“Nosotros damos forma a nuestros edificios y luego ellos nos dan forma a nosotros”, dijo Winston Churchill sobre la Cámara de los Comunes. Esto también se aplica a la Galería Nacional, el edificio más emblemático de la vida cultural británica.
La galería celebra su 200 cumpleaños el 10 de mayo con el lanzamiento del proyecto NG200, que durará un año. Esto incluye la exitosa exposición. Van Gogh: poetas y amantes; “El triunfo del arte” de Jeremy Deller, un encargo con comunidades de todo el país que reúne “innumerables ejemplos de alegría y arte en el activismo” y que culmina con una actuación en Trafalgar Square; y mejorar el ala Sainsbury, hogar de las primeras pinturas del Renacimiento de la galería, “para mejorar la bienvenida que brindamos”.
Desde el arte elevado hasta la insistencia en la inclusión y la extensión, el programa es característico del acto de equilibrio distintivo y finamente afinado entre continuidad y cambio que ha marcado la historia de este museo.
“Tenemos la enorme responsabilidad de transmitir a las generaciones futuras un legado de extraordinaria importancia: el edificio y las pinturas, por supuesto, pero también el depósito de conocimientos que conlleva la galería, la tradición de apertura y accesibilidad, la sensación de que pertenece a todos”, me dice el director Gabriele Finaldi.
“Cuando se creó la Galería Nacional en 1824, numerosos países europeos ya contaban con florecientes galerías de arte públicas”, explica. «Estaba en juego el orgullo nacional, pero también estaba la ambición de crear una institución que proporcionara beneficio público».
En 1824, el Parlamento compró 38 cuadros de la propiedad del empresario John Julius Angerstein, exhibidos en su casa de Pall Mall. Estas pinturas estelares: el retrato del poder fundacional de Rafael “Papa Julio II” (1511); el tumultuoso “La violación de las sabinas” de Rubens (c1635-40); El “Puerto marítimo con el embarque de la reina de Saba” (1648) de Claude, que hizo llorar a Turner, se convirtió en el núcleo de la colección de la Galería Nacional.
Realmente entraron en la esfera pública en 1838, cuando la galería se mudó a Trafalgar Square, el sitio elegido (en contra de los contraargumentos que favorecían los espacios más grandes y verdes de Kensington) por su accesibilidad a todas las clases sociales, tanto del este como del oeste. Este objetivo estaba escrito en el edificio neoclásico elegantemente sobrio y de escala modesta de William Wilkins, que hablaba con autoridad sin intimidación. Contrastaba marcadamente con las connotaciones autocráticas de los palacios reales de Europa (el Louvre, el Prado, el Hermitage) que ya funcionaban como museos nacionales, basados en vastas propiedades principescas.
“Para dar a la gente un disfrute ennoblecedor”, los parlamentos victorianos financiaron la colección en expansión. Ahora, con 2.300 obras, sigue siendo más pequeño que muchos equivalentes europeos y no cuenta con fotografías de destinos, como la “Mona Lisa” del Louvre (c1503-1519), “Las Meninas” del Prado (1799), ni identidad nacional, como ocurre con el Los cuadros holandeses del Rijksmuseum o el Renacimiento italiano en la Galería Borghese de Roma. Pero triunfó un enfoque pluralista de adquisiciones: ningún grupo de pinturas destila la historia del arte occidental con tanta maestría y encanto.
¿Qué puede ofrecer la Galería Nacional, este bien cultural arraigado en la Ilustración y los ideales victorianos de progreso social, a Gran Bretaña y al mundo al entrar en su tercer siglo? La demanda y la comprensión del arte son infinitamente más complejas que en 1824, lo que genera cuatro desafíos clave. En primer lugar, aunque la pintura del Renacimiento sigue estando en los corazones de los amantes del arte, la exposición más concurrida en la galería es Leonardo da Vinci: pintor en la corte de Milán (2011), con 320.000 visitantes; las obras más vistas en línea son “Arnolfini Portrait” de Van Eyck y “Ambassadors” de Holbein (1533); lo que constituye arte visual es ahora algo más grande, que va más allá de las paredes y las galerías, como lo demuestra el encargo NG200 de Deller.
En segundo lugar, el arte opera en contextos globales, no nacionales; La competencia para adquirirlo y exhibirlo proviene de todos los continentes. Sin embargo, en Gran Bretaña también hay presión para descentralizar; Las galerías regionales inglesas son más débiles que las de Francia, Italia y Alemania. En tercer lugar, millones de personas más encuentran virtualmente las obras maestras de la galería que realmente.
En parte como resultado, el número de visitantes en persona se redujo recientemente a la mitad: de 6 millones en 2019 a 3 millones en 2023. Específicamente, admite Finaldi, “la pandemia nos dejó con una crisis. . . y trajo consigo cambios significativos en la vida y los hábitos de las personas. . . Queremos ser percibidos como la galería de la nación. . . Eso significa repensar nuestros programas, dónde centramos nuestra investigación y cómo interactuamos con las personas”.
Una respuesta es llevar el arte a la gente en lugar de acercar a la gente al arte. Botticelli a Van Gogh, la visita de la galería al Museo de Shanghai en 2023, fue la exposición especial con mayor asistencia de su historia: 420.000 visitantes. En cuanto a subir de nivel, Art Road Trip de NG200 enviará una docena de pinturas principales de viaje. “La cena de Emaús” (1601) de Caravaggio viaja a Belfast y se proyecta junto con las películas de Cornelia Parker. El desnudo de Velázquez “The Rokeby Venus” (1647-51) visita Liverpool para una exhibición “desafiando las lecturas tradicionales al colocarla junto a obras de arte de mujeres y artistas no binarios”. La compañía de danza Junk Ensemble da la bienvenida al “Autorretrato como Santa Catalina de Alejandría” de Artemisia Gentileschi (c1615-17) en Birmingham interpretando cuadros que reflejan sus composiciones.
Estas iniciativas demuestran un cuarto desafío sísmico reciente: la política de género condiciona las decisiones curatoriales. Un hito fue la compra en 2018 del paralizante “Autorretrato” de Gentileschi, fundamental para transformar las suposiciones sobre la contribución de las mujeres del Renacimiento.
Sólo 21 pinturas en la Galería Nacional son de mujeres, un número asombrosamente bajo, incluso teniendo en cuenta que la colección refleja inevitablemente el dominio masculino histórico. ¿Cómo afrontar eso? En dos exposiciones pioneras en 2023, las mujeres reinventaron las narrativas patriarcales de la historia del arte. Paula Rego: El jardín de Crivelli mostró su tremendo mural de figuras femeninas, algunas inspiradas en el personal de la galería, representando historias contemporáneas de maternidad, educación de la mujer, amistad y creación artística, inspiradas en la “Anunciación” y la “Madonna de la Golondrina” de Crivelli.
En Nalini Malani: Mi realidad es diferente, las películas autodenominadas “despojadoras o profanadoras” del videoartista nacido en Karachi superponen imágenes de viejos maestros con figuras de animación subvertidas, criticando el racismo, la misoginia y la mirada masculina en pinturas que incluyen la sexy “Una alegoría con Venus y Cupido” de Bronzino (c1545). y “La familia de Darío antes de Alejandro” de Veronese (1565-7), que narra la invasión de Asia por parte del guerrero griego. La pieza de Malani me pareció intimidatoria, pueril, pero aplaudo el Programa Contemporáneo que invita a artistas vivos a responder a la colección.
Además de ser un hogar para bellas artes, Finaldi quiere que la galería sea un lugar donde la gente “venga y piense en las grandes cuestiones de nuestro tiempo y en cómo el presente está conectado con el pasado”. El “Jardín de Crivelli” nos ayuda a lograrlo. Hasta la actual reconstrucción estuvo colgado en el restaurante; Los planes para ello son inciertos, pero cuando el ala Sainsbury reconfigurada vuelva a abrir en 2025, el mural de 10 metros de Rego debe ser prominente y duradero.
El historiador de la arquitectura John Summerson comparó una vez la fachada de Wilkins con su pequeña cúpula y torretas con “un reloj y jarrones sobre una repisa de chimenea”; la alusión doméstica, con intención crítica, implicaba lo bien que se sienten aquí los visitantes. En dos siglos, este edificio y su decoración, así como sus colecciones, han acogido tantas y diversas contribuciones individuales: la suntuosa hilera de galerías de Edward Barry alrededor de la sala Octágono (1876); los mosaicos de suelo Deco de Boris Anrep con Virginia Woolf y Bertrand Russell como musas; el Ala Sainsbury (1991), todavía debatido como pastiche de compromiso o icono posmoderno. Qué magnífico palimpsesto del gusto, la adaptabilidad y la energía cooperativa británicos: una historia en constante evolución de lo que pueden ser el arte y un museo.