Dans le monde de l’art, peu de médiums sont aussi viscéraux qu’une peinture. Il y a l’attention incessante aux détails des peintres photoréalistes, les représentations angoissantes de la psyché et l’extase totale des œuvres pleines de désir. Des artistes comme Lizzy Lunday se concentrent sur l’artifice de l’obsession, tandis que ceux comme Sara Birns déforment et remodèlent le visage humain pour jouer avec le sens de la reconnaissance. Une toile est tout ce dont on a besoin pour centrer le spectateur dans le moment présent, pour traverser et toucher l’esprit et, ce faisant, remodeler la perspective. Pour le numéro d’art 2023, NYLON vous présente la nouvelle génération d’artistes talentueux et passionnants, ceux qui repoussent les limites du médium en constante évolution qu’est la peinture – et ils ne font que commencer.
Lizzy Lundi
Lizzy Monday peint des scènes de glamour contemporain avec la logique du rêve. L’artiste basé à Brooklyn réalise des peintures à grande échelle, semblables à des collages, d’images tirées de la culture pop, en particulier des médias sociaux et du culte de la télé-réalité. Empruntant au genre de la peinture d’histoire – un style de peinture inventé dans la France du XVIIe siècle pour des œuvres grandioses qui capturent des moments majeurs de la guerre ainsi que la Bible – l’œuvre kaléidoscopique de Monday ne fait pas seulement la satire de notre exaltation des figures de la culture pop, mais aussi des côtelettes. et les déforme, créant de nouvelles caricatures fascinantes qui déforment notre perception de la réalité. “Clasped”, par exemple, rappelle la photo mémorable de Bella Hadid pleurant lors du dernier match de Serena Williams, montrant une silhouette ressemblant à Hadid avec les mains jointes dans une prière dans une palette de corail, de roses et d’oranges. L’œuvre expose finalement les artifices de l’obsession, le tout en traits larges et en couleurs délicieuses. — Sophia June, écrivaine culturelle
Sara Birns
Les peintures de Sara Birns sont surréalistes et totalement fascinantes. Le style de Birns rappelle les maîtres anciens : des peintures à l’huile pleines d’émotion et un choc de détails saisissant. Il y a un côté comique sous-jacent dans son travail. Les traits du visage sont déformés, et avec eux, les indices de reconnaissance. Parfois, c’est l’intensité d’une peau charnue, de dents jaunies et striées et de lèvres sèches et gercées. D’autres fois, les douces mèches de poils sur les oreilles d’un chiot chihuahua et un humanoïde accroupi dans l’étreinte extatique d’une tête de chou Filderkraut sournoise et clignotante. Mais il y a toujours une intimité étrange, mais familière, qui éclate en toute clarté. — Layla Halabian, rédactrice culturelle
Aristote Forrester
Vigoureusement texturées et rendues dans des couleurs vives – dont beaucoup Aristote Forrester fabrique lui-même en broyant à la main des pigments et de l’huile – ces peintures abstraites vous mettent au défi de continuer à chercher. Originaire du South Side de Chicago et maintenant basé à New York, une grande partie de son travail porte sur des preuves personnelles et historiques d’injustice raciale. Forrester met en œuvre des symboles souvent avec une approche cubiste ; avec des figures comme le cavalier, le drapeau, le masque et le fugitif, il remet en question les constructions raciales et examine les structures de pouvoir. — SJ
Vanessa Gully-Santiago
Les recoins sombres et inconnaissables de soi sont pleinement exposés dans le retour de Vanessa Gully-Santiago à l’autoportrait, où l’esprit et le corps deviennent une prison indésirable. Dans Autoportrait en robe rouge, l’utilisation par Gully-Santiago de teintes pourpres sanglantes sur un blanc éclatant évoque l’inquiétude et le malaise, les visages étant juste assez flous pour imiter la brume implacable de l’inquiétude. Mais l’horreur psychologique du corps s’accompagne également d’une nostalgie. Dans Arbre d’amour, l’utilisation par l’artiste de lettres d’adieu manuscrites et d’autocollants, des artefacts de l’école maternelle, rappelle que « même si vous êtes seul maintenant, à un moment donné, les gens ont pris soin de vous ». — LH
Kat Lowish
Les peintures réalistes de Kat Lowish sont si hypnotiques qu’elles ont un effet presque sédatif. En utilisant des couleurs douces, elle restitue magnifiquement les moments calmes de l’enfance : des chaussettes de couleur cardinale suspendues dans une baignoire, un chat tigré regardant une ombre, un doigt annelé cueillant des crevettes dans une assiette. Mais la partie la plus fascinante de son travail est son étrange capacité à peindre la lumière et l’ombre, donnant un sentiment palpable de solitude sereine. — SJ
Sofia Shpurova
Sof’ya Shpurova marche sur la corde raide entre l’énervant et l’empathique. L’artiste intègre dans son œuvre des éléments de la peinture d’icônes russes de son pays natal, notamment à travers des yeux agrandis, vigilants, peut-être même tourmentés. Les peintures de Shpurova semblent à la fois mystiques et brutes, comme des artefacts précieux d’un royaume onirique, se brouillant et s’estompant rapidement sous la lumière crue et pénétrante de la réalité. — LH
Anthony Cudahy
Les peintures d’Anthony Cudahy ressemblent aux ponts de chansons d’amour et aux accords étonnamment tendres qui les lient toutes ensemble. S’inspirant des traditions de peinture médiévale et folklorique et en s’approvisionnant en images d’Instagram, de photos de films, d’images d’archives queer et de la vie réelle, Cudahy rend des figures masculines dans des couleurs riches, élevant le romantisme des petits moments avec un œil tendre, évoquant la nostalgie des souvenirs réels ou imaginaires. . — SJ
Hannah Colline
L’art d’Hannah Hill est une lettre d’amour au Grand Sud. Le peintre né en Alabama et basé à Brooklyn plonge dans les spectres obsédants du folklore du Sud pour un travail généreux non seulement en couleurs et en ambiances, mais aussi en désir ardent. Il y a des souvenirs dispersés du féminin divin gothique du Sud présents dans les peintures à l’huile à grande échelle de Hill : d’une grue bleue volante plongeant avec une majesté mythologique à une silhouette sombre traversant une clôture en grillage dans l’obscurité, avec seulement une épée ésotérique rougeoyante pour éclairer l’obscurité. chemin. — LH
Willa Nasatir
Willa Nasatir, originaire de Los Angeles, est une ancienne fille de Flickr qui, adolescente, a travaillé chez American Apparel en tant que protégée du directeur créatif de la marque, prenant des photos et créant des publicités pour l’entreprise. Son expérience en photographie influence ses peintures récentes, faisant écho à la platitude de l’imagerie photographique, contrastant avec la dynamique propulsive de ses peintures abstraites psychédéliques qui frisent le surréalisme. Utilisant des images comme les dents, les rayons X et les jouets d’enfants, Nasatir s’intéresse à la distorsion, à la logique des rêves et aux perspectives psychanalytiques. — SJ
Caleb Hahne Quintana
Une partie de la pratique du peintre Caleb Hahne Quintana, né à Denver et basé à New York, consiste à récupérer son identité mexicaine. Ses peintures exquises et personnelles, comme celle d’une main brossant les cheveux ambrés de sa mère, donnent l’impression d’accéder brièvement à la mémoire de quelqu’un d’autre, pour découvrir ensuite que c’est un rêve. Une grande partie de son travail se déroule dans la lumière mélancolique mais pleine d’espoir du crépuscule. Utilisant des dégradés succulents, son travail se transforme en un sentiment de dévotion difficile à cerner. Il est largement attiré par les paysages naturels – l’eau en particulier est un motif – qu’il s’agisse d’une peinture représentant un personnage flottant en fumant une cigarette, ou d’un homme debout sur un étalon noir jusqu’à ses mollets dans le sable blanc et l’eau cyan de l’océan. — SJ
