En el mundo del arte, pocos medios resultan tan viscerales como una pintura. Está la incesante atención al detalle de los pintores fotorrealistas, las angustiosas representaciones de la psique y el éxtasis absoluto de las obras repletas de deseo. Artistas como Lizzy Lunday se centran en el artificio de la obsesión, mientras que otros como Sara Birns deforman y remodelan el rostro humano para jugar con el significado del reconocimiento. Un lienzo es todo lo que se necesita para centrar al espectador en el momento presente, para atravesarlo y tocar el espíritu y, en el camino, remodelar la perspectiva. Para la edición de arte de 2023, NYLON le ofrece la generación más nueva de artistas talentosos y emocionantes, aquellos que están traspasando los límites en el medio en constante evolución de la pintura, y que apenas están comenzando.
lizzy lunday
Lizzy Lunday pinta escenas de glamour contemporáneo con la lógica de los sueños. El artista radicado en Brooklyn realiza pinturas a gran escala, similares a collages, de imágenes extraídas de la cultura pop, en particular de las redes sociales y el culto a los reality shows. Tomando prestado del género de la pintura histórica, un estilo de pintura acuñado en la Francia del siglo XVII para obras grandiosas que capturaron momentos importantes de la guerra, así como de la Biblia, la obra caleidoscópica de Lunday no solo satiriza nuestra exaltación de las figuras de la cultura pop, sino que también recorta y los distorsiona, creando caricaturas nuevas y fascinantes que distorsionan nuestra percepción de la realidad. “Clasped”, por ejemplo, recuerda la memorable foto de Bella Hadid llorando en el último partido de Serena Williams, que muestra una figura parecida a Hadid con las manos juntas en una oración en una paleta de coral, rosas y naranjas. La obra, en definitiva, expone el artificio de la obsesión, todo a grandes pinceladas y colores deliciosos. — Sophia June, escritora cultural
Sara Birns
Las pinturas de Sara Birns son surrealistas y totalmente paralizantes. El estilo de Birns se remonta a los viejos maestros: pinturas al óleo llenas de emoción y una vívida mezcla de detalles. Hay un trasfondo de comedia en su trabajo. Los rasgos faciales se deforman y, con ellos, las señales de reconocimiento. A veces es la intensidad de la piel carnosa, los dientes amarillentos y estriados y los labios secos y agrietados. Otras veces, los suaves mechones de pelo celestiales en las orejas de un cachorro chihuahua y un humanoide agachado en el abrazo extático de una astuta y guiñante cabeza de repollo Filderkraut. Pero siempre hay una intimidad extraña pero familiar que estalla con total claridad. — Layla Halabian, editora cultural
Aristóteles Forrester
Con texturas vigorosas y colores llamativos (muchos de los cuales Aristóteles Forrester crea él mismo moliendo a mano pigmentos y óleos), estas pinturas abstractas te desafían a seguir mirando. Originario del lado sur de Chicago y ahora radicado en Nueva York, gran parte de su trabajo trata sobre evidencia personal e histórica de la injusticia racial. Forrester implementa símbolos a menudo con un enfoque cubista; Con figuras como el jinete, la bandera, la máscara y el fugitivo, cuestiona las construcciones raciales y examina las estructuras de poder. — SJ
Vanessa Gully Santiago
Los rincones oscuros e incognoscibles del yo quedan plenamente expuestos en el regreso de Vanessa Gully-Santiago al autorretrato, donde tanto la mente como el cuerpo se convierten en una prisión no deseada. En Autorretrato con vestido rojo, el uso que hace Gully-Santiago de tonos carmesí sangrientos contra un blanco puro evoca preocupación e inquietud, rostros borrosos lo suficiente como para imitar la implacable neblina de preocupación. Pero con el horror psicológico del cuerpo también viene la aceptación del anhelo. En árbol de amor, El uso que hace el artista de cartas y calcomanías de despedida escritas a mano, artefactos del preescolar, sirve como recordatorio de que “incluso si ahora estás solo, en algún momento la gente se preocupó por ti”. — LH
Kat Lowish
Las pinturas realistas de Kat Lowish son tan hipnóticas que tienen un efecto casi sedante. Usando colores apagados, representa maravillosamente momentos tranquilos de la niñez: calcetines color cardenal colgados en una bañera, un gato atigrado mirando una sombra, un dedo anular recogiendo camarones de un plato. Pero la parte más fascinante de su trabajo es su asombrosa habilidad para pintar luces y sombras, dando una sensación palpable de serena soledad. — SJ
Sofía Shpurova
Caminando por la cuerda floja entre lo desconcertante y lo empático está Sof’ya Shpurova. La artista entreteje elementos de la pintura de iconos rusos de su tierra natal en su obra, particularmente a través de ojos ampliados, vigilantes, tal vez incluso atormentados. Las pinturas de Shpurova se sienten a la vez místicas y crudas, como preciosos artefactos de un reino de ensueño, que rápidamente se desdibujan y desvanecen ante la dura y penetrante luz de la realidad. — LH
Antonio Cudahy
Las pinturas de Anthony Cudahy se sienten como los puentes de las canciones de amor y los acordes sorprendentemente tiernos que las unen a todas. A partir de tradiciones pictóricas medievales y populares y obteniendo imágenes de Instagram, fotogramas de películas, imágenes de archivo queer y la vida real, Cudahy representa figuras masculinas en colores intensos, elevando el romance de los pequeños momentos con una mirada tierna, evocando nostalgia de recuerdos reales o imaginarios. . — SJ
hanna colina
El arte de Hannah Hill es una carta de amor al Sur Profundo. El pintor nacido en Alabama y residente en Brooklyn se sumerge en los inquietantes espectros del folclore sureño en un trabajo que es generoso no sólo con el color y el estado de ánimo, sino también con un deseo ardiente. Hay recuerdos dispersos de la divinidad femenina del gótico sureño presentes en las pinturas al óleo a gran escala de Hill: desde una grulla azul voladora que se abalanza con majestuosidad mitológica hasta una figura sombría que camina a través de una cerca de tela metálica hacia la oscuridad, con solo una espada esotérica brillante para iluminar el forma. — LH
Willa Nasátir
Willa Nasatir, nativa de Los Ángeles, es una ex chica de Flickr que, cuando era adolescente, trabajó en American Apparel como protegida del director creativo de la marca, tomando fotografías y creando publicidad para la empresa. Su experiencia en fotografía influye en sus pinturas recientes, haciéndose eco de la planitud de las imágenes fotográficas, en contraste con la dinámica propulsora de sus pinturas psicodélicas y abstractas que rayan en lo surrealista. Utilizando imágenes como dientes, rayos X y juguetes infantiles, Nasatir se interesa por la distorsión, la lógica de los sueños y las perspectivas psicoanalíticas. — SJ
Caleb Hahne Quintana
Parte de la práctica del pintor Caleb Hahne Quintana, nacido en Denver y radicado en Nueva York, consiste en reclamar su identidad mexicana. Sus pinturas exquisitas y personales, como una de una mano que cepilla el cabello ámbar de su madre, dan la sensación de tener un breve acceso a la memoria de otra persona, sólo para descubrir que es un sueño. Gran parte de su trabajo se desarrolla bajo la melancólica pero esperanzadora luz del crepúsculo. Utilizando deliciosos degradados, su trabajo se convierte en un sentimiento de devoción difícil de precisar. Se siente atraído en gran medida por los paisajes naturales (el agua en particular es un motivo), ya sea una pintura de una figura flotando mientras fuma un cigarrillo o un hombre de pie sobre un semental negro hasta las pantorrillas en arena blanca y agua de océano cian. — SJ
