En demandant aux contributeurs de nommer des doubles albums recommandés, importants et peut-être négligés, la première pensée a été : à quelle fréquence « Blonde On Blonde », « White Album » et « The Wall » sont-ils mentionnés ? Parce que ses collègues en ont également tenu compte, le disque de Dylan de 1966 a été suggéré le plus souvent, mais seulement cinq fois. Nous souhaitons expressément donner un aperçu individuel des albums dans ce format, qui est aussi un format artistique – et prendre également en compte les albums plus éloignés et non canonisés. Comme point de départ et comme occasion : le 45ème anniversaire de « Physical Graffiti » de Led Zeppelin, bien sûr fleuron de la somptuosité du précédent album quadri-face sur vinyle. Selon nos réglementations, les sorties conçues comme un double album sur vinyle – ou plus tard sur CD – sont considérées comme un double album ; Si un double LP a ensuite été mis sur un seul CD, il reste toujours un double. Les albums live devraient s’appliquer, car les enregistrements de concerts nécessitent une forme somptueuse. Les enregistrements triples, quadruples et même plus grands, qui correspondent davantage à ce qu’on appelle aujourd’hui un « coffret » et qui visent une plus grande cohérence (ou incohérence !), n’étaient pas autorisés. L’événement le plus marquant du double album s’est produit dans les années 1970, lorsque la vente des enregistrements est devenue olympique et que la musique rock est devenue plus épique, plus ramifiée, simplement plus grande, certains disent : plus mégalomane. Le double album a été réalisé dans la seconde moitié des années 1960, lorsque les idées et les exigences de la musique populaire exigeaient une approche plus élaborée, audacieuse et ludique.
Sélectionné et écrit par Wolfgang Doebeling, Jörg Feyer, Birgit Fuss, Max Gösche, Jan Jekal, Sassan Niasseri, Ralf Niemczyk, Gunther Reinhardt, Robert Rotifer, Frank Schäfer, Jörn Schlüter, Markus Schneider, Marc Vetter, Naomi Webster-Grundl, Arne Willander , Sebastian Zabel et Jürgen Ziemer.
Bob Dylan : “Blonde sur blonde” (1966)
Quand Bob Dylan a commencé à enregistrer au studio Columbia de New York le 5 octobre 1965 « Blonde sur blonde » commence, ils discutent avec véhémence de son électrification et du fiasco de Newport, et les folkniks l’insultent comme un hérétique. Il a passé un an à rassembler des idées de chansons et à griffonner des notes au cours de cette tournée mondiale angoissante. Maintenant, il amène les Hawks en studio en tant que groupe d’accompagnement et, après que les choses ne se passent pas bien à New York, il déménage à Nashville. C’est là qu’émerge finalement ce que Dylan appellera plus tard « ce son de mercure mince et sauvage ». « Blonde sur blonde » sorti le 20 juin 1966, complète non seulement le premier cycle rock de Dylan, qui comprend également… « Ramener tout cela à la maison » et « L’autoroute 61 revisitée » a commencé, mais peut aussi être considéré comme le premier double album de l’histoire du rock. Frank Zappa “Flipper!” sera publié une semaine plus tard.
Les 14 chansons refusent énigmatiquement toute restriction. Dylan charge le rock’n’roll, la country, le folk et le blues de surréalisme, d’expressionnisme ou de symbolisme et apprécie le rôle du narrateur formé chez Arthur Rimbaud et William Blake à qui il ne faut jamais faire confiance. Tandis que la satire impétueuse et décorée de cuivres « Rainy Day Women #12 & 35 » regarde vers la Nouvelle-Orléans avec un rire défoncé (« Tout le monde doit se défoncer ! »), le blues « Pledging My Time » se dirige vers Chicago. Alors que la grande œuvre « Visions Of Johanna » est une chanson d’amour inquiétante et confuse, « I Want You » est un hymne au désir déguisé en chanson pop. Et à la fin, vous pouvez vous attendre à l’épopée de onze minutes de valse “Sad Eyed Lady Of The Lowlands”, qui remplit une face du disque, qui pourrait être une chanson de mariage pour la première femme de Dylan, Sara, et que Dylan a appelée au fois “la meilleure chanson que j’ai jamais écrite”, a tenu. Günther Reinhardt
L’expérience Jimi Hendrix : « Ladyland électrique » (1968)
« Ladyland électrique » c’est un bang comme « Blonde sur blonde » et le « White Album » : une démonstration de supériorité artistique. Ce n’est jamais tant le maître guitariste tant loué d’Hendrix, mais plutôt sa créativité débordante qui continue de laisser tomber les mâchoires des amateurs de musique rock jusqu’à ce jour. Sur ce double album, il savoure la liberté comme un trip au LSD, s’offre des quarts d’heure de blues et de jams psychédéliques, et saupoudre à plusieurs reprises de brillantes compositions (« Crosstown Traffic », « Voodoo Child [Slight Return]”) et sort l’une des meilleures reprises de l’histoire du rock avec son interprétation de “All Along The Watchtower” de Dylan. MG
Les Beatles : « Les Beatles » (1968)
La couverture vierge est une tromperie. En réalité, les choses sont encore plus colorées et turbulentes sur le seul double album des Beatles « Sergent. Groupe du Pepper’s Lonely Hearts Club. Mais on entend pratiquement le crack qui traverse le groupe depuis longtemps : le solo “Blackbird” de Paul McCartney, ici “While My Guitar Gently Weeps” de George Harrison, qui fait simplement entrer Eric Clapton en studio, et là John Le bizarre de Lennon, Happiness Is A Warm Gun Collage. Un album qui laisse de nombreuses idées sous forme de fragments, essaie constamment de nouveaux genres et, avec cette inquiétude et ce conflit intérieurs, reflète finalement musicalement l’année 1968 – et arrive dans le postmodernisme. GR
Les Bee Gees : “Odessa” (1969)
La pochette, en imitation velours rouge avec lettres dorées, disait tout de la mégalomanie pop de la fin des années soixante. À l’époque, les auditeurs de rock les accusaient d’être stupides et fous. “Odessa” de cinq décennies avec ses sons de piano compressés, ses guitares acoustiques au bourdonnement emphatique, les arrangements orchestraux néo-romantiques de Bill Shepherd et le drame vocal des frères Gibb. Une nouvelle édition sortie en 1976 sous la forme d’un simple LP, raccourci pour inclure des incontournables tels que “Black Diamond”, “Suddenly” et “Lamplight”, sert d’avertissement contre la thèse souvent répandue selon laquelle chaque double LP peut être réduit à un seul plus fort. FR
Capitaine Beefheart : « Réplique de masque de truite » (1969)
Première œuvre d’art officiellement moderne dans la musique pop. Beefheart beugle, grogne, hurle 28 surréalismes beatniks dans un monde hallucinogène dans lequel se rencontrent, entre autres, du blues ancien, des guitares psycho désaccordées, des tambours polyrythmiques et ses instruments à vent gazouillants issus d’un soupçon de free jazz. Quälix Van Vliet aurait cantonné et affamé les musiciens de Laurel Canyon pendant des mois afin de leur faire comprendre son concept. Zappa a produit quatre heures. « Mission : Unlistenable » est compréhensible pour beaucoup, mais quand ça arrive, vous ne voulez pas descendre et vous sentir libéré d’une manière négligée. Le « Dachau Blues » est un candidat rare pour le juke-box d’Adorno. MS
Amon Düül II : “Yéti” (1970)
Avec son deuxième disque, le groupe municipal Amon Düül II est devenu fou. Les avis peuvent différer quant à savoir s’il s’agit de prog, d’acide, de psychédélique ou de krautrock : le mélange d’improvisations grossières en studio et d’épopées de guitare bizarres et dérives qui rappellent clairement King Crimson, Pink Floyd et les fondateurs du Space Rock Hawkwind, a frappé l’Allemagne comme une bombe atomique. en 1970. Bien sûr, tout se résume à l’étrange folk hippie de « Sandoz In The Rain », même si l’éclectique « Soap Shop Rock », les quatre premiers titres de l’album, aurait suffi comme déclaration artistique d’extase sans limites. VM
Derek et les dominos : “Layla et autres chansons d’amour assorties” (1970)
Le morceau surtitre comprenant la célèbre mauvaise histoire d’amour a de plus en plus obscurci la vue du 13″Chansons d’amour assorties», qui confèrent à l’œuvre un statut particulier au-delà de la discographie d’Eric Clapton. Tout comme la participation du grand Duane Allman, certes, obscurcit souvent la vision de la star secrète de «Layla et…»: En Bobby Whitlock (Delaney & Bonnie), Clapton avait trouvé un co-auteur et une seconde voix, ce qui le conduisit vers des sommets soul-blues rarement atteints par la suite, dans des chansons comme “I Looked Away”, “Keep On Growing” ou “N’importe quand.” Moins d’un an après la sortie de l’album, Allman était mort et Clapton sombrait temporairement dans le marais de l’héroïne. JF
Miles Davis : «Bitches Brew» (1970)
Un bon nombre ont crié « Judas ! » lorsque Miles Davis s’est branché. Une section rythmique avec basse électrique et acoustique, trois batteries et percussions, trois pianos électriques dessinent des lignes, la trompette de Miles Davis résonne froidement et avec assurance sur l’improvisation de son groupe. “Miles a créé une sorte d’environnement”, a déclaré plus tard le bassiste Dave Holland. “Votre tâche était de découvrir ce que vous y faisiez.” La pochette sexy et surréaliste de Mati Klarwein reflète l’air du temps, tout comme le format double album et le genre jazz-rock. «Bitches Brew» fleuri. C’est une musique suggestive, un funk étrangement pas funk, et c’est de la musique électrique dans tous les sens du terme. SZ
Crosby, Stills, Nash et Young : « Rue à 4 voies » (1971)
Après les baptêmes du feu à Woodstock et Altamont, la tournée américaine de 1970 est un triomphe pour Crosby, Stills, Nash & Young. Leur premier LP en quatuor, « Déjà Vu »venait d’être acheté des millions de fois et le public était d’autant plus enthousiaste. « Rue à 4 voies » était plein de moments forts du concert, la sélection de chansons était équilibrée, les egos des alphas étaient suffisamment caressés, semblait-il. Jouer avec ces artistes est un privilège, comme Neil Young ne tarit pas d’éloges, « comme si on était dans les Beatles ». Contrairement à Crazy Horse, on a l’impression de jouer avec les Rolling Stones. « Et les Stones ont toujours été mon groupe préféré. » Il y en avait encore trois. DEO
Les Rolling Stones : «Exil sur la rue Main.» (1972)
Il est impossible d’imaginer sans un seul des 18 morceaux, qui sont condensés dans la déclaration la plus brillante des Stones sur quatre faces LP, chaque face avec sa propre dynamique, chacune étant éminente.
Dès le début, « Rocks Off », un paquet d’énergie nerveuse, dansée maîtrisée, puis libérée et capturée à nouveau, indomptée. Au milieu il y a un moment de contemplation, le tempo ralenti, les sons planants. «Je me sens tellement hypnotisé», gémit Mick, égocentrique, «tout est hypnotisé, tout cela en moi», avant que la chanson ne décolle et s’enfonce dans la nuit au grand galop: «Le soleil m’ennuie la lumière du jour.» un régal une ouverture ! Ou encore « Rip This Joint », un morceau de rock’n’roll enragé, avec le sax de Bobby Keys en overdrive. “Hip Shake” de Slim Harpo n’est que cela, le groove est irrésistible, tandis que “Casino Boogie” défile comme un shuffle mid-tempo, Mick se souvient de “embrasser la chatte à Cannes”. Le swing funk house maussade de « Tumbling Dice » termine la face 1 avec une coda frivole et séduisante. “Tu dois me rouler…”
Dans le continuum global Americana de “Exilé” La face 2 représente la partie acoustique et country. La présence de Gram Parsons se fait sentir lors de l’enregistrement, même s’il n’était pas présent lors des sessions d’enregistrement dans le sous-sol moisi de Keith dans le sud de la France. « Sweet Virginia » s’inspire de la Californie, une ode honkytonk rouillée et bourdonnante au saxophone et à l’harmonica : « Je dois gratter cette merde de mes chaussures. » Les léchages d’acier à pédale sous-tendent « Torn And Frayed », la ballade autobiographique d’un homme battu. Groupe en tournée : « Laissez la guitare vous voler votre cœur. » Pourquoi pas ?
Les sessions sont fébriles, l’album sort sous le titre provisoire « Tropical Diseases ». Wolfgang Doebeling