Lorsqu’on décrit la musique des Raveonettes, l’accent est généralement mis sur leur sonorité. C’est compréhensible, car c’est la première chose qui frappe et qui les rend presque instantanément reconnaissables lorsqu’ils sonnent. Ainsi, on parle souvent de guitares évocatrices et fantomatiques, on fait allusion au shoegaze et les comparaisons avec The Jesus & Mary Chain abondent. D’un autre côté, même si leurs tendances rétro sont également toujours évoquées, c’est généralement comme si leur fétichisme pour la musique des années 60 était une sorte d’accessoire pour leur donner un « coolness » supplémentaire. Cependant, l’importance du rock and roll des années 50 et de la pop des années 60 pour leur identité musicale est bien plus profonde que tout cela et est au cœur même du duo composé de Sune Rose Wagner et Sharin Foo. Pour l’instant, dans leurs premières aventures au début des années 2000, le groupe jouait essentiellement des versions de ces décennies, ce qui leur faisait adopter cette harmonie vocale garçon-fille si caractéristique – venue directement des Everly Brothers – ou expérimenter des structures à trois. .des accords stricts sur leur premier EP, appris avantageusement à l’école de Buddy Holly.
De même, son chef-d’œuvre canonique (« Pretty In Black », 2005) incorporait des collaborations qui donnaient également de nombreux indices à cet égard : des collaborations avec des légendes telles que Ronnie Spector, Maureen Tucker du Velvet Underground ou Martin Rev de Suicide. Pour point d’orgue, au fil des années, un filet de versions diffusées en albums, faces B et albums hommages (par les Doors, les Angels, Eddie Cochran ou encore les Stone Roses) nous avaient déjà montré éphémèrement les Raveonettes faisant un clin d’œil à leurs références.
C’est pourquoi ce nouvel album de reprises arrive à point nommé : parce qu’il fonctionne comme une réflexion sur les racines des Raveonettes, réflexion enregistrée en studio en 2023, année où le groupe a célébré son vingtième anniversaire. Peut-être que les fans les plus inconditionnels du duo ont été déçus par la sécheresse de huit ans de leur propre nouveau matériel, mais l’éclat de ces dix versions et la lumière qu’elles jettent sur l’ADN musical du groupe compensent largement.
Dès la première seconde, le son est incomparable : des voix en harmonie enveloppées d’échos anciens, des réverbérations enveloppantes des guitares qui plient mélancoliquement les notes, le tout encadré dans une signature rythmique classique à 3/4 très respectueuse de la chanson originale (« I Love How You Love Me ‘, un tube de 1961 du groupe féminin The Paris Sisters, produit par Phil Spector). Une approche doublement rétro, qui mélange le son surf et le mur de son des années 60 avec le mur de son reverbcore des années 80 des Jesuses. C’est la formule magique des Raveonettes, et tout au long de l’album elle est appliquée avec une maîtrise incroyable.
Peut-être que la dévotion à tous ces classiques a particulièrement motivé Wagner (un factotum au niveau des arrangements de toutes les chansons), ou peut-être simplement le temps qu’ils n’ont pas enregistré : le fait est que les dix chansons entières sont extrêmement inspirées. . On le perçoit déjà dès les mid-tempos comme celui déjà évoqué, ou dans sa relecture de ‘All I Have To Do Is Dream’ de ses incontournables Everly Brothers, arrangé avec un rythme opaque et grondant stimulant, des basses synthétisées qui lui donnent du toucher. et de la personnalité et des guitares au trémolo frénétique qui tissent de belles broderies dans l’air, telles des lucioles voletant autour des voix. Et tout cela en seulement deux glorieuses minutes.
Cette concision est une constante (seulement deux chansons ici dépassent 3 minutes), et le minimalisme rythmique remarqué abonde également : le combo de boîtes à rythmes sombres et opaques de caisse claire et de grosse caisse pure ainsi que de basses synthétisées donnent certains des meilleurs moments de l’album. un merveilleux air squelettique et martial. Cela se produit avec sa critique de ‘Shaking All Over’ de Johnny Kidd and the Pirates, respectueuse du riff de guitare emblématique de Joe Moretti (même le solo est catholiquement reproduit note pour note) mais immergé dans un réservoir de réverbération.
Et cela arrive aussi avec l’impressionnant ‘The Girl On Death Row’, un choix pas évident du recueil de chansons de Lee Hazlewood (bravo de l’avoir revendiqué) exécuté avec une gamme magistrale de textures de guitare, allant des « twangs » sérieux (qui dans l’original jouaient le grand Duane Eddie) aux guitares de rêve avec un levier de vibrato pour finir avec des couches de fuzz et de réverbération qui entourent la finale dramatique comme un vent maudit. Un ton sombre et émouvant, idéal pour son thème terrible. Sune aurait presque pu l’écrire ! Et ce n’est pas le seul moment où cette pensée peut vous envahir, preuve de la façon dont le Danois a bien assimilé ce type de compositions dans son propre style au cours de ces deux décennies.
Le summum de cette simplicité maximale dans le rythme est atteint avec ‘Will You Love Me Tomorrow’ : une grosse caisse discrète mais obsessionnelle est tout ce qui sonne, laissant le champ libre au plaisir sonore de la voix de Sune se prélassant dans un océan de réverbération, dépourvue même de harmonies. Une sobriété qui révèle le mystère de cette mélodie éternelle, assaisonnée seulement de beaux arpèges de guitare tremblante et de cloches glorieuses, une image sonore solennelle et parfaite, comme l’avers angélique du ‘Cherée » par Suicide.
Et si c’est Sune qui joue dans le classique de Carole King pour les Shirelles, Sharin prend le relais quand arrive ‘Venus in Furs’, l’un des choix les plus intéressants de ce ‘Sing…’ pour aller au-delà du plus prévisible : le Velvet Underground le fait non Ils étaient exactement pop, et la chanson originale est un morceau folk moderniste funèbre avec un alto de lamentation « arty » agressif. Sa reconversion vers un beat mécanique de type « baggy », hypnotisé, ralenti et aux échos panoramiques, est tout simplement exquise : Sharin adoucit perversement la déclamation monotone de Lou Reed dans l’original, tandis que Sune entraîne le motif de la guitare sur son territoire, avec des réverbérations à ressorts et. Fuzz de marque RAT. Il est complet avec de glorieux refrains shoegaze et même un fondu sortant saisissant.
L’autre grande surprise est la version de ‘Return of the Grievous Angel’. Sans être exactement la première incursion des Raveonettes dans le recueil de chansons country, c’est excitant de les voir sortir de leur zone de confort. Par rapport à la version originale très orthodoxe de Gram Parsons avec Emmylou Harris de 1974, on voit ici les Danois reprendre la chanson dans l’aspect vocal, un peu comme elle aurait sonné sur ‘Sweetheart of the Rodeo’ des Byrds – presque aussi si les années 70 étaient trop pour eux – et c’est l’une des propositions les plus brillantes de tout l’album.
Impossible également de ne pas mentionner leur excellente version du ‘Goo Goo Muck’ de Ronnie Cook and the Gaylads : dans une manœuvre très Raveonettes, ils ajoutent de la mélodie aux couplets contrastant avec le ton rockabilly monotone de Lux Interior in the Cramps (le version sur laquelle ils sont clairement basés). C’est quelque chose qui ajoute une dimension nouvelle et intéressante à la chanson, qui s’améliore encore plus dans les refrains, avec plus de mélodie et d’harmonie vocale. Le tout est complété par la classique guitare rythmique reverbcore et un riff plein de trémolo qui semble être un autre clin d’œil aux Cramps, mais à ceux de ‘Human Fly’. Et puis, à 1 min 15 s, arrive un solo de guitare ? ce qui ressemble à l’explosion nucléaire silencieuse de « Oppenheimer » : un brouillard de fuzz extrême enveloppé dans un bruit blanc qui dure à peine 20 secondes et sonne comme quelque chose qui sort de l’esprit de John Cage ou de Delia Derbyshire. Ces 20 secondes valent à elles seules le prix d’entrée.
L’album se termine par une dernière incursion dans le minimalisme rythmique et le maximalisme noise : le « Leader of the Pack » de Shangri-Las flotte suspendu dans une mer de distorsions et de fuzz dans laquelle une saturation maximale pixellise le son, pour ensuite être plongé dans une réverbération éternelle. . Des feuilles de métal infinies en arrière-plan, traitées avec une pédale Geiger Counter, qui se combinent à la douceur des voix de Sune et Sharin. L’intense halo de mystère qui en résulte est spectaculaire et lui donne une patine contemporaine : la récitation de la partie centrale rappelle bien plus le néo-gothique de ‘What’s A Girl To Do’ de Bat For Lashes que les Shangri-Las eux-mêmes.
Écouter les Raveonettes prendre des chansons aussi emblématiques et les transformer selon leur volonté et leur style avec une telle expertise peut sembler facile, mais en réalité c’est un défi très compliqué. Qu’ils en soient capables est une preuve supplémentaire de leur talent ; Nous ne pouvons qu’espérer que ce même talent pourra se traduire dans un prochain album de ses propres compositions.