Sonrisas, sarcasmos, humor negro y “meme” del autor. Durante más de 70 años, en el arte italiano, la ironía tiene un papel en primer plano, como dice la exposición "Ironía fácil. Ironía en el arte italiano entre los siglos XX y XX." al Mambo de Bolonia del 6 de febrero al 7 de septiembre

“EL‘Humor Fue una salvación. Hasta entonces, el arte era algo tan serio y pontificio que Estaba muy feliz, cuando descubrí que podía presentarte el humor. Fue una especie de liberación “, dijo Marcel Duchamp en 1960volviendo a esa segunda década del siglo XX, donde, con el sonido de ruedas de bicicletas y urinarios, sus obras habían despertado sonrisas e indignación, vergüenza y diversión.

Y así, en los últimos cien años, no solo los artistas, sino también diseñadores y estilistas han tratado de confirmar la idea de Walter Benjamin: ¿si realmente no había un mejor punto de partida, para el pensamiento, de una risa?

“Un trabajo declaradamente irónico, para ser entendido, requiere un esfuerzo del observador. No es obvio: en el artista, un cierto conocimiento de aquellos que tendrán que entender cómo interpretarlo “explica Lorenzo Balbi, director del Mambo-Museo del arte moderno de Bolonia y Curadora (con Caterina Molteni) de la exposición Ironía fácil. Ironía en el arte italiano entre los siglos XX y XX., a Mambo del 6 de febrero al 7 de septiembre.

«Trabajamos un año y medio para resaltar una tendencia que viaja a los últimos setenta. Para muchos artistas, vivir en un país de esplendor histórico podría ser un obstáculo o intimidado: ¿cómo reaccionar ante muchas maravillas? Con ironía ». La dinámica, en el proceso visual irónico, es más o menos esto: decir algo, esperando que el otro atrapara un significado no se expresó claramente.

«Maurizio Cattelan, utilizando registros visuales globales y comprensibles, siempre ha sido maestro y ha utilizado esta clave con el tiempo para proponer también las críticas a las instituciones y las reglas de arte. Cuando Giuseppe Chiari, en un póster de 1974, declaró El arte ha terminado. Todos nos detenemos juntos ¿Alguna vez imaginaría que esa provocación se convertiría en una obra? En los años 70, la ironía también fue fundamental para la propaganda feminista, con artistas como Cinzia Ruggeri, Mirella Bentivoglio y Lucia Marcucci“Agrega a Balbo estresando que, en el humor funciona, el título siempre tiene una posición. Como en el famoso plátano de Cattelan titulado, no es sorprendente, Cómico.

“Tomemos el gatito colocado en un fotocopiador del trabajo en exhibición Imitador por Eva y Franco Mattes: Se da por sentado que el espectador incluye el Referencia a la estética de los memes que se vuelve loco en Instagram. Un tema “caliente” del que era un precursor Mozzarella en carruaje por Gino de Dominicis de 1970, donde una verdadera mozzarella en un carro negro jugó en ese malentendido que, en línea, ahora está en la agenda. Una cosa es segura: la ironía pone algo invisible en el centro, que nunca será lo mismo para dos individuos. La interpretación personal siempre va al primer lugar ».

Una sonrisa en cada habitación

Diseñado en 1967 por el grupo radical florentino Archizoom, Elio Fiorucci compró el sofá Superonda de Poltronova, intrigado por ese modelo de vinilo para sentarseacuéstese y quédese en el paseo.

Mientras que el grupo de Memphis, en la década de 1980, comenzó a anular los paradigmas, ofreciendo estanterías con volúmenes que bailaron en los estantes sin ser ordenados, destruyendo la perfección de las antiguas casas burguesas: «generaron risas al descender el diseño más austeros con colorido y colorido y colorido y colorido y Elementos de circo. La primera casa de Memphis fue el apartamento en Montecarlo di Karl Lagerfeld », dice Marco Sammicheli, curador del sector de diseño, moda y artesano del Milán Trienal y director del Museo de Diseño Italiano.

“Ettore Sottsass conocía el poder revolucionario del humor, con el que también puedes volcar a un tirano. Luego hay objetos que provocan diversión porque se usan en contextos memorables: la bolsa de Zanotta es un ícono de diseño y suavidad que nos hace sonreír, ¡pensando en ese Paolo Villaggio que en Fantozzi nunca supo cómo sentarse frente a su director! “.

En 1970, Sebastian Matta ya había diseñado el sillón de Magritta: un cilindro invertido con una manzana verde en el interior, un homenaje a la famosa pintura de Magritte. Mientras que Studio65 reprodujo sofás como bocas y asientos suaves, pero modelado como el mármol duro de las capitales griegas.

Porque la ironía cambió los estilos de vida con un diseño que ya no solo tenía que responder a las estrictas necesidades de comodidad y practicidad. Cada objeto comenzó a tener una personalidad, para mantener compañía, para expresar sentimientos. Para desencadenar la sensualidad y la empatía. Sammicheli continúa: «La familia sigue los objetos de ficción de Alessi también se crearon como personajes. Pequeñas criaturas con caricias inspiradorasefecto de “disneyificación” en progreso. Todo tenía que tener una cara, una sonrisa, un reconocimiento, consciente de la eterna lección surrealista, para la cual lo que tiene ojos, oídos, boca o cola puede hacerte sonreír, asustar, pero sobre todo dar un alma, incluso a los objetos ” .

Sonrisas, irreverencia y falpalà

En la moda, el uso del humor inauguró la ropa de la década de 1920 de Elsa Schiaparelli Que primero causó ambigüedad y sorpresa con técnicas inéditas, como la del Trompe-l’oeil, que involucra en la creación de sus artistas como Salvador Dalí. «Ciertamente no es la seriedad geométrica de nombres como Chanel o Balenciaga. Juguetón y visionario, Solo Schiaparelli le dijo a Coco Chanel, amante de la penalización más negra, de ser “experto en cementerios”! Elsa anticipó lo que hicieron tan grande como el brillante Franco Moschino o incluso Nicolas Ghesquière: Muy elegante, pero también apasionado de manga que inserta expertamente en muchas colecciones robóticas creadas para Louis Vuitton “, explica Fabriano Fabbri, profesor de formas de moda contemporánea en la Universidad de Bolonia, así como autor de La voz del diablo. Arte contemporáneo y moda (Einaudi).

Volviendo a Duchamp y su pasión por “Readymade” (el uso de objetos que ya existen para sus obras), Fabbri subraya cómo esta práctica introdujo un sarcasmo sutil en la primera colección de creadores de vanguardia: Martin Margielaa principios de la década de 2000, Creó ropa con celofán que normalmente se usa para proteger las mismas creaciones de adaptación.

Considerado por muchos herederos del surrealismo mismo, Incluso el movimiento punk para pensar bien basado en sus rasgos estilísticos en lo irónico: Usar música y moda para profanar, ridiculizar el orden político con camisetas irreverentes (lanzadas por Vivienne Westwood), combinando alfileres infantiles con lágrimas y cuerpos exhibidos.

Una actitud que, como en el arte, le permite reflexionar sobre lo contemporáneo: en 2004, Jean-Paul Gaultier envió modelos disfrazados de maniquí para la pasarela Junto con títeres robóticos, para simbolizar la función de “grupos” de muchos desgaste. De nuevo, haz una razón para ello: humor, como dijo lo mismo niño terrible Gaultier, “… siempre tendrá que ser una parte natural de la ropa”.

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