ROLLING STONE lo ha decidido: Estos son los 100 mejores cantantes de todos los tiempos.
El proceso de votación: votaron alrededor de 200 músicos, críticos y expertos designados por la redacción estadounidense. La redacción alemana añadió algunos favoritos.
Los textos del jurado proceden, entre otros, de Mary J. Blige, Billy Joel, Robert Plant, Van Morrison, Jackson Browne, Alicia Keys, Bono, Lenny Kravitz e Iggy Pop.
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Entre otros miembros del jurado:
Alice Cooper, Chris Cornell, David Crosby, Cameron Crowe, Clive Davis, Steve Earle, Melissa Etheridge, Mick Fleetwood, Liam Gallagher, Art Garfunkel, Beth Gibbons, Merle Haggard, Albert Hammond Jr., James Hetfield, Robert Hilburn, Jimmy Iovine, Chris Isaak, Yusuf Islam, Jim James, Billy Joel, Norah Jones, Rickie Lee Jones, Alicia Keys, BB King, Carole King, Lenny Kravitz, Jon Landau, Jerry Leiber, Kurt Loder, Courtney Love, Mike Love, Loretta Lynn, Shelby Lynne, Ray Manzarek, Chris Martin, Paul McGuinness, John Mellencamp, George Michael, Mike Mills, Sinead O’Connor, Yoko Ono, Ozzy Osbourne, Iggy Pop, Keith Richards, Robbie Robertson, Chris Robinson, Mark Ronson, Patti Smith, Bruce Springsteen, Ringo Starr, Seymour Stein, Rod Stewart, Justin Timberlake, Steven Van Zandt, Roger Waters, Scott Weiland, Paul Westerberg, Ann Wilson, Brian Wilson, Nancy Wilson.
El escritor estadounidense Jonathan Lethem nos responde a la pregunta:
¿Qué hace a un cantante talentoso?
Cada voz tiene una personalidad, así como cada cuerpo humano tiene su propio olor o forma. El canto, que cobra vida en lo profundo del vientre, que la garganta le da forma, que lo pone en movimiento el fuelle de los pulmones, que la lengua y los labios le dan forma definitiva, es siempre una especie de beso audible, una confesión espontánea, un eructo. del alma simplemente no puede ser retenida en el camino a través de la existencia terrenal. ¡Qué irremediablemente honesto! ¡Que miedo!
Por cierto, contrariamente a la creencia popular, la capacidad de cantar con un tono bastante bueno no es un obstáculo si quieres convertirte en cantante de rock, como mucho es una pequeña desventaja. Por el contrario, los déficits vocales de Lou Reed no garantizan siempre un “Pale Blue Eyes”, del mismo modo que el torpe gruñido del oso bailarín de Tom Waits no resulta automáticamente en un “Downtown Train”. Sin embargo, el estilo anti-canto caracterizado por figuras como Bob Dylan, Jim Morrison y Jonathan Richman ha demostrado ser sorprendentemente duradero y formativo.
Para mí, Bob Dylan y Patti Smith, por nombrar sólo dos, son cantantes magníficos desde cualquier punto de vista que pueda ser relevante a mis ojos: expresión, sorpresa, sentimiento, estructura, humor, horizonte. Estos dos, un puñado de otros: sus eructos del alma son para mí los eructos del alma de los dioses. La voz de la cantante, su belleza, nos toca en un lugar tan personal como el lugar donde es creada. Lo extraño no es sólo la sumisión extática a la que los cantantes pueden seducirnos, sino también la desilusión que a veces sigue tan pronto como recuperamos el control de nuestros sentidos, como si nos hubieran engañado para amarlos, manipulado nuestros circuitos y descubierto un Se descubrió un punto débil que pensábamos que había estado soldado durante mucho tiempo. Cualquiera que se enamora de un cantante vuelve a ser adolescente, cada vez.
Los cantantes son fraudes. De vez en cuando nos preguntamos si no deberíamos verlos como actores, y luego decidir que los “reales” REM son Buck, Berry y Mills, no ese loco líder Stipe, o que los “reales” Rolling Stones son solo Richards. – Wood-Watts-Wyman en lugar del molesto Jagger. Pero tenga cuidado: siga pensando en esta dirección y comenzará a especular sobre cómo serían los Doors sin “Mr. Mojo Risin'” o si alguien podría transmitir las retorcidas sílabas de Dylan mejor que el propio Dylan. Y hay pruebas contundentes en contra de ambos. De hecho, bandas como los Stones o REM son a menudo tan únicas e impresionantes precisamente porque los instrumentistas logran crear el marco perfecto para el enfoque no 100% musical de su vocalista ante una canción: el patetismo o el murmullo, las interjecciones habladas o las sílabas superfluas. que alteran el ritmo y el compás tal como lo conocemos,
Se trata de aires de estrella de cine por los que admiramos a los cantantes y al mismo tiempo los resentimos.
Lo curioso de esta fobia a las poses es que los cantantes también la padecen, hasta el punto de que algunos de ellos llevan en el escenario una guitarra cuidadosamente desenchufada. Y explica la preferencia del “rock” por los cantantes que escriben sus propias canciones. Si una interpretación vocal que toca nuestros corazones recuerda a un paseo por la cuerda floja, impresionante y grotesco al mismo tiempo, entonces podemos consolarnos con el hecho de que Neil Young o Gillian Welch o Joe Strummer al menos cavaron los cimientos de los mástiles y Estiró el cable con sus propias manos. Mientras que los cantantes que dependen de material existente o personalizado, como Janis Joplin, Rod Stewart y Whitney Houston, pueden ser simplemente pájaros posados en los cables de otras personas. Mientras escuchamos a los cantantes deambular alrededor de una máquina de karaoke como animales magníficos, podemos divertirnos preguntándonos si están viendo en la letra el significado que pretendía el autor, o algún significado en absoluto.
Lo que da una pista de lo que hace que el canto sea excelente en la era del rock y el soul: que hay una tensión subyacente en la distancia entre el cantante y la canción. Se construye un puente que salva un gran vacío y nunca sabemos si el cantante podrá cruzarlo. La brecha puede estar entre la naturaleza de la voz y el significado real de las palabras, o entre el cantante y la banda, el género musical, el estilo de producción o las expectativas de la audiencia. En cualquier caso, hay una maravillosa sensación de malestar subyacente en el estilo de canto que definió la era del pop. El ejemplo más simple viene del momento de su creación, es decir, Elvis Presley: los primeros oyentes pensaron que el hombre blanco era un hombre negro. Es sólo una ligera exageración decir que en el momento en que el programa de televisión de Ed Sullivan trajo esta disyunción a la sala de estar de todos, la cultura estadounidense quedó fascinada pero también un poco confusa, un sentimiento que aún no hemos superado del todo hasta el día de hoy. El hecho de que sólo unos pocos estilos de canto hayan tenido el mismo potencial revolucionario desde entonces no se debe a falta de esfuerzo. Cuando los Doors probaron cómo suena el rock’n’roll con una fachada de hosco patetismo, o los Ramones o Modern Lovers pusieron la banda sonora a las convulsiones infantiles, el oyente podría haber pensado al principio: ¿Es esto una broma? Pero el chiste es el cambio transformado en sonido: algo cambia en la forma en que nos afecta una canción. En el café donde estoy escribiendo esto, Morrissey apenas salía de los parlantes y claramente estaba entrando por las puertas que abrió Jim Morrison.
En definitiva, el papel del cantante en la música popular, después de Elvis, después de Sam Cooke, después de Ray Charles, es el mismo que el del solista instrumental en el jazz. Esto significa que si no supera al menos un poco las limitaciones de su forma, en realidad no pasa nada. Independientemente de si las líneas cantadas fueron escritas por el propio cantante o inventadas en un laboratorio Brill Building o Motown, o si provienen de otro género, de blues o bluegrass o musicales: un cantante de rock, soul o pop tiene que hacer algo con ellas. Hacer cosas indescriptibles que intentan ir más allá del contexto dado. Etta James, Ray Davies, Mama Cass, Mark Kozelek, Levi Stubbs Jr.: puede que no suenen todos como cantantes de protesta, pero siempre cantan en contra de algo, ya sea contra ellos mismos, la banda detrás de ellos, el mundo en el que viven, el material que les han dado para cantar, o todo a la vez.
Juzgamos el canto antes de la era del rock por la perfección con la que se expresan las letras. Éste es el estándar que ejemplifica Frank Sinatra. Desde 1956, juzgamos el canto en función de si el cantante descubre en una canción algo que él mismo nunca fue capaz de expresar. Esto explica por qué voces como Joan Baez, Emmylou Harris o Billy Joel nunca parecen cantar realmente en el lenguaje contemporáneo, por mucho que rocen el material o el acompañamiento a contrapelo, y por qué Elvis -como Dylan- siempre es rock, incluso cuando “Luna Azul” canta. También explica por qué gargantas virtuosas como Aretha Franklin o, sí, Karen Carpenter trabajan en la nueva tradición. Ningún texto, sin importar quién lo escribiera, podría expresar lo que sus voces necesitaban expresar, y no esperaron a que un solo o unos cuantos susurros se lo transmitieran. Lo pusieron en su voz, su voz lo envió al éter y desde allí viajó a nuestros cuerpos.
¿Cómo podremos agradecerles lo suficiente?