Claes Oldenburg quería ampliar el sueño americano con arte pop suave

Que el artista de arte pop Claes Oldenburg también fue un artista de performance se desprende de su obra de arte más famosa: La tienda, de 1961. Ese año regentaba una tienda de barrio en Nueva York donde vendía durante un mes productos comunes de tienda: enaguas, corsés, tartas, jamón, pero todo falsificado. Dirigir la pastelería era actuación y arte pop en uno, arte accesible con un giro. O, como dijo el propio Oldenburg: “Estoy a favor de un arte que sea político-erótico-místico, que haga algo más que sentarse de espaldas en un museo”.

Arte que no se sentó en el culo sino que magnificó activamente el sueño americano, que caracterizó la obra de Oldenburg (Estocolmo 1929). Murió el lunes en su casa de Manhattan a la edad de 93 años.

Era hijo de un diplomático sueco y aún era un niño cuando su familia emigró a Estados Unidos. De 1946 a 1956 asistió a cursos de arte en Nueva York y Chicago, tras lo cual se instaló en Nueva York. Allí conoció a Jim Dine, Red Grooms, Allan Kaprow, se sintió cómodo en el circuito de espectáculos e hizo su primera escultura blanda en 1957, rellenando una media de mujer con periódicos. Así fue como se crearon sus objetos espaciales, que representan ropa y comida.

Fueron cosidos por su primera esposa, Patty Mucha, quien también contribuyó a sus actuaciones de la década de 1960. Por ejemplo, hizo que los sepultureros cavaran un hoyo y en 1965 organizó una reunión donde todos tenían que detenerse. Solo los visitantes que se pusieran una máscara de Mickey Mouse podían sentarse. A excepción de Marcel Duchamp, a él también se le permitió sentarse porque era viejo. Y él era Marcel Duchamp.

Juguetón y fetichista

Con sus objets trouvés, Duchamp fue considerado un precursor del arte pop, aunque poco más había de europeo en este arte que abrazaba la vida americana y que también fue abrazado por América al revés. Rara vez un nuevo movimiento artístico se ha vuelto tan popular. Esto también se aplica a los grandes objetos de aspecto tierno de Claes Oldenburg, arte con un humor que nunca se volvió cínico. En comparación con el arte pop brillante de Warhol o Lichtenstein, o incluso más tarde con el arte brillante de Koons, el trabajo de Oldenburg es amable. Su tacto lo hace a la vez juguetón y fetichista.

Su primera exposición individual fue en 1959 en la Judson Gallery de Nueva York, dibujos figurativos y figuras de papel maché. En 1966 realizó una exposición individual en el Moderna Museet de Estocolmo, seguida por el MoMA de Nueva York (1969), la Tate Gallery de Londres y otros museos. Aparece en todos los resúmenes del arte pop. Él y su esposa holandesa Coosje van Bruggen también recibieron varios premios de arte y doctorados honorarios de escuelas de arte desde la década de 1980 en adelante. En 1992, la pareja compró un castillo en Francia cerca del Loira para llenarlo con su propia colección de diseño.

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Oldenburg y Van Bruggen se conocieron en Ámsterdam en 1970, en una exposición de su obra en el Museo Stedelijk, donde ella trabajaba como curadora. Se casaron en 1977 y comenzaron a trabajar juntos en las grandes esculturas al aire libre que él había comenzado a diseñar mientras tanto. Un ejemplo temprano es la paleta (1971-’76) en el Museo Kröller-Müller. Juntos, hasta su muerte por cáncer de mama en 2009, proporcionaron al mundo más de cuarenta objetos gigantes: un imperdible, una sierra, pinzas, un núcleo, un volante de bádminton, un arco y una flecha, un paraguas y más. A menudo estaban medio atrapados en el suelo, un helado gigante caído yace boca abajo en un techo en Colonia, altísimo.

Bicicleta de 46 metros

Son enormes. Una instalación con una bola de bolos y bolos voladores en Eindhoven mide más de 37 metros, en un parque de París, partes de una bicicleta enterrada que parece tener 46 metros de largo sobresalen del césped. En Los Ángeles, donde Oldenburg se había mudado en 1963, un imponente par de binoculares forma la entrada a un edificio de oficinas del arquitecto Frank Gehry.

No podría ser lo suficientemente grande. En el jardín del Museo Boijmans Van Beuningen hay un tornillo doblado (1977). Este fue un diseño serio para un puente en Rotterdam, que optó por el Willemsbrug más convencional. Por separado, se rechazó un diseño similar para un edificio de oficinas en Cleveland, Ohio, debido al doble significado sexual de la palabra. tornillo en inglés. ‘Nos vemos en el tornillo’: demasiado ambiguo. Este no es el caso en holandés. Entonces, si la ciudad quiere otro puente llamativo, hay un plan.