Llevar al éxtasis a 70.000 personas o más sin esfuerzo es una imagen que ha permanecido de Queen incluso después de la muerte de Freddie Mercury. Pero esto probablemente no hubiera sido posible sin revivir a través de un sonido vintage que incorporaba los logros de los derroches de producción de los 80. Así lo aseguró “The Works”, lanzado el 27 de febrero de 1984 y que sólo contenía nueve canciones, todas las cuales se convirtieron en singles y caras B.
El éxito de Live Aid, con el que un año más tarde el grupo acaparó el show de todos los demás participantes, sería bastante correcto sin el marco de este álbum de regreso al rock, que también fue producido por Reinhold Mack en Múnich, pero grabado en gran parte en los EE. UU. La placa no fue posible en absoluto. Y eso no se debe a que “Radio Gaga” y “Hammer To Fall” consiguieran más tarde hacer aplaudir a las masas, sino a que Queen fue capaz de lidiar con éxitos contagiosos como “I Want To Break Free”, rockeros duros de ACDC (“Tear It Up”) y un regreso a baladas poderosas del viejo estilo como “It’s A Hard Life”.
Queen quería ser superestrellas (y lo demostró)
Eso también era necesario. La tragedia funk-disco “Hot Space” hoy se puede perdonar, pero en su momento no sólo se quejaron los críticos, sino que muchos fans tampoco quisieron aceptar el lado suave del grupo o decidieron pasar al grupo. corriente principal en ese momento increíble. El hecho de que incluso el álbum más mediocre de Queen todavía produjera joyas como “Under Pressure” consolidó la reputación de ser parte legítimamente de la liga de supergrupos, incluso si la competencia con U2 y The Police y “The Works” también creció a veces no puede ocultar la añorando los días mágicos de los años 70.
El americano ROLLING STONE consideró entonces que el álbum era algo así como el “Led Zeppelin II” de los años 80. La malicia de los críticos pop ha acompañado a Queen desde su debut. Pero este registro sorprendentemente corto (sólo 37 minutos) también marcó una metamorfosis autocrítica y segura de sí misma hacia un modo de superestrella inexpugnable. Freddie Mercury pasó de ser el líder voluble de una formación de rock duro impulsada por la pompa que nunca encontró realmente un estilo consistente, pero que siempre fue capaz de proporcionar suficientes linternas, a un conductor de masas.
El vídeo de “Radio Gaga”, impulsado por imágenes de “Metropolis” y la estética de Leni Riefenstahl, lo dejó claramente claro. La crítica sentimental de la era emergente de MTV se vio socavada por el hecho de que Queen encontró una audiencia de millones con dos videoclips, aunque la parodia de “Coronation Street” de “I Want To Break Free” con medias y con un estilo de mamá queer llegó más tarde. Se culpó a esto de que los británicos perdieran terreno en Estados Unidos. De hecho, el disco se vendió allí peor que cualquier otro anterior.
Seguía siendo un defecto que a Queen no le importaba nada. Probablemente también porque muchos no entendieron su uso frívolo de los códigos gay. En una actuación en Río, una de las más grandes y legendarias de su historia, casi hubo un mini disturbio debido al equipo drag en el escenario. Mercury aún no había dejado clara públicamente su sexualidad en este momento.
Ópera en el mezclador con estilo Eurodisco y potencia ACDC
La potencia ideológica de “Las Obras” fue una batalla simbólica de personas contra máquinas (o: Reina contra el progreso), que quedó muy clara en el collage indiosincrásico “Máquinas (o de regreso a los humanos)”, en el que todo el espectro de los años 80: Se utilizó tecnología de estudio y en la que la simbiosis valiente pero un tanto sospechosa de la banda entre Kraftwerk y el pastiche de rockabilly se logra con tanta claridad que no querrás escuchar por mucho tiempo.
Experimentos sonoros de este tipo, que también eliminan el vestuario individual, todavía se encuentran en casi todos los LP de Queen, como por ejemplo “Prophet’s Song” en “A Night At The Opera”. Pero aquí nadie tiene por qué avergonzarse, a pesar del robofiltro y el desagradable codificador de voz. Pero luego un poco por los tópicos de “Keep Passing The Open Windows”, que quizás sean un número de salud mental hoy en día. Queen son cuidadores, dan a sus oyentes instrucciones sobre cómo seguir adelante a pesar de la adversidad. Ya sea con movimientos despreocupados como en “Hammer To Fall” o con el argumento de que alguien debería cuidar de la Madre Tierra antes de que sea destruida por todos los cínicos y súper ricos (“¿Es este el mundo que creamos…?”, por supuesto). .la sabia previsión de “Somos el mundo”).
Más sobre la reina
Queen se ha reinventado con “The Works” sin tener que estirarse hasta el techo. Simplemente volvieron a escribir algunas de sus canciones (“Man On The Prowl”/“Crazy Little Thing Called Love”) y Freddie Mercury calentó su inclinación por las fantasías operísticas con alboroto eurodisco. No todo encaja si hoy vuelves a escuchar el disco con los oídos abiertos y sin centrarte en los hits eternos. Pero a pesar de todos los esfuerzos por hacer un gran gesto, por reconciliar los excesos artísticos de la década anterior con los desafíos de la era Thatcher plagada de angustia, se logró mucho porque la banda no ignoró los detalles.
Y si fuera solo que Roger Deacon insistió en que Brian May guardara su solo de guitarra para la versión de concierto de la pieza para poder usar el sintetizador previamente mal visto para el trabajo de estudio.