Lorsque Björk a déclaré qu’elle enregistrait un album de « rave domestique », la sonnette d’alarme s’est déclenchée. Björk va enfin nous faire danser à nouveau ! Vous avez dit le mot « clubbing » ! Ce qu’il a dit après ne nous intéressait pas tellement : que les chansons bougeraient « comme si c’étaient des virus », qu’elles ne seraient pas dansantes mais iraient à 80 ou 90 bpm parce que « c’est le rythme auquel je marche » (peut ça va plus longtemps ? Cette personne craint ?)… En partie, nous avions des raisons de nous attendre, au moins, à un album plus axé sur les beats gabber, puisque c’est le style du duo de production indonésien qui collabore sur l’album. Et quand tu dis que le style de ton album est « techno biologique », le mot « techno » attire fortement l’attention. ‘Atopos’, en ce sens, a été un single trompeur que nous devrions remercier pour d’autres choses.
Cela faisait longtemps qu’on n’avait pas parlé d’une chanson de Björk, mais ‘Atopos’ est devenu un mème, et je suis sûr que l’Islandais a été le premier à rire. Face à l’attente d’un album naturaliste et domestique, inspiré du monde des champignons et axé sur des concepts tels que l’amour ou la famille, Björk a décidé qu’il était temps de sortir une chanson reggaeton. « Atopos » est tellement à sa manière, et sa finale de rythmes pilonnés est la chose la plus folle que Björk ait faite depuis des années. De plus, la chanson est dédiée à l’amour entre deux personnes qui s’aiment au-delà de leurs différences, mais admet une relecture sur la culture de l’annulation dans laquelle on n’a pas beaucoup remarqué, puisque Björk l’écrit en réaction à #MeToo, ce qui se passe, faut-il s’en souvenir, quand ‘Utopia’ est déjà dans les rues.
« Atopos » est le single clair de « Fossora », tout comme « Earth Intruders » de « Volta », mais cela n’a pas grand-chose à voir avec le reste de l’album, dans lequel Björk continue essentiellement à construire son propre folklore. , à travers un recueil de chansons axé sur le son des clarinettes et autres instruments pas forcément électroniques. Les beats de Gabber Modus Operandi construisent une fois de plus un pot complet sur la chanson-titre, probablement la plus accessible de toutes, mais surtout ils sont présents pour donner un coup de cœur aux compositions, comme c’est le cas du deuxième single romantique, ‘Ovule ‘, qui a l’air de se transformer en afrobeat mais non : il opte pour une forme plus abstraite, tandis que la mélodie du trombone évoque une virée en voilier. Et sur l’un des morceaux de l’album, Björk interprète directement une chanson folklorique islandaiseécrit par un poète des siècles passés, sur les fjords scandinaves.
Cette composante « populaire », d’une vieille chanson, dirige la majorité des compositions. Le concept mycologique peut aller aussi loin que dans « Fungal City », où, entre cordes fières et rythmes gabber, il semble que la tête de David le Gnome va sortir à tout moment (serpent aux pieds apparaît à la place), et la voix comme principale instrument constitue la base de nombreuses pièces, y compris le curieux intermède « Mycelium » (le mycélium est une sorte de tissu fongique). Björk continue définitivement à composer lors de longues promenades dans la nature islandaise, comme lorsqu’enfant elle chantait ses propres airs en rentrant de l’école, bravant la tempête avec un jaillissement de voix sauvage que le temps a apprivoisé ; et cela se voit dans les chansons totalement gratuites et personnelles qui continuent à jouer leurs mélodies. La différence, c’est qu’il est désormais assez mûr pour nous parler de liens non seulement amoureux, mais aussi familiaux, au point que ses deux enfants, Sindri et Ísádora, nés à 20 ans d’écart, entre le premier album des Sugarcubes et ‘ Vespertine’, ils assurent le chant sur l’album.
Le lien maternel est également exploré du point de vue inverse. « Sorrowful Soil », la première des deux chansons dédiées à Hildur Rúna, la mère de Björk, décédée en 2018 et bien connue pour son activisme et son style de vie hippie, est un énorme hymne choral d’église qui ne peut pas sonner plus « Medúlla » ni ses paroles sont plus Björk dans sa description d’une mère qui pond « des œufs et des nids » et les recouvre de son « tissu émotionnel ». « Ancêtre », l’élégie suivante, où Sindri met des chœurs, prend une forme beaucoup plus épique, comme une chanson impériale chinoise, dans laquelle Guđmunsdóttir raconte pendant sept minutes angoissées et belles la mort de sa mère avec la franchise lyrique qui la caractérise, tandis que l’instrumentation comprend des percussions de gong et des rythmes tranchants qui reproduisent une bataille d’épées (entre la vie et la mort ?). Dans ce contexte, la fermeture de ‘A Mother’s House’ est particulièrement émouvante, où Ísadóra visite la maison de sa mère non plus en tant que locataire, mais en tant qu’invitée, entre de beaux arrangements de clarinette et de cordes qui transmettent une sensation chaleureuse.
Cependant, Björk a précisé que ‘Fossora’ n’est pas du tout un album de deuil et, en fait, la composition la plus sombre de l’album, ‘Victimhood’, étouffante dans son mélange de clarinettes dissonantes et anguleuses et de rythmes techno industriels, lui est dédiée. divorcer. Et, même ainsi, il ne se vautre pas dans la misère ; au contraire, il cherche à s’en sortir. « Je pensais que le monde me devait de l’amour » est l’une des phrases qui sortent de la bouche de Björk alors qu’elle surmonte le sentiment de victime que lui a laissé la perte de sa famille, de sa « mission commune » avec Matthew Barney, comme elle le raconte dans ‘Vulnicura’. En revanche, l’Islandais ne pouvait pas sonner plus amoureux sur ‘Freefall’, où il est possible d’entendre des influences -eye-pop des années 50 ; ni plus heureux sur ‘Allow’, une fantaisie pour flûte tirée des sessions ‘Utopia’ où la Norvégienne Emilie Nichols fait les chœurs. Il est chanté du point de vue d’une plante qui pousse grâce à l’amour, une image qui résume tout le contenu de ‘Fossora’, une œuvre qui rend hommage aux liens familiaux et amoureux, passés et présents, dans laquelle Björk trouve votre force.