Viste algunas cosas surrealistas durante los desfiles de moda otoño/invierno 2022 a principios de este año. No me refiero solo al espectáculo de prendas desafiantes desfiladas seis meses antes de que salgan a la venta, aunque definitivamente hay algo surrealista en eso. Sino más bien surrealismo en el sentido que le dio el escritor André Breton. Como escribió en su “Manifiesto del surréalismo” de 1924: “Creo en la resolución futura de estos dos estados, el sueño y la realidad, que aparentemente son tan contradictorios, en una especie de realidad absoluta, una surrealidad”. Suena a moda. De hecho, suena a Instagram, y mucho más de lo que ahora llamamos realidad.
Pero el compromiso de la moda con el surrealismo es a la vez más profundo y superficial. El extremo menos profundo de la piscina llega cuando los temas surrealistas influyen en las colecciones de los diseñadores: Dolce & Gabbana mostró ropa con trampantojo corsés con incrustaciones o sostenes estampados; Bottega Veneta tenía unos zapatos de plataforma afelpados que se parecían a “Luncheon in Fur” de Méret Oppenheim, una taza de té forrada en piel de gacela. El diseñador belga Dries Van Noten creó un cómodo abrigo acolchado con un patrón incongruente para parecerse a la porcelana de Dresde.
En Milán, el desfile Moschino AW22 de Jeremy Scott parecía reflejar el elegante mobiliario de las mansiones de los oligarcas, vistiendo modelos como sillas tapizadas, puertas con tachuelas de latón y biombos lacados. La modelo Gigi Hadid surgió como un mueble deambulante con incrustaciones de bronce dorado, que recuerda simultáneamente la pintura de Salvador Dalí de 1936 “El gabinete antropomórfico” (una figura femenina con cajones en la cómoda) y la decoración extravagante de la casa del patrón surrealista Edward James, Monkton House, amueblado incongruentemente con muebles Regency torbellino junto con los famosos sofás de labios Mae West y las huellas de su esposa pintadas en la alfombra de la escalera.
Esos labios aparecieron en el desfile de Loewe de Jonathan Anderson, fundidos en resina y fruncidos sobre los pechos de un par de vestidos tubo de jersey. Esta colección fue la más surrealista de la temporada, con modelos marchando sobre tacones diseñados para parecerse a globos maduros aptos para reventar. Llevaban vestidos que parecían compuestos de pieles de animales harapientas, desprendidas del látex que se aproximaba a la carne desnuda o moldeadas para parecerse a una tela ondulante, en cuero o plástico transparente. Otros estaban envueltos alrededor del cuerpo, pero parecían atrapar un par de zapatos de tacón alto contra la carne. De hecho, se trataba de réplicas impresas en 3D, diseñadas para sentarse cómodamente contra el cuerpo, pero aún así eran extrañas, inquietantes y, sí, surrealistas. Hablando después del espectáculo, Anderson usó dos palabras profundamente asociadas con las visiones oníricas, a veces violentas y siempre extrañas del surrealismo: “irracional” y “tenso”.
Los muebles cobraron vida en la pasarela Moschino AW22. . .
. . . mientras que Loewe de Jonathan Anderson presentaba labios al estilo de Dalí en vestidos de punto
El surrealismo también está de moda ahora mismo más allá de las pasarelas. La exposición Surrealismo más allá de las fronteras abrió en febrero en la Tate Modern de Londres; menos de una semana después, en Sotheby’s en Londres, la pintura de 1961 de René Magritte “L’empire des lumières” se vendió por 59,4 millones de libras esterlinas, casi triplicando el récord del artista. La 59 Bienal de Venecia, inaugurada el 23 de abril, toma su título —“La leche de los sueños”— de un libro infantil de otra de las artistas del movimiento, Leonora Carrington. No es una bienal surrealista per se, pero sus reflexiones sobre nuestro momento cultural actual remiten, al parecer, a las ideas surrealistas: “un viaje imaginario a través de las metamorfosis de los cuerpos y las definiciones de lo humano”, en palabras del director de la bienal. directora artística, Cecilia Alemani.
Aunque sus raíces se encuentran en el dadaísmo y en las primeras obras que surgieron en la adolescencia y a lo largo de la década de 1920, el surrealismo solo saltó a la fama internacional en la década de 1930: tiempos de dificultades económicas y política extrema y tensa. Se puede ver que ese momento refleja el nuestro. La mención de Anderson de lo irracional y el tiempo parece aplicable al estado de ánimo colectivo, dada la ansiedad geopolítica y la aprensión global en torno a la salud, los viajes, los mercados financieros y los conflictos. . . Tu dilo.
Sin embargo, también hay algo menos contextual en la relación entre el surrealismo y la moda. En el mejor de los casos, es más profundo que la superficie: una verdadera conexión con las ideologías y los objetivos establecidos por Breton y expuestos a través de las obras de artistas como Giorgio de Chirico, Joan Miró, Francis Picabia, Yves Tanguy y, por supuesto, Salvador Dalí. .
La modelo Gigi Hadid en el backstage de Moschino, con un vestido que recuerda a ‘El gabinete antropomórfico’ de Dalí. . . © Marco Ovando
. . . y un tocado de Daniel Roseberry, rindiendo tributo al sombrero-zapato original de Elsa Schiaparelli
Siempre hubo un aspecto febril en esta relación: los surrealistas estaban obsesionados con la moda por su carácter efímero, su corporeidad, su artificio y su conexión con las nociones freudianas de fetiche sexual. La moda aparecía en su trabajo todo el tiempo. Ya en 1919, Max Ernst creó una serie de litografías titulada “Let There Be Fashion, Down with Art”.
Otros no solo estaban obsesionados con eso, sino que incursionaron en algunos de los primeros cruces entre el arte y la moda. Dalí trabajó a menudo con Elsa Schiaparelli, una diseñadora de moda italiana que hizo ropa que muchos han descrito como “ingeniosa” o, peor aún, “caprichosa”. Su ropa a menudo se considera así porque muchas personas ven a alguien que usa un zapato o una chuleta de cerdo como sombrero como algo divertido, lo mismo que las chaquetas abrochadas con acróbatas en miniatura y tejidas con patrones de caballos de carrusel. Esos pueden ser los momentos más ligeros, pero Schiap (como se la conocía) también creó vestidos acolchados y cosidos para parecerse a huesos que aparentemente sobresalen de su superficie. Su vestido “Lágrimas” de 1938 se basó en un cuadro de Dalí, estampado con diseños creados por él e inspirado en la idea de la carne humana desollada y desgarrada. Dalí y Schiaparelli también realizaron un vestido estampado con una langosta, en la época en que Dalí reemplazaba los auriculares telefónicos por los crustáceos en las obras escultóricas. Schiap lo disuadió de salpicar el vestido con mayonesa real.
La duquesa de Windsor fotografiada en 1937 con un vestido de langosta de Elsa Schiaparelli, creado en colaboración con Salvador Dalí © Cecil Beaton/Condé Nast/Rex/Shutterstock
Dalí también incursionó en la moda en solitario, como demuestran las tres portadas que pintó para Vogue estadounidense entre 1939 y 1944. O, más aún, los escaparates que ideó para los ya desaparecidos grandes almacenes Bonwit Teller de Nueva York en 1939. Algo similar hizo para Schiaparelli , también: teñir de rosa un oso disecado y tallar cajones en su torso, para colocarlo en la vitrina de su boutique en Place Vendôme.
Schiaparelli será objeto de una gran retrospectiva, ¡Impactante! Los mundos surrealistas de Elsa Schiaparelli, inaugurado en el Musée des Arts Décoratifs de París este mes de julio. La casa ha sido espectacularmente revivida últimamente; como en la década de 1930, ahora es un boleto de moda. Su ropa, creada hoy por el diseñador estadounidense Daniel Roseberry, rinde homenaje a los originales de Schiaparelli, con extraños bordados brutalistas, botones ornamentados y trampantojo obras de teatro. “Todos los tropos surrealistas están llegando”, se ríe Roseberry. “Ocupa un espacio realmente único en el que podemos tener sentido del humor y hacer sonreír a la gente, pero sigue siendo hipersofisticado. No se acerca al campamento.
Una ilustración de Dalí para Vogue, 1944 © Christie’s/Bridgeman Images/DACS
Ese es un punto interesante: al igual que con el arte de los surrealistas y los diseños originales de alta costura de Elsa Schiaparelli, la mayoría de estas prendas no tienen la intención de hacernos reír (excluido Moschino, que es un puntazo irónico). La idea es provocar, inquietar, perturbar profundamente. También llaman la atención, siempre lo hicieron. En la década de 1930, la ropa de Elsa Schiaparelli era la favorita de las actrices de Hollywood y de la alta sociedad que generaba titulares, como la duquesa de Windsor.
Del mismo modo, la ropa que canaliza el legado de Schiaparelli, ya sea que lleve su nombre o no, tiene una cualidad de mírame, el equivalente estético del clickbait. Vístete como un tocador, camina sobre un globo, ponte un zapato en la cabeza y llamarás la atención. Es simple, de verdad. También hay algo infantilmente alegre en la alegría de vestirse con ropa como esta: lo sé. Tengo una chaqueta de mezclilla de Schiaparelli que se abrocha en la parte de atrás con un montón de botones adornados, lo que hace que parezca que la estoy usando al revés (o que tengo la cabeza hacia atrás). Me paran en la calle cuando lo llevo puesto.
Tal vez por eso el estilo surrealista funcionó en ese entonces y funciona ahora: refleja la locura de la realidad, claro, pero también es una distracción bienvenida. Te permite soñar un poco. Breton lo aprobaría.
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