En la mañana del primer espectáculo con entradas agotadas de FLO en la ciudad de Nueva York, los fanáticos comenzaron a hacer fila afuera de Webster Hall antes del mediodía. Cuando las chicas subieron al escenario más tarde esa noche, la audiencia estaba embelesada, bailando y cantando cada palabra con el mismo fervor que muestran los fanáticos en las giras de estadios mundiales. El zumbido del grupo femenino de R&B del Reino Unido se había abierto camino con éxito al otro lado del charco.
Cuando FLO apareció en escena en 2022 con su sencillo debut «Cardboard Box», un recuerdo seguro y satinado sobre cómo terminar una mala relación, Internet se volvió loco. Hubo comparaciones con otros actos de tres piezas que habían cambiado la cultura en el pasado, conversaciones sobre cómo eran la nueva llegada de Destiny’s Child o TLC. Las chicas tenían la estética al pie de la letra, armonías vocales brillantes y el carisma para unirlo todo. Desde entonces, ha sido todo menos una toma de posesión de FLO en toda regla; solo este año, el grupo ganó BBC Sound Of…, el Rising Star Award en los BRIT Awards y Best Push en los MTV Europe Music Awards.
El aumento de popularidad y elogios de la crítica de FLO inspiraron a su directora creativa, Amy Bowerman, que ha trabajado con actos masivos como BLACKPINK y Dua Lipa, mientras ideaba su gira debut. ¿Qué pasa si FLO realmente hizo tomar el control, ¿y si amamos cada segundo? Bajo la mirada creativa de Bowerman, el programa en vivo de FLO se centró en FLO TV, un viaje de canal en canal a través del programa de televisión pirata de FLO. “Para mí fue como si te sentaras a encender tu televisor y cada vez que pasaras de un canal a otro, simplemente tomaran el control”, explica a NYLON desde Londres. “Pero es una gran celebración de esta adquisición de FLO”.
Más adelante, Bowerman habla sobre su dinámica creativa con FLO, equilibrando la inspiración de los 90 con estilos contemporáneos y llevando la energía de los recorridos por estadios a lugares íntimos.
¿Cómo empezaste a trabajar con FLO? ¿Cómo se conectaron tú y las chicas?
He trabajado con Island, con quien están firmados, mucho antes. Tienen un gran grupo de creativos internos con los que he trabajado, y estuve conectado con su gerencia desde el principio. Creo que estuvimos charlando a principios del año pasado y tuvieron una actuación de Jimmy Kimmel. En realidad, estaba en Corea en ese momento en un trabajo diferente y tenía que hacer todo de forma remota. Estaba supervisando eso, y luego, cuando comenzaron a hacer esta ronda de giras, sus primeros shows que alguna vez hayan hecho, tan pronto como comenzaron a planificar esto, entré y me senté con las chicas, les hablé. sobre lo que querían hacer, y luego lo trajeron a la vida con ellos.
¿Cómo se te ocurrió el concepto de esta imagen de FLO TV que vemos durante el programa? ¿Tuviste alguna inspiración detrás de eso?
Creo que las chicas tienen una gran conexión y presencia con su audiencia. Mientras repasábamos las canciones, había una dinámica tan diferente. Cada vez que explicaban cosas era como, «Oh, esta es una historia diferente, y esta es una historia diferente». Y es como, ¿cómo reúnes algo para cada uno de ellos, especialmente siendo tres miembros? Obviamente dentro de ahí, hay diferentes historias para cada persona. Me senté allí y dije: «Está bien, me fui de esa reunión y escuché todo lo que pusieron en todo esto y hay mucha información aquí. Hay tantas formas diferentes de presentar esto».
Y sobre todo cosas, como vemos con “Summertime”, que tiene su pequeño microcosmos, y sobre todo “Feature Me” y “Fly Girl”. La única forma de armar esto es tener estos giros extremos a través de su mundo. Este es una especie de curso acelerado a través del mundo de FLO; Creo que también para los artistas como grupo y su infancia, ya tienen esta rica historia de sus experiencias, lo que quieren mostrar al mundo, cómo quieren contar su historia. Fue muy emocionante cuando les estaba hablando y había tanto para elegir. El concepto de televisión fue realmente una manera fácil de poder tener esos cambios importantes en un período de tiempo tan corto que podría llevar a la audiencia con nosotros a todas estas dimensiones diferentes.
recientemente vi un documental sobre Nam June Paik y eso suena como uno de sus primeros sueños: una televisión donde cada canal fuera un artista diferente. Ver FLO TV en el escenario se sintió como si capturara esa esencia de alguna manera.
Todo lo que estaba pensando es que, similar a su trayectoria, donde durante el año pasado cada artista nuevo o cualquier cosa que haya sido completamente sobre FLO, ese ha sido el gran grupo y es como si en todas partes fuera FLO. Para mí fue como, ¿qué pasa si te sientas para encender tu televisor y cada vez que pasas de un canal a otro, simplemente se hacen cargo? Pero es una gran celebración de esta adquisición de FLO. Y así es como percibí que el canal parpadeaba, porque si miras a tu alrededor en este momento, la estrella en ascenso de los británicos era FLO, estaban en la lista de sonidos de la BBC, etcétera. Así que parece que este año ha sido una adquisición de FLO.
Ver la energía que obtuvieron en Nueva York también fue muy especial. Disfruté bastante de los gráficos de FLO TV. Se sintieron nostálgicos sin ser empalagosos. ¿Estabas tratando de evocar una cierta época con ellos?
Tengo algunos diseñadores con los que trabajo muy de cerca, y la razón por la que lo hice es porque descubrí que con este había una línea muy fina, especialmente con el sonido evocador que tienen y las comparaciones que la gente ha hecho entre el grupo. y otros grupos de diferentes épocas. Todos éramos muy conscientes de que no parecía un gran retroceso, que no íbamos directamente a la yugular con un look muy travieso de los 90. Creo que en ese mismo nivel, esta adquisición de TV todavía tenía que tener una textura VHS. Todavía tenía que tener un grano. Estaba pensando en ello, cómo haría esto con cualquier otro artista y cómo una textura VHS se adapta a todos los mundos. Creo que todo el mundo piensa que eso se ve genial.
Yo estaba como, «Está bien, puedo hacer una cierta cantidad, pero siempre y cuando no vayamos demasiado lejos». Pasamos mucho tiempo mirando las computadoras y pensando: «¿Es esto demasiado, o podemos llevar esto un poco más lejos sin que sea demasiado en la nariz?» Estoy muy contento de que no haya aparecido de esa manera empalagosa, porque también tiene que seguir siendo actual. Creo que cuando hablas con las chicas, son súper jóvenes, me hacen sentir antiguo. Todo lo que les gusta es súper genial, súper actual.
Todo el mundo ama un retroceso; los 90 han llegado, los 2000 también han vuelto a la moda. ¿Cómo haces eso para recordar, pero también empujar hacia adelante? Mantenerlos en la posición de que sea una extensión de ellos porque son jóvenes y están muy actualizados y todo lo que son está muy en la nariz de lo que es genial y lo que está aquí ahora mismo. A menudo, en el contenido, no opto por usar tanta representación de la imagen real del artista, pero creo que tener la imagen allí también ayuda a estas nuevas audiencias. Aunque me ha sorprendido por completo que haya mega fans por ahí, así que tal vez no lo necesitábamos tanto, pero también poder ver una representación del artista dentro del concepto.
Has trabajado en estas mega giras. BLACKPINK es uno de los actos más grandes en este momento, Dua Lipa se hizo cargo durante el encierro. Fuera del presupuesto obvio, ¿cuáles son algunas de las mayores diferencias entre el tamaño de la gira desde un punto de vista creativo?
Honestamente, la siguiente gran diferencia es el espacio y el tamaño, porque creo que las aspiraciones siguen siendo las mismas. Es como, «¿Qué podemos hacer? ¿Qué podemos hacer para maximizar lo que tenemos aquí?» Incluso cuando trabajas en estas grandes mega giras, creo que la gente piensa que los artistas tienen cantidades infinitas de dinero, pero aún estás creando dentro de un presupuesto. Y el presupuesto siempre te afecta, sin importar cuán grande sea. Pero creo que te estás adaptando y tratando de aprovechar al máximo lo que tienes. Creo que, especialmente con estas giras en lugares más pequeños, es como, «¿Cómo los usamos para el enésimo grado absoluto?»
Creo que lo realmente interesante es que todos los elementos son iguales. Teníamos puesta en escena, coreografía, iluminación, también teníamos una banda bastante importante, como una banda de cuatro integrantes, que es lo mismo con BLACKPINK: tienen una banda de cuatro integrantes, por lo que permanece igual. La mayoría de los elementos y la cantidad de trabajo que necesitas hacer para juntarlos y convertirlo en un espectáculo que se sienta cohesivo es más o menos lo mismo. Se trata de cuánto tienes para jugar, cómo puedes maximizarlo para que se sienta lo más grande posible o incluso lo más pequeño posible. Creo que el problema con algunas de las giras más grandes es que tienes una gran cantidad de espacio. Es genial tener eso la mayor parte del tiempo, pero a veces quieres que se sienta realmente íntimo. Es bastante gracioso, porque especialmente después de la gira BLACKPINK del año pasado, donde están en los estadios, tienes una cantidad ridícula de espacio para intentar competir. Y definitivamente diría que las palabras “competir con” porque se convierte en otro desafío. Luego, llegando a un lugar más pequeño, hicieron su primer show Outernet, en Londres, y es una sala de 2,000 espectadores, pero aún así lo vi como, «Oh, hay mucho trabajo por hacer aquí, porque tenemos que aprovechar al máximo este espacio».
Esto es muy interesante. ¿Cómo haces para hacer grande un espacio pequeño?
Con este espectáculo, cuando tenemos la iluminación completa, tenemos esta apertura de contorno esbozado que se curva alrededor de las chicas. Esencialmente, está tratando de atraer la atención para que se vea lo más amplio y abierto posible. Estamos usando muchas líneas que crean ángulos. Si queremos hacer que algo parezca que tiene mucha profundidad, muchos artistas usan esto en su contenido donde tienes ese tipo de punto de fuga sin fin, o creas salas dentro del contenido detrás del artista para sentir que el escenario es más extenso. Usas líneas visuales con la iluminación para que se sienta como si hubiera un espacio interminable y cavernoso.
Con las chicas, tratamos de que se sienta lo más amplio posible. La banda está sentada, por lo que están en una posición en la parte inferior y superior del escenario, que normalmente verías a la banda plana en la parte de atrás, pero eso les da a las chicas profundidad para tocar porque tienen el escenario completo de adelante hacia atrás. Hay un montón de trucos que hemos usado, y creo que ese fue el primero que elegimos, la orientación de la banda, porque tienen una banda de cuatro integrantes, que ocupa mucho espacio en el escenario. Los empujamos hacia un lado, abrimos la posición central y luego tienen una forma de tener una coreografía completa.
Como mencionó anteriormente, existen estas correlaciones obvias entre FLO y otros actos nostálgicos. En términos de coreografía, ¿cómo equilibraste eso con un sentimiento fresco y contemporáneo?
Tuve mucha suerte. Su coreógrafo Cash capta la visión. Él es perfecto. FLO tiene estas armonías vocales increíbles, por lo que marcan esa delgada línea entre cuánto se mueven y cuánto necesitan para dar espacio a estas armonías vocales. Creo que Cash hizo un trabajo increíble allí, teniendo ese buen equilibrio de no estar en la coreografía completa todo el tiempo, y también permitiéndoles tener espacio para un poco de personalidad. Hay momentos en los que simplemente se mueven libremente por el escenario, y ahí es cuando comienzan a interactuar entre ellos y con la audiencia, y ahí es cuando sus personalidades realmente brillan. Se convierte en un momento muy divertido y agradable con el público.
Creo que lo que siempre estuvo a la vanguardia de todo esto es lograr ese equilibrio, especialmente mientras se encuentran con la forma en que se encuentran y lo que es un espectáculo de FLO. Miras un programa de K-pop y se hablará mucho, porque les encanta tener un momento con su audiencia. Miras un desfile de Adele, ella no deja de hablar. Y luego, en algunos programas, obtienes personas que no hablan en absoluto. No teníamos idea de cómo sería entrar en esto. Incluso las chicas decían: «Oh, ¿cuánto hablamos?» Tienen una gran conexión con su audiencia, por lo que definitivamente quieren tener eso de ida y vuelta. Todo eso consistía en lograr la cantidad correcta de coreografía, el tipo de coreografía, el estilo de coreografía, y luego poder ofrecer un espectáculo que contiene personalidad, tiene estos grandes momentos vocales, etcétera. Por suerte tenía Cash y creo que lo hizo maravillosamente.
Esta entrevista ha sido editada y resumida para mayor claridad.