Las salas de teatro se están llenando de nuevo, los medios informaron con optimismo esta semana. Al menos, ese es el caso de los artistas populares y formas de arte como la música y el cabaret. Eso es hermoso y muy necesario después de tres años de confinamiento. Pero esta buena noticia no resuelve los problemas estructurales del sector del arte.
Porque el crecimiento de visitantes está disminuyendo para las artes clásicas, como la ópera, y también para las representaciones y la literatura más experimentales y menos ‘fáciles’. Una causa importante de ello son los recortes en la educación cultural. Las bibliotecas y las escuelas de música han sido cerradas o ‘independientes’ en los últimos años, mientras que las organizaciones de arte tienen que pagar los programas para las escuelas y los jóvenes en gran parte con su propio presupuesto.
Este es el hacha a la raíz del ecosistema cultural. La paradoja es que el ‘canon’ recibe la parte del león de los subsidios: el ochenta por ciento de todos los subsidios musicales se destinan a los géneros clásicos, mientras que la música pop atrae a una audiencia mucho mayor.
Es sólo uno de los problemas que muestran la osificación del sistema cultural. La pandemia del coronavirus ha exacerbado estos problemas, pero ya existían: pago insuficiente de muchos trabajadores autónomos, crecimiento sesgado entre las grandes organizaciones y las más pequeñas fuera del Randstad, regulación y control excesivos por parte del gobierno subvencionador. Y luego dejo de lado la enorme huella ecológica del mundo del arte itinerante, así como la falta de diversidad en la oferta y el personal y los numerosos informes de comportamiento transgresor. Solo podemos concluir que se necesita con urgencia un cambio estructural.
Sobreoferta de espectáculos
La pregunta apremiante ahora es: ¿resolverá el sector cultural sus problemas a nivel sistémico? No parece eso en este momento. Más bien, el reflejo es volver a la normalidad anterior lo más rápido posible. El pensamiento de eficiencia es líder en esto, al igual que en otros sectores sin fines de lucro. Impulsado por los requisitos de los subsidios, el énfasis está en la producción y el crecimiento, lo que da como resultado una competencia mutua y un exceso de oferta de actuaciones, conciertos y exhibiciones.
Las instituciones son fundamentales para la política cultural; Holanda tiene la mayor cantidad de museos y lugares per cápita en el mundo. Estas instituciones recibieron apoyo durante la pandemia y también recibieron dinero para pasar esto a los creadores. Eso ha sucedido demasiado poco. Los más de 165.000 profesionales y artistas independientes ya eran vulnerables debido a la precariedad laboral, y la serie de bloqueos dejó a un número desconocido incapaz de mantener la cabeza fuera del agua. Como resultado, muchos profesionales calificados se han vuelto a capacitar. Y lo notaremos en la oferta de teatros, salas de conciertos y museos.
El ‘emprendimiento cultural’ se ha llevado demasiado lejos. A la innovación, tan esencial para las artes, no se le da suficiente oportunidad. ¿Por qué la industria ha dejado que llegue tan lejos? Esto es extenso y, al unir fuerzas, podría proporcionar más contrapeso a la política de devolución excesiva. Después de todo, la cultura es preeminentemente el dominio donde deben prevalecer los valores no económicos. Donde la calidad y la profundidad son centrales en lugar de ‘resultados’ medibles.
Con tanto poder creativo, debería ser posible implementar los cambios necesarios de manera inventiva. Porque los problemas no pueden resolverse con el mismo pensamiento que los creó, como señaló Albert Einstein. Por lo tanto, continuar jugando con el antiguo sistema no tiene sentido, se necesitan escenarios alternativos. Pero entonces el sector debe tomar el asunto en sus propias manos y no esperar a ver si el gobierno abordará los problemas.
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pago justo
En primer lugar, la distribución muy desigual de los presupuestos debe ser más equilibrada. El secretario de Estado de Cultura, Gunay Uslu (D66), informó la semana pasada NRC que el Ministerio de los llamados pago justo introducido solo a partir de 2025. Quizás esto ni siquiera se convierta en una obligación de subsidio, mientras que de hecho es una necesidad extrema.
Pero, ¿por qué esperar al gobierno? Su influencia en la política sustantiva en realidad debería disminuir: de director y controlador a facilitador. Eso significa menos regulación y más confianza en la autoorganización y las habilidades de las personas en el mundo del arte mismo. Ser constantemente responsable conduce a capas de burocratización y gestión que, por cierto, se pagan un salario considerablemente más alto que los muchos trabajadores independientes indispensables.
No es de extrañar que los directores duden sobre el cambio: a menudo no les conviene. Porque una transición real va a doler. Salarios justos, por ejemplo, significarán que se puede producir menos. Pero también será posible hacer arte con más tiempo y atención que lleve a más reflexión, placer y solidaridad.
Los museos y lugares existen para actuar como intermediarios entre los artistas y el público. A ellos les toca cumplir mejor esa tarea y desarrollar una política de contratación estructural. A través de dicha prefinanciación, se puede ofrecer a los fabricantes una mayor seguridad de ingresos. Esta política también estimula la innovación y la experimentación necesarias, que en la actualidad tienen lugar cada vez más fuera de las instituciones artísticas habituales: en los caldos de cultivo, los colectivos de artistas y en línea. La redistribución también significa que las instituciones compartirán las donaciones privadas que reciban con los creadores. Después de todo, las donaciones se hacen precisamente para apoyar el arte expuesto.
proyectos a corto plazo
Los fondos de dotación también deberían cumplir mejor su papel de facilitadores. Los fondos pueden marcar la diferencia al asumir una mayor responsabilidad por las raíces del sistema. En primer lugar, ya no ofreciendo predominantemente apoyo (a través de) las instituciones, sino admitiendo artistas individuales, investigadores y otros trabajadores culturales indispensables. Y los fondos solo honran proyectos de corto plazo, mientras mantienen la estructura de trabajo temporal y mal pagado.
Finalmente, depende de los muchos hacedores y trabajadores de la cultura. Hay muchos de ellos, por lo que juntos ciertamente no son impotentes. Entonces, artistas y autónomos: ¡uníos! Autores, músicos, escultores, actores, bailarines, curadores, críticos, técnicos de iluminación y muchos otros: no subestimes tu propia influencia y poder de cambio. Forjar alianzas entre sí. Es hora de alguna revolución en el arte, de una nueva versión de la reforma del sistema de finales de los sesenta. Ya es hora de sacudir los cojines centrándose en la práctica creativa y obligando a los artistas a tener un acceso más directo a las salas y escenarios.
Un enfoque real de los problemas solo tendrá éxito si el mundo del arte ya no se deja dividir, sino que colectivamente asegura que el ecosistema cultural funcione para todos los involucrados. Solo así se podrá lograr la necesaria renovación del sistema.