En algún lugar, al examinar las capas de pintura, salté a los magníficos y conscientes logotipos de Gustav Klimt.

Desde el Renacimiento, cada artista ha hecho una elección en su carrera sobre cómo poner su firma en el trabajo. Como si dijera: yo hice esto. De alguna manera te perpetúas en la realidad material, podrías decir: donde está tu nombre, realmente existes. No muy diferente al escritor de graffiti en las vallas a lo largo de una vía de tren. Sobre desde el arte de Jan van Eyck en el siglo XV los artistas vincularon su nombre a su obra, y con ello el creador se volvió tan importante como la obra de arte. Ingresar el artista estrella. El nombre es importante por el valor monetario de una obra de arte, pero también como punto de apoyo para nosotros; nos levantamos cuando vemos ‘Vermeer’ en el letrero.

En una de las mejores exposiciones de otoño del momento, Chico de oro Gustav Klimt en el Museo Van Gogh, las firmas probablemente no serán las primeras en destacar. El dorado, las mujeres sensuales, los estampados, los colores, hay bastante demanda de atención. Pero en algún lugar, al examinar las capas de pintura, reboté en esos magníficos logotipos autoconscientes del artista. Un cuadrado, dos en este caso. Uno con nombre y apellido en letras verdes sobre oro cuidadosamente alineadas, otro con un hermoso monograma verde. Le conviene a Klimt, el hombre era hijo de un orfebre y grabador y se formó en la escuela de rifle de arte, una academia donde aprendiste todo tipo de oficios, desde tejido hasta herrería y pintura decorativa. Hizo una marca de su nombre con el monograma. No como el primer artista – Alberto Durero ya lo hizo en el siglo XVI. – pero de una manera totalmente idiosincrásica. Estas dos marcas son parte de la obra de arte. Además de los dichosos estampados del vestido de Emilie Flöge y su rostro suave, casi flotante. Más adelante en la exposición, dichos logotipos se pueden encontrar en todas partes en la pintura e incluso en los marcos.

Fabricantes japoneses de grabados en madera

en un bonita historia sobre la firma de Klimt en YouTube explica la curadora británica Sarah Herring que no solo se ven rastros de su experiencia artesanal en sus logotipos, sino que Klimt también se inspiró en artistas muy diferentes a los que aparecen en esta exposición: xilógrafos japoneses como Utagawa Hiroshige. Sus grabados, muy populares en Europa a finales del siglo XIX y que el propio Klimt también coleccionaba, suelen contener textos y firmas en un marco rectangular. De otro color, separado del fondo, a modo de estampilla o sello. Incluso más que mostrar que él era la estrella, vi en este Klimt la visión del mundo en la que el arte impregna todo en la vida: las letras, la arquitectura, la vajilla, los muebles, la ropa, los libros.

Klimt tenía el tipo de pensamiento de diseño en el que vale la pena mejorar todo, para todos. Y que en un momento en que la idea del arte por el arte, l’art pour l’art, se fortaleció y eventualmente contribuyó a una dicotomía entre el arte y la ‘vida normal’, que todavía se puede sentir hoy. Hasta el día de hoy, muchas personas tienen inmediatamente la sensación de que el arte ‘no les pertenece’, sino que es algo para las personas que pueden permitírselo o que lo entienden. Tonterías, mostró Klimt. El arte nos pertenece a todos.