01.DAVY GRAHAM: “Será mejor que lo hagas en tu alma”, 1964
El guitarrista folk británico Davy Graham fue un coleccionista de toda la vida. Ya desde muy joven, a principios de los años sesenta, viajó por el mundo en busca de sonidos nuevos y exóticos, estudiando música folclórica de Grecia y el norte de África, blues y jazz. En 1964, en su disco “Blues, Folk & Beyond”, versionó canciones de Bob Dylan, Leadbelly y Willie Dixon con su característico estilo de punteo, así como “Better Git It In Your Soul”, pieza del bajista de jazz estadounidense. y el compositor Charles Mingus.
02. DONOVAN: “La calle Sunny Goodge”, 1965
La música de Charles Mingus también llega al metro de Londres. Más específicamente, en una escena callejera frente a la estación de metro en Goodge Street, sobre la cual Donovan canta en su álbum de 1965 “Fairytale”: “Escuchar los sonidos de Mingus, suaves, fantásticos”, dice. En esta canción folk urbana se puede escuchar la influencia de Dylan y los beats, pero también del jazz, que se nota especialmente a través de la contribución del flautista jamaicano Harold McNair. De hecho, McNair había tocado con Mingus en la sala de ensayo cuatro años antes y también se le puede escuchar en discos de Nick Drake, John Martyn, Ginger Baker y Jimi Hendrix.
03. PENTÁNGULO: “Enredando”, 1968
Cuando se le preguntó si Pentangle era una banda de folk-rock, el guitarrista John Renbourn hizo una mueca de dolor. En todo caso, ¡entonces folk jazz! Lo que quiere decir exactamente ya se puede escuchar en su debut, “The Pentangle” de 1968, especialmente en el programático “Pentangling”, en el que las voces de Jacqui McShee y Bert Jansch se arremolinan entre sí, así como las guitarras de Jansch y Renbourn. . Las estrellas de la grabación, sin embargo, son el baterista Terry Cox y el bajista Danny Thompson, quienes no sólo forman la base elástica de este tema, sino que también se abren paso una y otra vez en primer plano de una manera virtuosa pero discreta.
04. VAN MORRISON: Semanas Astrales, 1968
En “Astral Weeks” Van Morrison estuvo acompañado por toda una banda de jazz. El bajista Richard Davis había tocado anteriormente en discos del saxofonista y clarinetista Eric Dolphy, el guitarrista Jay Berliner en «The Black Saint And The Sinner Lady» de Charles Mingus, la baterista Connie Kay pertenecía al Modern Jazz Quartet, el vibrafonista Warren Smith ya había tocado para Miles Davis sólo el joven flautista John Payne no tenía méritos en el jazz, pero tenía un título en Harvard. La interacción de estos músicos en la canción principal del clásico de Morrison es tan embriagadora que te lleva a esferas superiores.
05. JUAN MARTÍN: Camino a la ruina, 1970
El jazz siempre estuvo omnipresente con John Martyn. El flautista Harold McNair tocó en su segundo álbum de 1968, y en el segundo trabajo con su esposa Beverley, “The Road To Ruin”, trabajó por primera vez en una pieza con el bajista de Pentangle Danny Thompson, que sería suyo en el Los próximos años deberían convertirse en el socio creativo más importante. Pero en la canción principal, el saxofonista sudafricano Dudu Pukwana es el coprotagonista. Por cierto, las congas las toca el percusionista ghanés Rocky Dzidzornu, a quien también se puede escuchar en “Sympathy For The Devil” de los Rolling Stones.
06. TIM BUCKLEY: “Monterrey”, 1970
Las raíces folk de Tim Buckley, que todavía eran evidentes en su debut en 1966, ya no se escucharon cuatro años después. Ya las grabaciones de su gira por el Reino Unido dos años después (con Danny Thompson al bajo) y su tercer álbum, “Happy Sad” (1969), demostraron que el jazz se estaba convirtiendo poco a poco en su principal inspiración. En “Starsailor” (1970), Buckley finalmente deja que su voz suene tan salvaje e ilimitada como Pharoah Sanders hace sonar su saxofón en sus momentos espirituales.
07. LAURA NYRO: Arriba, junto a una lámpara china, 1970
La compositora estadounidense Laura Nyro nunca fue una cantante folk, a pesar de que su primer álbum se publicó con el sello Folkways y a menudo la comparaban con Joni Mitchell. Pero los dos artistas se encuentran más estrechamente en su proximidad al jazz que al folk. En uno de sus mejores álbumes, «Christmas And The Beads Of Sweat» (1970), a Nyro se unen, entre otros, la arpista (y saxofonista viuda de Dios) Alice Coltrane, el bajista Richard Davis (ver «Astral Weeks») y el flautista/ saxofonista Acompañado por Joe Farrell, quien tocó en la banda del pianista Chick Corea y trabajó con Charles Mingus y Andrew Hill.
08. TERRY LLAMADOR: «No puedo atrapar al Trane», 1973
“The New Folk Sound Of Terry Callier” era el nombre del debut del cantante y guitarrista de Chicago, grabado en 1964 y lanzado en 1968 en el sello de jazz Prestige. Pero ya se podían escuchar sus ambiciones de soul y jazz en estas interpretaciones de viejos tradicionales. Esto finalmente quedó claro cuando apareció como compositor en los siguientes álbumes. En «I Just Can’t Help Myself» de 1973, no sólo versiona «Satin Doll» de Duke Ellington, sino que también interpreta este maravilloso homenaje gratuito a John Coltrane con una banda fabulosa.
09. JONI MITCHELL: Edith y el pivote central, 1975
Nadie ha unido el folk y el jazz de manera más seductora y convincente que Joni Mitchell. Por qué la gente todavía no quiere asignar a su música un nombre de género como «folk-jazz» también lo demuestra «Edith And The Kingpin», inspirada en Edith Piaf, de la obra maestra de Mitchell «The Hissing Of Summer Lawns». No se trata de imitación ni de homenaje, aquí no se ven costuras ni piezas. Esta música es tan unificada y tan única que la única caja en la que cabe tiene la etiqueta «Joni Mitchell».
10. MARCA HOLLIS: «Cuenca», 1998
Más de 20 años después de Joni Mitchell, otro músico probó su propia e idiosincrásica mezcla de folk y jazz (y música clásica moderna): el británico Mark Hollis tuvo algunos éxitos de synth-pop con Talk Talk en los años ochenta, y luego llevó a la banda a reinos esotéricos, hacia el jazz modal y la improvisación. Después de su último trabajo, “Laughing Stock” (1991), Hollis le debía a su discográfica Polydor un álbum más y acabó grabando quizás el trabajo más tranquilo e introspectivo de la historia del pop. Un álbum de sonidos no reproducidos, para el que incluso un título habría sido demasiado. Por eso la portada sólo dice: «Mark Hollis».