La frase “fotografía callejera” evoca una toma en blanco y negro de Nueva York o París de mediados de siglo, en la que los actores involuntarios se apresuran en sus asuntos, revelando algún detalle idiosincrásico (una mueca, una estola, una tabla de sándwich) al observador rápido al otro lado de la lente. En esa tradición, la crudeza de los tabloides se fusiona con la poesía surrealista y una dosis de misterio. ¿Quiénes son estos espectadores anónimos, nos preguntamos? ¿Qué nos dicen sobre el tumulto urbano o la cacofonía de la vida interior?
Una imagen de Cartier-Bresson o Lee Friedlander transforma un momento de caos metropolitano en una metáfora: un vistazo a la psique de un sujeto, o uno de esos extraños encuentros que ocurren entre extraños que, por un momento, comparten un trozo de acera lo suficientemente pequeño como para encajar en el marco. “A veces siento que el mundo es un lugar al que compré un billete”, dijo una vez Garry Winogrand. “Es un gran espectáculo para mí, como si no hubiera sucedido si no estuviera allí con una cámara”.
Ahora, el Centro Internacional de Fotografía nos invita a repensar toda la categoría reclutando a fotógrafos jóvenes de todo el mundo que no compartan la reverencia de sus predecesores por los encuentros casuales, el lirismo espontáneo o las yuxtaposiciones cargadas de simbolismo. En cambio, gravitan hacia la belleza física de los espacios metropolitanos abarrotados, intensificados por colores fuertes y animados por fantasmas hiperactivos. Le dan al “gran espectáculo” de Winogrand un sentido de ceremonia.
En uno de los espectáculos sobresaturados de la India de Debrani Das, “Cartwheels of Pushkar”, un niño realiza un exuberante salto en un trampolín de un parque de diversiones, sus extremidades extendidas riman con los radios de dos norias separadas, su trasero en el aire aparentemente posicionado para recibir un beso de un camello que pasa. En “Kolkata Night”, tres vendedores cansados y con los ojos muertos levantan sus paraguas adornados con luces LED en sombrías demostraciones del espíritu festivo, mientras un rebaño de vacas desfila en primer plano.
El entrelazamiento de costumbres antiguas, brillo moderno y tonos deslumbrantes que hace Das puede leerse como retratos de la India contemporánea. El fotógrafo Raghubir Singh (que no está en esta muestra) afirmó una vez que la “condición fundamental” de la nación es “el ciclo de renacimiento, en el que el color no es sólo un elemento esencial sino también una fuente interna profunda, que se extiende hasta las largas y ricas fronteras del subcontinente. pasado”.
Pero la técnica de yuxtaponer la historia con el endeble presente trasciende la geografía. Se ve en el trabajo del palestino-egipcio Randa Shaath, quien documenta cómo, en El Cairo, la calle es una extensión del hogar. Un pequeño rebaño de ovejas cubiertas con un trapeador se extiende en medio de un callejón sin salida mientras un grupo de humanos cotillean cerca. Shaath tiene sus raíces en el fotoperiodismo y sus tomas sutiles y activas tienen la inmediatez de las noticias. En uno, un par de chicos han instalado una sala de estar improvisada en la acera, con una silla de madera dura para cada hombre, un modelo de peluche para su amigo felino e incluso una pequeña mesa auxiliar para sostener la botella de lo que sea que estén. bebiendo ese día. Ella inmortaliza la forma en que la gente de las grandes ciudades de todo el mundo establece conexiones matizadas en las calles, forjando relaciones a partir de la casualidad y la proximidad.
Muchos de los fotógrafos de la muestra celebran focos informales de libertad; Alexey Titarenko documenta sus terrores. Nacido y criado en lo que entonces era Leningrado, fue testigo de la traumática transformación de la Unión Soviética en la Rusia poscomunista, un período en el que la agitación siguió a la crisis, alternando con el malestar. En una serie de fotografías emocionantemente alusivas de principios de la década de 1990, las exposiciones prolongadas ralentizan y aceleran simultáneamente las metamorfosis a gran velocidad. Ciudadanos que alguna vez se dirigieron entre sí como camaradas y ahora apenas parecen hablar se deslizan borrosamente a través del espacio como recuerdos, rondando los bulevares del lugar de nacimiento de Titarenko.
En una de sus imágenes más poderosas, una multitud brumosa sube las escaleras de una estación de metro como una nube sulfurosa. Un solo detalle resiste la fuerza del cambio: un par de zapatos sin dueño descansa sobre un escalón, con las puntas apuntando hacia el reino subterráneo. Quizás el calzado haya sido dejado allí por algún alma desafortunada arrastrada mientras resistía la resaca de la historia.
Otra imagen poética capta a dos mujeres jóvenes vestidas de blanco cruzando una amplia avenida. La escena no podría ser menos llamativa, pero el drama radica en el contraste entre la ciudad claramente definida (adoquines, vías de tranvía, horarios de apertura publicados en un escaparate) y las tenues figuras que se mueven a través de ella como ángeles con túnicas ondulantes. Una tercera imagen de la misma serie muestra un quiosco improvisado cubierto de titulares, retratos de celebridades y pornografía. Esta panoplia de palabras impresas disfruta de la luz, mientras que el vendedor, un espectro apenas perceptible con un abrigo y una capucha de invierno, acecha en una oscuridad similar a una cueva. Podría ser una víctima, una amenaza o ambas cosas.
La exposición se mete en problemas cuando pasa de una expresividad sutil a un activismo contundente. Una sección llamada “Protesta y Defensa” está repleta de clichés: puños en alto, viejos eslóganes, rugidos silenciosos. Las escenas de indignación masiva tienden a parecer similares, independientemente del continente o la causa, e incluso los levantamientos recién observados parecen de segunda mano cuando se ven muchos de ellos de una sola vez.
Entre las casi 40 fotografías de este segmento, llaman la atención una o dos de Lam Yik Fei, tomadas durante las manifestaciones de Hong Kong de 2019. Un hombre delgado con camiseta sin mangas y pantalones cortos de gimnasia podría estar dirigiéndose a un partido de baloncesto, excepto por el casco de minero, los guantes de trabajo y la máscara antigás que completan su atuendo. Está parado en la mediana elevada de un bulevar y, a sus hombros, una gran multitud con ropa similar se despliega simétricamente como una fuerza de robots ligeramente descuidados, esperando violencia. Hay algo a la vez conmovedor y alarmante en la mezcla de aburrimiento y disposición, tecnología y carne desnuda.
Un fotógrafo puede hacer que una escena callejera a la luz del día arda de misterio o provocar tristeza en un momento de alegría. Los eventos también pueden hacer eso, transformando una imagen entre el momento en que se toma y el momento en que se ve. En 2018, Efrat Sela documentó un día en la playa: un grupo de mujeres cisjordanas vestidas con abayas chapoteando en el Mediterráneo en Tel Aviv. Sus imágenes eran entonces conmovedoras porque lo que era normal en un lado de la valla no tenía precedentes en el otro. Para que esas pocas horas de placer se hicieran realidad, un grupo activista israelí tuvo que guiar a los palestinos a través de puestos de control y barreras culturales para poder ver el mar por primera vez.
Hoy en día, escenas así son impensables en esa parte del mundo. En tan solo unos años, las fotografías de Sela han pasado de ser viñetas cálidas y soleadas de compañerismo transfronterizo a ecos trágicos de la vida antes del cataclismo.
Hasta el 6 de enero icp.org
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