Llámame snob del arte, si quieres. Vieja escuela. Voy a levantar mis manos a eso. Me gusta mirar las obras de arte en carne y hueso, cara a cara, en el tamaño y la escala en que fueron imaginadas y creadas. Sin ensuciar. Podría escribirte varios miles de palabras sobre todas las razones por las que creo que esto es esencial, pero te lo ahorraré.
Sin embargo, puedes imaginarte que cosas como Van Gogh: la experiencia inmersiva, el éxito de taquilla mundial que es, son más bien una prueba para personas como yo. Para explicarlo, si no se encuentra entre los más de 5 millones de personas en todo el mundo que han probado esto, es básicamente como si estuviera ingresando a un enorme almacén con partes de las obras del artista proyectadas en las paredes a su alrededor, habitación tras habitación. enormemente ampliado, con bandas sonoras y más. Girasoles e iris pasan flotando, disociados de las pinturas en las que fueron creados; los campos de maíz se agitan enloquecidos, la puerta de su cuarto se abre y se cierra, esa silla amarilla flota, la barba roja del artista se eriza enorme y alarmante. Es todo mega y magnificado. inmersivo en efecto.
Por supuesto, lo entiendo. Entiendo perfectamente la necesidad de sumergirte de cabeza en el mundo de una pintura y envolverte con su magia como una manta viva, sentir cada bocanada y cada gota de ella, olerla, saborearla y escucharla. ¿No es eso lo que sucede de todos modos, cuando realmente miras algo?
Vermeer nos lleva directamente a las calles silenciosas y suavemente iluminadas por el sol de Delft, a interiores fregados que huelen levemente a jabón, a lavanda en la prensa de lino. Puedo imaginar la sensación de esos cuellos de piel en mi garganta, el olor a planchado de ese encaje almidonado.
Cézanne nos transporta a la campiña provenzal, maquis crujiendo bajo los pies, el agotamiento de una larga caminata hasta colinas lejanas mientras la luz se vuelve púrpura y dorada a nuestro alrededor, y una pequeña bocanada de ajo en el viento cuando se acerca la cena.
Un solo dibujo de Egon Schiele puede transportarnos a las callejuelas rojas de Viena, donde mujeres flacas e ingeniosas se ganan la vida, iluminadas por el mal jazz, el humo agrio de los cigarrillos y el olor a salchicha.
Está todo ahí. Cada uno de los cinco sentidos. Y recientemente ha habido algunas experiencias inmersivas poderosas que no son una extensión/corrupción de obras originales más pequeñas, sino creadas desde cero como obras experienciales completas, piezas sensacionales de recorrido como las del colectivo japonés teamLab, o instalaciones-experiencia como la de Antony. La pieza exploratoria llena de vapor de Gormley “Blind Light”.
Pero estos son bastante diferentes de las “inmersiones” reutilizadas: edificios gigantes que albergan un espectáculo de luces del piso al techo de los girasoles incorpóreos de Vincent que hacen flotar locos como globos por las paredes, rodeados por el cielo azul profundo y las noches estrelladas de una pintura completamente diferente. , por ejemplo. ¿Estamos en un concierto de Grateful Dead?
No lo sé, pero tal vez esos millones de apostadores que compran boletos no pueden estar equivocados. Los londinenses pronto decidirán por sí mismos, de nuevo, en un nuevo lugar. Lightroom, que se describe a sí mismo como un “hogar de espectáculos espectaculares dirigidos por artistas”, abre en el desarrollo de King’s Cross el 22 de febrero para albergar un programa del trabajo de grandes artistas reimaginado como acontecimientos digitales inmersivos, comenzando con David Hockney.
Es una elección inteligente. Primero, resuelve la gran pregunta: ¿qué habría pensado el artista? ¿Qué habría sentido Monet acerca de sus nenúfares en todos los paraguas, y Leonardo acerca de la “Mona Lisa” en los imanes de nevera? Tal vez no les hubiera importado, o incluso les hubiera gustado, especialmente si pagaba el alquiler. La escala, así como el medio, es tan esencial para las obras de arte: Van Gogh, sumido en la pobreza, quizás no podría haber imaginado trabajar en un lienzo gigante: ¿lo habría hecho si pudiera? Como soy de la vieja escuela, siento que los artistas siempre han adaptado su visión a sus circunstancias, su mensaje a su medio, pero no podemos responder estas preguntas para artistas muertos, o transponer su sensibilidad a las realidades de hoy.
David Hockney en Lightroom © Justin Sutcliffe
Hockney es diferente. Está aquí, gracias a Dios, para tomar decisiones en tiempo presente. En un programa llamado Más grande y más cerca (no más pequeño y más lejos), los gigantescos paneles deslizantes y metamorfoseados de sus paisajes y bañistas, cielos y árboles, que Lightroom exhibirá en paredes monumentales, están completamente pensados. Sus procesos y pinceladas, la construcción de sus colores y efectos, se desplegarán frente a nosotros, ampliados a proporciones gigantescas. Serán 60 años de su trabajo, explicados en un comentario del propio artista, todo ello ambientado en una partitura del compositor contemporáneo Nico Muhly.
Espectacular, sí, pero coherente. En la carrera de Hockney, tiene una lógica perfecta. Siempre ha abrazado las nuevas tecnologías y se ha apresurado a explorar su potencial en su arte, desde las inolvidables obras de Polaroid (posiblemente el mejor uso de esa forma) hasta los experimentos con perspectiva a través de cámaras, piezas creadas con películas, videos, iPad, Instagram y más. Esta es la última versión, e incluso a distancia podemos sentir que el artista se divierte con ella. Tal vez incluso los de la vieja escuela como yo se sientan atraídos.
Jan Dalley es el editor de arte de FT
‘Más grande y más cerca (no más pequeño y más lejos)’, del 22 de febrero al 4 de junio, lightroom.es
Entérese primero de nuestras últimas historias — síganos @ftweekend en Twitter