Asistir a una escuela de moda proporciona a los aspirantes a diseñadores una plataforma sólida para explorar técnicas de diseño, aprender métodos fundamentales y dominar habilidades importantes. Sin embargo, no es el único camino hacia el éxito en la industria de la moda. De hecho, algunos de los diseñadores de moda más famosos de la historia nunca asistieron a una escuela de diseño.
Preparado para seguir los pasos de diseñadores visionarios como Karl Lagerfeld, Giorgio Armani y Manolo Blahnik, el diseñador y estilista de Los Ángeles Jonathan Marc Stein, de 28 años, no fue a la escuela de diseño, al menos no para diseño de moda. Cuando vio un desfile de Alexander McQueen de la década de 1990 antes de clase mientras estudiaba ingeniería mecánica, se sintió llamado a perseguir este interés creativo y nunca miró hacia atrás desde entonces.
Con el lanzamiento de su marca homónima en 2017, Jonathan se ha convertido en uno de los diseñadores emergentes más importantes, combinando elegancia con estilo innovador en sus diseños de alta costura. Sus diseños han aparecido en Harper’s Bazaar, L’Officiel y Cosmopolitan, usados por celebridades como Mackenzie Ziegler y Laura Marano en eventos importantes y presentados en semanas internacionales de la moda.
FashionUnited habló con el joven diseñador después del lanzamiento de su colección Otoño/Invierno 2023 para saber más sobre su ascenso a la fama, su autodidacta y la construcción de una marca.
¿Cuándo supiste por primera vez que querías ser diseñadora de moda?
JMS: Sentí que no tenía más remedio que convertirme en ingeniero. Tuve que ser médico, abogado o ingeniero. Entonces fui a la escuela de ingeniería. Durante mi segundo año de universidad, estaba esperando que comenzara una de mis clases y navegando por YouTube para pasar el tiempo. Me encontré con un desfile de Alexander McQueen de 1997 y realmente me impresionó. Siempre me ha interesado el arte. Siempre he pintado y dibujado, y el lado artístico del espectáculo me inspiró a aprender a coser por mi cuenta. A partir de entonces cosí, compré telas y cosí ropa entre clases. Un año después, me invitaron a desfilar en la Semana de la Moda de Columbus y todo creció orgánicamente a partir de ahí.
¿Cómo influye o da forma su experiencia técnica a su enfoque de diseño?
JMS: Mucha gente se sorprende por la correlación entre los dos, pero hay muchas similitudes. En realidad, hay muchas matemáticas involucradas en el diseño de moda. Las matemáticas son la clave para realizar mediciones precisas que garanticen el ajuste perfecto. Además, no se puede ignorar la física: el peso y la estructura de la sustancia deben estar en equilibrio. Por ejemplo, si estoy diseñando un corpiño pesado de 100 libras, la combinación correcta de materiales es fundamental para garantizar que brinde soporte, se ajuste bien y sea estéticamente agradable.
¿Cuáles son los desafíos y beneficios de ser un diseñador de moda autodidacta?
Ésa es una pregunta difícil. Aunque carezco de la base técnica de una educación formal en diseño de moda y no he recibido instrucción sobre telas, estructura de prendas y confección de patrones, esto me brinda una ventaja única. Creo que esto me dio una ventaja creativa que de otro modo no habría desarrollado. De manera similar a cómo resolví un problema de matemáticas de manera diferente en la escuela pero aún así encontré la respuesta correcta, mi falta de capacitación tradicional me permite ser innovador. A través de prueba y error, desarrollo mis propios métodos y creo hermosas piezas sin depender de técnicas convencionales.
Sin embargo, mi experiencia en moda no tradicional significa que tengo que aprender constantemente desde cero. Tuve que aprender yo misma cada detalle técnico, desde los métodos de costura hasta el uso de soportes para la estructura. Aunque lo descubrí todo yo mismo, la desventaja es el tiempo que invertí en autoaprendizaje y experimentación.
¿Cuáles son algunos de los elementos fundamentales que componen sus colecciones de ropa para mujer y hombre?
Cuando diseño colecciones en mi estudio, el proceso y el resultado suelen cambiar de una temporada a otra. Sin embargo, mi estilo ha evolucionado hasta el punto de que todas las colecciones tienen elementos comunes. El cuero siempre ha sido mi material favorito y es un hilo conductor en todas las colecciones que diseño. A menudo utilizo herrajes metálicos como hebillas, cadenas, remaches y cremalleras decorativas, por nombrar algunos. Incluso combino estos componentes en muchas de mis prendas. Creo que es agradable combinar estos materiales atrevidos y texturizados con materiales más delicados y femeninos como la seda fluida, el tul transparente o incluso la organza.
¿Qué hace que el cuero sea tu medio favorito para la moda?
Considero que el cuero es uno de los pocos materiales que puede adoptar tantas formas diferentes. Es tan versátil que puede ser resistente y espesa o femenina y delicada, a diferencia de la seda, que es más fluida y suave. Si bien las opciones de telas para los trajes son limitadas, el cuero logra sin esfuerzo el equilibrio entre lo bello, lo atrevido, lo delicado y lo estructurado, y eso es lo que más me gusta del cuero.
¿Cómo equilibra el uso del cuero con las opiniones actuales sobre la sostenibilidad?
Por supuesto, puede resultar difícil equilibrar la sostenibilidad y mi amor por el cuero. El cuero vegano, a menudo hecho de plástico, no es particularmente duradero y plantea un desafío ambiental, pero me he asociado con un proveedor ético. Obtienen el cuero como subproducto de la industria cárnica, asegurándose de que no se desperdicie. Están certificados ambientalmente, utilizan agua 100 por ciento reciclada, tienen una huella de carbono mínima y funcionan en un 90 por ciento con energía solar. Dado el importante despilfarro global en la industria de la moda, este enfoque me parece el más responsable en estos momentos, aunque estoy barajando alternativas futuras para mantener este equilibrio en mis colecciones.
Mi colección actual AW 2023 tiene la huella ecológica más baja hasta el momento. Utilicé entre un 80 y un 90 por ciento de telas recicladas o que ya no necesitaba. Los patrones, como el de la chaqueta DAN/IEL, están diseñados para producir la menor cantidad de desperdicio posible. Los diseños tienen forma de bloques y evitan las pinzas, por lo que son pocos los retazos de tela que reutilizo. Todas las piezas metálicas se reciclan y el transporte se realiza exclusivamente mediante vehículos eléctricos. Estoy comprometido a realizar estos pequeños cambios para impulsar un cambio en toda la industria.
Mirando hacia atrás, ¿cómo diría que ha evolucionado su estilo de diseño a lo largo de los años?
Hay una gran diferencia entre mi primera colección y la actual. Mi primera colección no fue genial, por decir lo menos. Pero todavía estaba aprendiendo y encontrando mi estilo personal mientras descubría qué quería lograr con mi marca. En aquel entonces, copié otras marcas y probé nuevos diseños. Con el tiempo, la marca se convirtió en lo que es hoy. Pero probablemente una de las principales diferencias entre la primera colección y la actual es que ahora estoy tomando muchos más riesgos en la moda. Utilizo mi propio estilo y lo llevo al extremo, siendo más atrevida, más sofisticada y más yo misma.
¿Dónde ves tu marca en la escena de la moda de Los Ángeles?
La moda de Los Ángeles siempre se ha destacado de otras ciudades. A menudo toma la forma de glamour y esplendor con un toque de excentricidad. Siento que esto es a menudo lo que produzco en mi estudio y llevo a la pasarela. Elegí iniciar mi marca en Los Ángeles porque es donde sucede todo: las estrellas, las alfombras rojas y los eventos llamativos. He demostrado que soy capaz de confeccionar hermosas prendas de lujo que pueden lucirse en la alfombra roja entre las estrellas pero que también brillan en la pasarela.
¿Cuáles son los tres mejores momentos de tu carrera como diseñadora de moda hasta ahora?
El primer momento fue definitivamente mi primer desfile en la Semana de la Moda de Los Ángeles. Fue un curso intensivo sobre los conceptos básicos de la industria y cómo organizar un desfile que sea una publicidad importante para la marca. Para mí era importante mostrar mi estilo e integración temática. Esta experiencia allanó el camino para mi desfile NYFW, que me trajo varios clientes importantes y marcó otro hito en mi carrera como diseñadora.
El segundo momento fue mi primer gran cliente y el posterior momento de reconocimiento que recibí. Trabajé con Lauren Morano y la vestí con un vestido de lentejuelas azul y morado que, sin que yo lo supiera, usó en una fiesta posterior a los Emmy de HBO de 2018. No sólo fue mi primer gran encargo, sino también mi primer gran momento de reconocimiento cuando recibió un lugar en la lista de las mejor vestidas de Cosmopolitan. Aparte de la realización personal, fue reconfortante ver que mis diseños resuenan en los demás. Para mí, el diseño se trata de encontrar un equilibrio entre el éxito empresarial y la alegría y el arte.
El número tres sería mi primer desfile de moda internacional en la Semana de la Moda Árabe en Dubai. No solo fue una oportunidad para mostrar mis diseños en una plataforma global, sino que también gané el premio Golden Forever Rose. Superé a otros grandes diseñadores como Valentino en los premios, lo que me hizo sentir como si me hubiera ganado un lugar en la mesa.
¿Dónde le gustaría ver a JMS en los próximos cinco años?
Espero seguir haciendo lo que hago y apoyar el desarrollo continuo de mi marca, estilo y habilidades técnicas. Quiero convertirme en un nombre conocido y expandirme internacionalmente. Me gustaría exponer en las principales semanas de la moda internacionales como París, Milán y Londres.
Sin embargo, mi mayor objetivo para los próximos cinco años es que mi marca se convierta en un nombre familiar. Si mi trabajo fuera reconocido internacionalmente de esta manera, definitivamente sería un éxito.
Este artículo apareció originalmente en FashionUnited.uk. Traducido y editado por Simone Preuss.