La banda de blues más exitosa de Gran Bretaña se formó en el verano de 1967, cuando el boom del blues parecía ser cosa del pasado. Londres estaba loca por el pop, la música y la sombrerería eran llamativas, el paspartú se llamaba Psicodelia. La atracción de los nuevos sonidos fue tan poderosa que incluso los protagonistas más importantes de la escena británica del R&B habían renunciado hacía tiempo al blues en blanco y negro y habían descubierto por sí mismos la paleta de colores del pop.
Los Rolling Stones, Manfred Mann, Pretty Things, Animals, Moody Blues, Yardbirds y Zombies se contagiaron del pop, pero sólo unos pocos grupos se mostraron inmunes, sobre todo los Bluesbreakers de John Mayall. Más una escuela de blues que una estructura grupal sólida, el grupo fluctuante de Mayell sirvió como una fábrica de talentos y un calentador instantáneo para pedidos superiores. Eric CIapton y Mick Taylor aprendieron aquí, y Mick Fleetwood, John McVie y Peter Green tocaron juntos por primera vez, aunque sólo fuera durante unos meses.
El estricto régimen de Mayall (el alcohol estaba peor visto incluso que el pop) provocó la separación después de que Mayall despidiera a Fleetwood y McVie por presentarse borrachos. Al mismo tiempo, el productor de Decca House, Mike Vernon, formó su propio sello, Blue Horizon, y presentó a los guitarristas Peter Green y Jeremy Spencer. Se llevaron bien de inmediato, se juntaron y llamaron a la nueva formación Fleetwood Mac.
El primer single lanzado en noviembre fue el no muy prometedor «I Believe My Time Ain’t Long», escrito por Elmore James, el gran modelo a seguir de Spencer. Una influencia que difícilmente se puede escuchar en el LP debut. Simplemente se llama «Peter Green’s Fleetwood Mac» (★★★★), aparece en febrero de 1968 y contrasta las carreras ágiles de Spencer con los lamidos más tranquilos y líricos de Green. La mayor parte del material proviene de fuentes antiguas, casi muertas, como Robert Johnson y Howlin’ Wolf.
No obstante, el álbum se convirtió en un éxito de ventas, alcanzando el número 4 en las listas del Reino Unido. El segundo LP para Mac fue lanzado en agosto de 1968, pisándole los talones a dos pequeños sencillos: «Black Magic Woman» y «Need Your Love So Bad», el primero como modelo para el coqueteo posterior de Santana, el segundo como modelo. para derivados del blues más conmovedores. El álbum «Mr. Wonderful” (★★★1/2) vuelve a estar entre los diez primeros y, además del delta slide y los greens de Spencer, ofrece una interpretación poética y siniestra, así como instrumentos de viento y una tecladista llamada Christine Perfect.
A finales de 1968, Mac escaló una cima que nadie había pensado que podría alcanzar: «Albatross» lideró las listas de sencillos y vendió cuatro millones de copias en todo el mundo, seguido en abril de 1969 por un éxito aún mejor, igual de exitoso: «Man De.»El Mundo». Mientras tanto, se había contratado a un tercer guitarrista principal, Danny Kirwan, lo que hizo que el conjunto tocara aún más multifacético.
Fleetwood Mac cambia a Reprise, mientras que Blue Horizon lanza un LP con «Pious Bird Of Good Omen» (★★★), igualmente superfluo que «English Rose» (★★★) diseñado para el mercado estadounidense. El primer álbum repetido es «Then Play On» (★★★★), aparece en otoño del 69 y marca un impulso creativo, innovador, introspectivo de múltiples capas y que culmina en la épica de rock completamente progresivo «Oh Well».
En mayo de 1970, Peter Green dejó su banda, emocionalmente destrozado. El single «The Green Manalishi» es una prueba final de logro para la antigua formación de Mac, mientras que el LP «Kiln House» (★★★1/2 ) ya está grabado sin Green y es estilísticamente coherente, pero falla en el comercialmente.
Jeremy Spencer abandona y es reemplazado por el estadounidense Bob Welch, Christine McVie pasa a una posición más central en la entrega de canciones y los siguientes álbumes Future Games (1971, ★★1/2) y Bare Trees (1972, ★ ★★) ayudan a establecer finalmente la banda en los EE. UU. con su sentimiento de la costa oeste y su estilo de rock suave, mientras que los discos del Reino Unido son casi completamente ignorados. Un proceso acelerado por el despido de Danny Kirwan y el empleo temporal del vocalista de rock Dave Walker.
Los álbumes resultantes «Penguin» (1973, ★★) y «Mystery To Me» (1973, ★★) muestran ventas razonables en Estados Unidos, pero muestran a la banda en su punto más bajo artístico. «Heroes Are Hard To Find» (1974, ★★1/2) es algo mejor, tras lo cual Bob Welch deja la banda después de cuatro años, desmoralizado por emergencias personales y peleas melodramáticas, Fleetwood Mac está en espera. Hasta que Mick Fleetwood escuche un LP llamado «Buckingham Nicks» y se abra el capítulo de California…
¿A dónde se fue el blues? ¿Fue arrastrado como una rata de carga muerta antes de que el albatros volara hacia el cálido oeste y Fleetwood Mac se mudara a Los Ángeles? Esta ecuación trivial sería muy agradable, pero por supuesto no es cierta, porque – como dije – el pop había llegado gradualmente a Londres después de la partida de Peter Green.
Para la pareja de artistas formada por los recién llegados Nicks y Buckingham, blues era como mucho una palabra genial, y sólo a veces uno cree poder escucharla más tarde, desde lejos: en las contribuciones de Christine Mc Vie a canciones como «Sugar Daddy» y » Don’t Stop’, en la letra (‘Been down one time/ Been down two times’), en ‘Gold Dust Woman’ de Stevie Nicks, en el único personaje característico de Lindsey Buckingham que siempre ha recordado firmemente hasta el día de hoy. de nuevo en seco (escuchado de manera más inequívoca en la presentación en vivo de «Big Love» en «The Dance»).
Un blues tierno, como predice el pulgar. El blues al que todo grupo de pop se entrega de vez en cuando. Si hoy dices que los post-Green Fleetwood Mac fueron la banda con más drama, también debes preguntar: ¿Por qué este drama nunca ha encontrado su camino en la música?
Ya en el pastoral «Landslide» de «Fleetwood Mac» (1975, ★★★1/2), el primer álbum sin Welch, con Nicks y Buckingham, Stevie Nicks canta sobre su problema amoroso: «He tenido miedo de cambiar ‘/ Porque he construido mi vida a tu alrededor/ Pero el tiempo te hace más audaz/ Y los niños crecen/ Y yo también me estoy haciendo mayor’ Y, sin embargo, suena tan sabio y radiantemente hermoso e ileso.
Su «Rhiannon» fue el modelo de la sensualidad fría que aportó a la banda, perfectamente orquestada por su novio Lindsey con un gancho de guitarra fácil de entender. El primer coproducto de los compositores Nicks, Buckingham y Christine McVie, un gremio sin precedentes en ese momento, parece una colección de singles de boogie de la costa oeste y sol de los sesenta, con éxitos indescriptibles, también con el kitsch de piano de Rhodes («Crystal ‘) y un solo para guitarras gemelas (‘I’m So Afraid’). Un álbum homogéneo, un verdadero esfuerzo grupal, Fleetwood Mac Mark II no tuvo éxito ni siquiera cuando eran un grupo real.
Sin embargo, “Rumours” (1977, ★★★★1/2) no se puede explicar. Un disco en el que pueden estar de acuerdo un número inimaginablemente grande de personas, ya que de lo contrario sólo se encuentran en los refrescos o en las estanterías empotradas. Música para sentirse bien, que sólo documenta su angustioso proceso de creación en las letras y que suena tan plausiblemente compuesta en la segunda y quincuagésima escucha – a pesar de la limitación mencionada – con la primera cara conmovedora y la segunda con resaca y sólo melodías fantásticas seleccionadas.
No hay ruido aquí, incluso el solo de Buckingham al final de «Go Your Own Way» es inevitable y es el momento más emocionalmente inmediato del disco. Maravilloso: cómo irrumpen las voces armónicas después del retardante “You Make Loving Fun” en “I Don’t Wanna Know”, cómo “Don’t Stop” realmente se detiene poco antes del final y aún así continúa. El bajo tenso en la pausa de «The Chain». La frase «¡Recoge los pedazos y vete a casa!» en «Gold Dust Woman». Un pináculo solitario de la literatura pop popular.
El único trabajo de Fleetwood Mac en el que la locura tuvo su merecido es «Tusk» (1979, ★★★★), más tarde cubierto en su totalidad por Camper Van Beethoven y al que se le atribuye el crédito florido «Producido por Fleetwood Mac (agradecimiento especial de la banda a Lindsey Buckingham). El hecho de que Buckingham, al quedarse solo como director musical, solo realizara sus propias piezas (9 de 20) como grabaciones caseras sin ruido, nobles de baja fidelidad y psicodélicas, blancas como la cocaína, con guitarras manipuladas y sonidos de batería caseros, puede verse como un gesto de cortesía, además de complacer a los nuevos vacilantes.
En cualquier caso, para ser un hombre rico, había entendido muchísimas cosas. Es sorprendente que McVie y Nicks lograran tener canciones tan excelentes listas dadas las condiciones de ese momento. Debido a la extensión y la confusión, por supuesto, más pesado que los «rumores». Definitivamente necesita ser redescubierto.
«Fleetwood Mac Live» (1980, ★★1/2) no. Después del decepcionante comercial «Tusk», se produjeron productos que incluso los idiotas podrían comprar. Con «Mirage» (1982, ★★) y «Tango In The Night» (1987, ★★) tuvieron un éxito brillante, pero artísticamente fue exactamente el paso hacia el abismo que Fleetwood Mac había bailado elegantemente durante tanto tiempo: What on Lo que ya era sentimental en las canciones ahora también estaba arreglado de manera cursi, con los sintetizadores de la época que habían estado en la receta del rock para adultos desde principios de los años ochenta.
Es desconcertante, pero claro, que todo lo bello se haya desvanecido tan rápida e irrevocablemente del trabajo de la banda. Gypsy fue la última actuación de terciopelo y seda de Stevie Nicks en el álbum Mirage antes de volverse loca. En «Behind The Mask» (1990, ★1/2), todavía estaba físicamente presente (a diferencia de Buckingham), pero no en «Time» (1995, ★), que la banda incluso eliminó de su discografía oficial.
La reunión no invitada en las fronteras de 1975 trajo mejores y peores interpretaciones de viejos favoritos y algunas nuevas actuaciones a medias en el álbum en vivo «The Dance» (1997, ★★1/2), el último álbum de estudio hasta ahora » Say You Will (2003, ★★) con todos, excepto Christine McVie, es más largo que «Tusk» con 76 minutos, no tiene ni la mitad de canciones que valga la pena mencionar, intenta clichés sonoros sin sentido que ponen los pelos de punta y suena en Al menos algunos de los mejores momentos del productor Buckingham, como el tipo de material radiofónico desechable que al menos todavía te enjabona en los lugares correctos.
Si eso es suficiente consuelo.
Un artículo del archivo RS.