couture passe par des collaborations entre artistes et designers. Les artistes sont habitués à une méthode de travail plus solitaire et à un processus plus lent, tandis que les designers sont habitués à répondre aux exigences rapides du calendrier de la mode dans un studio plus encombré.
« Mettre les deux ensemble et devoir travailler d’une manière différente, avec un ensemble de paramètres différents, des ressources différentes, est une source d’inspiration pour les deux parties et c’est de là que viennent, je pense, les meilleures collaborations », déclare Leitzes. “Il y a beaucoup d’expansion mentale dans la collaboration lorsque vous avez deux créatifs de domaines légèrement différents.”
Elle cite Marc Jacobs, à la fois comme sa propre ligne et à travers son travail chez Louis Vuitton – où il a régulièrement collaboré avec des artistes de niveau musée comme Takashi Murakami, Richard Prince et Stephen Sprouse – et Kim Jones en tant que créatifs abordant les collaborations d’artistes d’une manière brillante. ; partout où l’art peut rencontrer la mode, cependant, c’est une victoire. Avec des lignes comme Puppets et Puppets, cela peut rendre les beaux-arts plus accessibles à un public plus large.
« Je veux que les gens interagissent avec ce que je fais ; si c’est comme si j’étais assis quelque part et que les autres se sentaient stupides ou laissés pour compte, qu’est-ce que je fais ? Je ne passe pas bien mon temps, à mon avis », dit Mark. “C’est pourquoi j’aime mon chandail de marionnettes et mon sac à biscuits parce que vous pouvez les acheter, vous pouvez exister dans le monde avec eux. Ils sont peut-être un peu bizarres, mais ils sont assez pratiques, et vous pouvez en faire partie — je vouloir que vous en fassiez partie.