Vake Poes es una epopeya familiar azabache sobre las huellas definitivas que deja la violencia

Son diametralmente opuestos: ‘Vake Poes’ y ‘Moeke Poes’, ambos atrapados en la pena y el dolor. Ella se vuelve hacia Dios, él se aleja de él. No están muy separados, pero la distancia es infranqueable. Un muro invisible de trauma se interpone entre ellos.

La ambiciosa obra de teatro musical VakePoes; o como Dios desapareció se trata de un trauma intergeneracional. A través de tres escalofriantes escenas de abuso, sugerentemente escenificadas y, por lo tanto, espeluznantes, la directora de teatro flamenca Lisaboa Houbrechts muestra que la violencia deja huellas definitivas. Solo la sangre se puede lavar; quedan las heridas.

El drama se desarrolla en torno a Vake Poes (Stefaan Degand), quien fue abusado por su pastor cuando era niño. Más tarde se casa con la profundamente religiosa María (Elsie de Brauw), quien cuida a su hermano traumatizado (Pieter Ampe), un hombre que tampoco puede mantener sus manos quietas.

Como un animal atormentado, Vake Poes se mueve por el escenario: agazapado, gruñendo y maldiciendo, Degand hace que el trauma de su personaje sea físico. La impotencia que se manifiesta en sus vanos intentos de romper la cadena de violencia golpea duro por momentos.

Su nieta es interpretada por Eddie Dumont (2012). A través de su mirada recorremos la historia de su abuelo, como a través de unas gafas turbias en las que se mezclan realidad y ficción. Con un sentido sensorial y un gran sentido del simbolismo, Houbrechts muestra un hilo de fragmentos de la vida de Vake Poes, como fragmentos que pueden cortar con saña. En la actuación, un drama de abuso personal se entrelaza con flujos más grandes de violencia política: en su obstinada aversión a Dios, Vake Poes demuestra ser muy susceptible al avance del nazismo. A menudo, una forma de violencia está en la raíz de otra.

Con un nutrido grupo de actores, bailarines y cantantes, cuatro niños actores y grabaciones de la orquesta sinfónica del Opera Ballet Vlaanderen, el director de 30 años pinta con trazos precisos esta epopeya familiar de color negro azabache. La sinergia entre actuar, bailar y cantar suele ser impresionante.

Aun así, el equilibrio podría haber sido más fuerte: la pesadez suele golpear con más fuerza cuando se colocan contrastes en su contra. En el lenguaje teatral principalmente oscuro que utiliza Houbrechts -imágenes escénicas oscuras, ambientadas con una hinchazón Juan pasión de Bach – son los pocos momentos en los que toca notas más ligeras como salvavidas a los que te aferras. Un diálogo banal sobre el precio de una botella de Dreft se siente como oxígeno bajo el agua: lo absorbes porque sientes que es solo temporal.

A veces, Houbrechts exagera su mano y mata el simbolismo en lugar de agregar profundidad. Cuando un muñeco de Jesús es molestado y clavado en la cruz a la mitad, el lenguaje visual se vuelve muy explícito.

Houbrechts vincula la aversión a la fe con la intensa necesidad de significado espiritual en una intrigante historia teatral que disecciona las principales estructuras de violencia.